INDICE 2007
1BAUDRILLARD
HA MUERTO VIVA BRIAN ENO
7 Marzo 2007 12:33
2CARLOS PAZOS
Y KILLING MACHINE EN EL MACBA
13 Marzo 2007 13:15
3FERRAN ADRIA
EN LA DOCUMENTA DE KASSSEL
23 Marzo 2007 00:21
4RAFOLS
CASAMADA: GUSTOEXTREMO
05 Abril 2007 10:53
5GABRIEL Y LA
FURA DELS BAHUS.
02 Abril 2007 01:30
6ANDREAS
SLOMINSKI Y LA COMPLEJIDAD COMPUTACIONAL.
10 Abril 2007 17:35
7PICASSO Y EL
TOMATE
18 Mayo, 2007 20:09
8LA RAUXA
CREATIVA
28 Mayo 2007 18:48
9SWAB BARCELONA . PERFUME. LACA EN LAS UÑAS Y
MASAJE.
13 Mayo 2007 01:19
10DOLL FACE
13 Mayo 2007 01:19
11MICHAEL LIN
Y ALBERT PLA EN LA GRAN CIUDAD
02 Junio 2007 13:58
12PRIMAVERA
SOUND
03 Junio 2007 00:34
13PERFORMANCE
EN LA GALERIA MIGUEL MARCOS
08 Junio, 2007 20:01
14PARADOJAS
DEL ARTE: ENTRE LA INTELIGENCIA CONCEPTUAL(ABALLI) Y LA INTELIGENCIA FORMAL(ADRIÁ)
13 Junio2007 19:31
15BEGOÑA
EGURBIDE EN CAIXA FORUM
15 Junio 2007
16ANGELICA
QUINTANA Y EL RAYO AMARILLO
28 Junio 2007 10:36
17JEAN - LUC
GODARD: EL CINE ES UN MISTERIO.
29 Junio 2007 12:08
18LA
CONCORDANCIA PERFECTA: FRANK GHERY, RICHARD SERRA Y BILBAO
29 Agosto 2007 12:56
19ESCENOGRAFIAS
SIMBÓLICAS DE ANSELM KIEFER
01 septiembre 2007
10:11
20EL PENDULO
NEGRO DE FELLINI
05 Septiembre, 2007
11:02
21ORIOL
VILAPUIG: VER Y LEER
15 Septiembre, 2007
11:49
22JAVIER
PUERTOLAS Y EL MANTO PROTECTOR
21 Septiembre, 2007
23:11
23JOSE
PANTALEON: LA DIMENSION OCULTA
24 Septiembre, 2007
11:19
24CRITICO
ROBERT HUGUES : POLEMISTA AUTORIZADO
25 septiembre 2007
25JOAN PUEYO Y
SU OBRA "CONTORSIONISTA.
25 Septiembre, 2007
22:40
26LA LABORAL Y
VISIONICA
30 Septiembre, 2007
00:27
27ARTE
CONCEPTUAL EN LA SALA TRES DE SABADELL (1972-1979)
07 Septiembre, 2007
00:51
28TOM CARR :
DEL JARDÍN IMPERFECTO.
09 Septiembre, 2007
21:51
29MANEL
ESCLUSA:LOOK OF CATALONIA
27 Septiembre, 2007
19:39
1 de Octubre 2007
19:48
2 ª Parte JOSE LUIS
GUERIN EN LA CIUDAD DE SYLVIA
31JOAQUIM
CHANCHO EN LA SENDA DEL ZIGZAG
31 Octubre 2007 21:44
32GUNTHER VON
HAGENS Y EL CSI
08 Octubre, 2007
23:06
33RON MUECK Y
VANESSA PRIETO:ESCALA Y PROPORCIÓN.
06 Octubre, 2007 11:22
34ARTE Y
PROYECTOS SONOROS:BUDDHA MACHINE , REAC TABLE Y ZEPPELIN 2008
11 OCTUBRE 2007 00:12
35GLORIA COT
19 Octubre 2007 19:25
36DOS ESCUELAS
A LA VEZ
31 Octubre, 2007
19:23
37ARTE JOVEN
EN LA ERA DE LA EDAD REDEFINIDA
04 Octubre, 2007
00:36
38BANKSY
DESCUBIERTO
01 Noviembre 2007
12:03
39TOYO ITO Y
MUTSURO SASAKI EN LA SAGRADA FAMILIA
06 Noviembre 2007
00:27
40JULIAN
ALVAREZ: UNA RETROSPECTIVA
13 Noviembre 2007
21:34
41ROSA PUIG EN
GALERIA ANTONIO DE BARNOLA
15 Noviembre 2007
16:37
42CRITICO
INDEPENDIENTE
20 Noviembre
2007 09:35
43ARTE SACRO Y PROFANO
22 Noviembre
2007 17:24
44ARTE
PREVISIBLE
27 Noviembre
2007 01:37
45CINE
PREVISIBLE
27 Noviembre, 2007
00:37
46MAR
CUADRADO: ANNA COMELLAS EN BERLIN
20 Noviembre 2007
47EL MACBA
BAJO LA BOMBA
01 Diciembre
2007 21:07
48PULSIONES :
ENTRE EL PODER DE LA FORMA Y LA INTELIGENCIA DEL CONCEPTO.
07 Diciembre
2007 23:55
49SABINE
FINKENAUER:DE NIÑAS Y FLORES
10 Diciembre
2007 18:29
50GUSTAV JUNG
16 Diciembre
2007 00:16
51ARTFUTURA
2007. MARCEL.LI ANTUNEZ YA ESTA AQUÍ
20 Diciembre 2007
00:28
52GONZALO TENA
EN LA GALERIA FERNANDO LATORRE
Begin being ready to
find the human mind, 2007
26 Diciembre, 2007
22:07
53EL ARTE
O.I.: ENTRE EL PODER DE LA FORMA Y LA INTELIGENCIA DEL CONCEPTO
20 Diciembre, 2007
22:43
54GABRIEL
POLUTROPON EN EL TINGLADO 2 DE TARRAGONA
15 Diciembre, 2007
22:16
55MANUEL
J.BORJA VILLEL AL MNCARS
23 DICIEMBRE
2007 13:51
1BAUDRILLARD HA MUERTO VIVA BRIAN ENO
7 Marzo 2007 12:33
Hasta finales de marzo se esta realizando la mayor exposición pública que se ha hecho del artista y músico Brian Eno. En el centro de Barcelona, en el Fnac Triangle, en
Las pinturas digitales están instaladas formando el signo de la multiplicación, un aspa o cruz de San Andrés. Creo que he contado doce espacios en los que estos cambios se van produciendo. La mágia esta garantizada por la seducción de las imágenes, la música y la oscuridad de la sala. Creo que es un software generativo capaz de crear tantas combinaciones que necesitaríamos miles de años para verlo entero y a bastante velocidad. Si algún espectador pertinaz pudiera llegar a pasar un día completo en el centro donde se presenta tendría que estar 24 horas durante 24 dias.
Este proceso epistemológico de Brian Eno haría feliz a los apóstoles de la combinatoria como Raimon Llul o a todos aquellos renacentistas que quisieron agotar al máximo las posibilidades de comprensión con sistemas complejos y diagramas místicos como Athanasius Kirchner , precursos de los estudios procesuales y computadoriales y también artísticos como por ejemplo el artista norteamericano Matt Mullican.
Cuando estaba preparando este comentario, he recibido la noticia de la muerte del filósofo Jean Baudrillard con 77 años. No es una edad especial para morir pero lo cierto es que la vida ha emparentado dos cifras simbólicas: por un lado las 77 millones de pinturas, por otro los 77 años de Baudrillard. Baudrillard ha sido un buen analista de la sociedad contemporánea y uno de los impulsores de
El último texto que leí de Baudrillard se llama "El Complot del Arte" y son unas entrevistas, en plano corto, que a menudo es la mejor manera de comprender las preocupaciones de las personas. En este libro se hace al final, en la última entrevista, una especie de predicción sobre el futuro del arte: "Puede haber singularidades…estas singularidades son imprevisibles y corren grave riesgo de ser efímeras, de no entrar en
2CARLOS PAZOS Y KILLING MACHINE EN EL MACBA
Nada más y nada menos que Carlos Pazos y The Killing Machine juntos: ¡Que empiece el espectáculo!.
Hoy que ha dejado sus huellas grabadas en el suelo de la fama (The floor of fame,1978) vi un artista confundido entre el público, sin señales evidentes de su poderío, una persona humilde, queriendo no ser nada y a la que no había que decir nada. Pero el destino le persigue y a pesar de su nueva actitud reservada y discreta, la inteligencia programadora del Macba o el azar, le han hecho encontrarse nuevamente con el espectáculo. Han coincidido en un mismo espacio y tiempo la obra de Janet Cardiff & George Bures Millar y la de Carlos Pazos. En 1993, Pazos hizo una exposición con el título de "Un Elefante en el Limbo" en el Centro de Arte Santa Mónica en la que mostraba su producción de los años ochenta. Un elefante de neón azul con la trompa levantada anunciaba la exposición a los paseantes de las Ramblas. El núcleo principal era una instalación múltiple, en cinco ambientes, en la que utilizaba todos los componentes escénicos para impactar en los sentidos del espectador. Recuerdo de un modo especial: ¡Naufragamos Peter Pan! Y ¡Aquella noche volví a llorar con Bambi!. De la primera recuerdo también una especie de pasillo amplio, con puertas a ambos lados y en el centro los restos de un naufragio. El espectador veía la tramoya, la construcción falsa del escenario construido para la ocasión y sumergido en el ambiente de la escena iba escuchando unos tremendos portazos que resonaban en toda la sala. Fue una instalación muy avanzada a su tiempo, pues el espacio como sustancia de trabajo, tal como ha ido evolucionando, no se incorporaría hasta unos años más tarde con obras, como las de IlyA Kabakov, Pedro Mora o Mike Kelley en su: " The trajectory of Light in Plato´s Cave, por ejemplo.
He visitado ambas exposiciones en dos ocasiones, dos días en los que he podido comprobar el atractivo mediático de Pazos y de las instalaciones, de las maquetas habitables de "The Killing Machine", el éxito de público ha sido enorme. El sonido, la iluminación, los recorridos para entrar y salir convierten al museo en un espectáculo vivo. Esa es la palabra: espectáculo.
Carlos Pazos ha cultivado magistralmente esta cualidad de lo artístico como quedó demostrado en el 93 y como se puede apreciar, ahora en el Macba con "Carlove en el bosque borrador", que es un espacio vedado y al que solo se puede acceder por la expectación del visitante que mira y ve un tren eléctrico en funcionamiento permanente, un osito funámbulo con unas luces, unas copas gigantescas para Dry Martini y otros objetos que crean una escenografía de recuerdos y melancolía. Pazos ha cultivado el espectáculo dentro y fuera del territorio del arte, en su trayectoria hay momentos que confirman esta intención, desde sus "desideratums" de actor ya mencionados en "Voy a hacer de mi una estrella"(75) , The Floor of Fame"(78) y otras de esos años, o como la proposición de convertir un tugurio, dedicado al baile de los jueves de las "chachas" de lo ochenta, en un lugar con el glamour de la decadencia y dedicado a lo que él y Manuel Valls llamaron: "Bailes Selectos", por último , su extraordinario y minúscula coctelería : "El Bijou", que estaba decorada con el ambiente del bar que Stanley Kubrick construyo para "El Resplandor" y en la que se podía empezar o acabar la noche. Allí servía las copas un personaje extraordinario llamado Fernando que tenía una "bis de actor" y que si no fuera porque preparaba magníficos "cocktails", podría parecer que formaba parte del atrezzo del lugar. La exposición de Pazos culmina en un "MNEMOCINE" en el que el espectador , sentado en butacas, puede ver actuar, entre otros, al propio artista en una película-collage de treinta minutos.
Carlos Pazos y los autores de The Killing Machine: Janet Cardiff & George Bures Millar han quedado hermanados, en el gran escenario del Macba, por la seducción del espectáculo, por la magia de los espacios y los sonidos, por intentar conmover al espectador y sacarlo de su rutinaria actitud corporal de visitante de museos, quitarle la cara fría e intelectual del que mira exposiciones y hacer que aparezca en sus rostros, la mueca de la risa, el fruncido de la atención o el espasmo del susto. ¿Eso, será bueno?
3FERRAN ADRIA EN
Cada cinco años hay un evento en la ciudad alemana de Kassel que lanza a la posteridad artistas y críticos. Este verano se celebrará la que hace la número 12.Robert Buergel, que según dicen se pasea con un coche Masserati y al que
Hace años ,cuando Adrià no era conocido, un grupo de amigos me sugirió ir al Bulli, aún se podía cenar sin reserva de años, o décadas. Yo, llevado de un extraño impulso, que en ocasiones me domina, dije: "ni hablar, yo no voy, acaso, ¿os gustaría que Van Gogh os diera de comer su oreja recién cortada"? Con esa extraña frase dejé perplejos a mis compañeros y estaba anunciando la llegada del artista Adrià con su torturada genialidad a
El nomadismo ha sido elogiado, el transterritorialismo, la desacralización de los lugares míticos, el artista moderno cambia de lugar, nunca está quieto, no puede parar y de repente nos sale Adriá y nos marca en la piel la señal, la marca, un círculo perfecto con la plancha de tostar la crema catalana y convierte el Bulli en una catedral a la que hay que ir en peregrinación .La nueva ruta de Santiago pasa por
El artista cocinero tiene en Barcelona un compañero gastrósofo , me refiero al diseñador Martí Guixé que se anuncia como un nutricionista excéntrico de
Todo el mundo habla de arte y nadie lo ha probado, nadie sabe lo que es, sabemos muy poco, pero igual que no sabemos la verdadera razón de porque se pinta, porque tampoco sabemos la razón por la que vivimos o morimos, la ignorancia y el desconocimiento es la maravilla de lo artístico. Mientras, nos consuela la inteligencia formal de Ferran Adriá.Pero ciertamente: ¿es un artista? Creo que casi si lo es EN DIECISEIS aspectos pero no en uno, me explicaré:
1.Su obra como la de un artista :es fenomenológica ,una obra total porque va dirigida a
2.Su actitud como la de un artista está en su personalidad, su Creación su Experimentación. su Pasión, su voluntad adivinatoria y su dedicación absoluta
3.Su obra como la de los grandes artistas ha sido definida como de gran Inteligencia Formal y produce efectos transformativos como demuestra la polémica.
4.Su obra es fundamental y se basa en un instinto básico que es la nutrición. Sino hay alimento no hay vida ni pensamiento, ni concepto.
5.Su obra como la de lo artistas nos demuestra que todo puede ser arte si hay la actitud y el método adecuado.
6.Su obra como la de los artistas es instintiva e intuitiva pero sometida aun método riguroso.
7.Su obra como la de algunos artistas esta hecha de formas efímeras, como los dibujos en la arena de los monjes tibetano.
8.Su obra tiene forma y texturas como la de los artistas: Esferificación Gelificación Emulsificación. Espesantes y Crepitación.
9.Su obra como la de muchos artistas es muy formalista sin caer en un esteticismo decadentista
10.Su obra como la de los artistas tiene formas básicas en las que se encuentran conceptos fundamentales, por ejemplo las esferas.
11.Su obra como la de los artistas es formalista como otras muchas obras del arte contemporáneo.
12.Su obra como la de los artistas exige el rito de la contemplación y degustación de las grandes obras. Sacraliza lo cotidiano.
13.Su obra como la de los artistas exige un lugar determinado y específico para ser vista.
14.Su obra como la de los artistas exige un momento especial para ser vista y degustada.
15.Su obra como la de los artistas se manifiesta cuando se va creando en la cocina, mientras se ejecuta va apareciendo el arte.
16.Su obra como la de los grandes artistas reivindica el valor artístico de la vida cotidiana.
Su obra NO ES COMO
4RAFOLS CASAMADA: GUSTOEXTREMO
05 Abril 2007 10:53
Creo que alguien que ha nacido en la misma semana que un servidor, merece la comprensión que otorgan los astros al haber nacido bajo el mismo signo: Acuario. El, y yo tenemos el mismo problema: nos fascina la belleza. El, y yo creemos en la geometría de las formas, pero en una geometría suave, sensible, lo que yo diría sentimental. El, y yo tenemos fascinación por la naturaleza y la observamos bajo el prisma de oriente, buscamos los "haikus" que se encuentran en los cambios estacionales, como pasa la vida , como se confirma la impermanencia de todo. El, y yo aspiramos a la imperturbabilidad de los griegos. El y yo, tenemos un "gustoextremo". No me atrevo a asegurar que ambos tengamos el mismo sentido de la muerte. Me parece que el arte es una construcción de indicaciones que los artistas hacen al mundo para que este los escuche, los artistas indican derivas desde su trance estático pero productivo. El dolor forma parte de esa facultad adivinatoria, de esa lucidez no buscada y otorgada por el destino. Por esta razón nuestro sentido del gustoextremo, el de él y el mío debe incorporar la condición humana del dolor. Si no es así podríamos quedarnos en las puertas del conocimiento, no pasar al otro lado y conformarnos con el "aura mediocritas", tan temida o tan deseada por todos, vivir del prestigio conseguido, alejadas las ambiciones y pasiones de cambio que ayudaron a crear el buen proyecto de Eina en los años "60" , pero ahora ninguno de nosotros, ni él ni yo, ni sus amigos queremos preocupaciones , y como decían nuestros mayores : se trata de ir aprobando y procurando amores.
5GABRIEL Y
Tengo una antigua amistad con Gabriel. Creo que su idea sobre el arte es de una magnitud extraordinaria y sus textos están llenos de indicaciones para los que quieran escucharlas. Ayer, Sábado, se inauguraba un nuevo paseo en Badalona, ciudad en la que nació y de la que marchó muy joven.
El tiempo no acompañaba pero quise estar en este evento por su gran significación biográfica. Me presenté en
En una crítica que hice a Angel Jové hace algunos años utilice la expresión: Luz Peluda, aquí hermanado intelectualmente con Gabriel, veo que él ha utilizado la expresión no menos afortunada de: Incendio Frío, creo que ambos sabemos del placer de los contrarios. El hermetismo de estas obras, abrieron ayer a los habitantes de este barrio el camino a la iniciación y al auténtico conocimiento con un final Wagneriano, a ellos y a todos los que pasábamos por allí.
6ANDREAS SLOMINSKI Y
La obra de Slominski es IRRITANTE. En su primera época estaba dominada por un extremo conceptualismo que superaba cualquier intención formal. Su búsqueda de complejidad le ha hecho proponer cosas como la siguiente: derribar un edificio que se interponía entre un piano y el asiento del pianista para acercar uno al otro. Sus instalaciones han sido muy atrevidas. Su serie dedicada a trampas absurdas para animales" de 1999. Su último trabajo ha sido en
www.metropicturesgallery.com.
Sin entrar plenamente en la dimensión de su trabajo, su obra me irrita pero reconozco que a la vez, me interesa porque desde hace tiempo me inquieta la noción filosófica de lo complejo, y su obra esta guiada por la intención de perseverar en la noción de máxima complejidad. Su lema preferido es: ¿Porqué hemos de hacer una cosa de una manera sencilla si podemos hacer lo mismo de una manera complicada?
Si comparo este ejemplo de complejidad con la que propone el Instituto Internacional para el Pensamiento Complejo liderado por el pensador francés Edgar Morin o con
Debo reconocer que no es una palabra seductora, quizá porque tengo tendencia a caer en ese mal vicio de complicarme las cosas. Es cierto que la complejidad y los algoritmos permiten, entre otras cosas, que yo este escribiendo este texto para deleite de quien quiera leerlo, o que si me infarto me enchufen a una máquina inteligente. Pero, no sé, igualmente me sigue resultando antipática.
¿Existirá una complejidad de lo sencillo? ¿Existe algo sencillo? ¿Alguién sabe algo? Y sobre todo, hagamos caso a Slominski que es alemán y debe haber pensado mucho sobre esto. Slominski propuso transportar de una manera muy complicada una cucharita llena de jarabe.Yo creo que antes que él, el doctor Franz de Viena ya había pensado en la complejidad de las cucharas y las cucharitas como se ve en el siguiente ejemplo:
7PICASSO Y EL TOMATE
18 Mayo, 2007 20:09
He oído en el programa Chanel de Cuatro que la periodista del corazón: Rosa Villacastin ,decía que a ella no le importaba lo que hacían los políticos de cintura para abajo. Lo decía a propósito de los rumores que vinculan al candidato Gallardón con Montserrat Corulla, una especie de "mata-hari" de la operación Malaya de Marbella. Este tema no me interesa, pero siempre hay algo que decir.
La prensa del corazón nunca había tenido la importancia que tiene hoy en día y me siento un poco responsable de ello. Con el apogeo posmoderno algunos empezamos a elogiar la banalidad como una condición más del ser humano. La trascendencia ya la conocíamos, la seriedad racionalizadora de lo moderno nos había dado grandes satisfacciones pero no nos resultaba suficiente y algunos empezamos a predicar que en los pequeños avatares del ser humano, había alguna virtud interesante y empezamos a hablar del factor humano y de estos temas de un modo frívolo. Por ejemplo, dijímos que en realidad la querella entre Walter Gropius y Johannes Itten en
Preocupado por este tema y constatando como la situación se nos ha ido de las manos, mi paciencia ha llegado al límite cuando he visto ,en estos días, que la superficial ,malintencionada y perversa prensa del corazón ha puesto su nariz en las partes de Pablo Picasso. Quien conozca un poco la biografía de Pablo Picasso sabrá que su manera de relacionarse con las mujeres era muy especial, entre otras cosas porque ellas mismas, Marie-Thérèse Walter , Dora Maar ,François Gilot, Fernande Olivier , su propia hija Paloma y tantas otras, han hablado de ello. Los especialistas no le dieron más importancia que la que tiene. Pero estos días un personajillo del mundo rosa, un epifenómeno posmoderno que para más "inri" se las da de filólogo culto, y lidera una pandilla de descerebrados malparlantes y procaces, está haciendo unos programas en Tele 5 sobre Miguel Bosé y su enigmática y desconocida vida. Este afán ha llevado a esta pandilla nefasta a hablar de su padre, el torero Dominguin, de su madre Lucia Bosé y como no, tirando del hilo, han ido a parar a las partes pudendas de Picasso. La familia mantenía buenas relaciones con el artista y los "malaslenguas" del corazón están diciendo: que si un día la cogió por aquí y otro por allá. Creo que la situación es insoportable para todos aquellos que han querido hacer algo real, con esfuerzo y dedicación y que por fortuna o desgracia han conseguido la fama. Ahora la anécdota se sobrepone a los valores reales, se ha abierto la caja de los truenos y lo mismo da hablar del "yoyas" que de Saramago. Ahora ya no les sirve a los oportunistas sin escrúpulos, ni corazón, ni cerebro la excusa del que no quiere no sale en sus programas, porque el pobre Picasso hace tiempo que cría malvas y es presa de sus dentelladas rabiosas.Todos absolutamente todos , estamos a merced de unos cuantos seres sin piedad.
Creo que el factor humano es importante y que un fuerte dolor de cabeza arruina la mejor de las conferencias, que un disgusto con la pareja puede oscurecer una puesta de sol o dar al traste con la mejor emoción, sé que Severo Ochoa no se recuperó nunca de la depresión que le causó la muerte de su mujer, por eso creo que lo vital, lo menor, lo pequeño, lo que creemos que no tiene importancia es decisivo en nuestras vidas, lo creo, lo sigo pensando y creo que los aspectos humanos son muy importantes, pero no doy legitimidad a la impúdica nariz de esos rastreadores de miserias que anestesian con vapores pestilentes la conciencia crítica real de las personas ante los temas que realmente les afectan. Lo mejor que se puede hacer con Picasso es cantarle una canción como hizo Richman en el 2002.
8LA RAUXA CREATIVA
Hay palabras catalanas muy especiales, "rauxa" es una de ellas. Otra podría se "atzucac". Siempre he admirado a las personas que en medio del oasis manifiestan inquietud por conocer algo más que las cuatro palmeras datileras que tienen frente a sus narices. Normalmente aquellos que se atreven a ir más allá son una pura demostración de "
Carles Santos, Albert Vidal , Quimi Portet, Carles Hac Mor, Joan Pueyo, Jaume Sisa, Pau Riba, Marceli Antunez, Cesc Gelabert, Antoni Marí, Gabriel, Benet Ferrer, Antoni Tapies, Javier Mariscal, Fernando Amat, Sergi Pamies, Quim Monzó, Miki Moto, Pi de
9SWAB BARCELONA . PERFUME. LACA EN LAS UÑAS Y MASAJE.
Las Ferias de Arte son momentos de máxima concentración en esa deriva de la mentalidad, son indicativos de lo que los artistas saben que nos pasa. Son un hito en la evolución de las mentalidades y los espectadores debemos tener los mecanismos adecuados para su captación, para su adecuada interpretación. Los días 10-11-12-13 de Mayo se celebró en Barcelona una Feria Internacional de Arte con el nombre de Swab ,un evento cuya celebración ha corrido de boca en boca por la ciudad, un nuevo intento, y van unos cuantos ya, de dar a la urbe el rango en materia artística que ha conseguido en el diseño, en los bares, en el turismo, en las olimpiadas, en las revistas gráficas, en las tiendas de ropa, en la arquitectura, en la fecundación in vitro, en las bodas de parejas homosexuales, en los hoteles y en las peluquerías más modernas. Se da la paradoja de que mientras todo va avanzando aceleradamente en Barcelona, las galerías de arte no proliferan, hay pocas, son siempre las mismas y los artistas están algo desencantados. Hay muchos artistas extranjeros que llegan entusiasmados con la idea de sumarse al vanguardismo que la ciudad ha vendido en el mundo y tienen que marcharse a sus lugares de origen decepcionados por las pocas oportunidades que encuentran para mostrar su trabajo y sin entender nada, porque mientras la ciudad consigue un lugar en el mundo los artistas y las galerías no.
En este contexto hay que ubicar la iniciativa de los Diaz- Gascón, un padre y una hija que han querido dar a la ciudad un rango internacional con esta nueva feria .Las galerías que participan dan idea de la voluntad cosmopolita de los organizadores y son las siguientes:1 Leo Koenig, Nueva York 2 Jarmuschek and partner, Berlín 3 Christian Ehrentraut, Berlín 4 Akinci, Amsterdam 5 Estrany-de
Swab es el nombre del evento y según se hace constar en el catálogo de
Cuando entré en la sala donde se construían antiguos galeones ,en "Les Drassanes Reials de Barcelona, tope de bruces con la primera emoción de mi visita, unas jóvenes me ofrecían muestras de perfume como un requisito indispensable para iniciar bien el recorrido. El perfume indica el clima seductor del artificio. Así empecé mi paseo por los stands, dispuesto a captar micro partículas indicadoras de la realidad presente o la que ha de venir. Es normal que en los comentarios críticos se diga si una feria está dominada por un procedimiento u otro, por fotografía o video. Yo diría que dominaban los usos convencionales de las técnicas artísticas: óleo, carboncillo, los acrílicos, la acuarela, el lápiz, gouache y papeles encolados, aplicados sobre soportes muy diversos, etc
Se que no es muy útil intentar reducir la complejidad de lo artístico a unas brevísimas descripciones y menos aun a tres o cuatro palabras. Creo que percibí una tendencia hacia un arte insertado en lo popular, dominado por iconografías siniestras que representaban manifiestas heridas en la conciencia , tratadas con el bálsamo de un infantilismo repleto de procacidad y erotismo.
Mi segundo encuentro fue con un "stand" en el que unas jovencitas pintaban las uñas a los visitantes. En el recorrido ya me había parecido que este debía ser un factor principal, e incluso una obra de la galería Estrany de
" En una época, anterior a la que comento, Manils trató fragmentos y anécdotas de inspiración cinematográfica con el mismo rigor de pastor luterano que Baudelaire empleaba para tratar temas insignificantes como el vino, el hachís o el maquillaje. De ese momento, recuerdo dos obras de pequeño formato en las que unas uñas largas y rojas y otras negras y afiladas punzaban cuerpos. Dos obras que hace unos años, en pleno apogeo postmoderno, se hubieran visto como una exhortación al ornamento superfluo, a la noche o simplemente como un elogio de la apariencia.
Continué mi paseo y también vi dos pelucas de corte moderno: una blanca y otra negra. Vi rostros desencajados, algunos pupitres con niños siniestros, felaciones, casas abandonadas, muñecos galácticos, muchos objetos brillantes, cuerpos desnudos, naturalezas fantásticas, ceremonias intimas y alguna agresión corporal, escenas de cuentos infantiles, paisajes artificiales, así las cosas lo adecuado era un buen masaje. En la sala "Vip´s" se ofrecía de modo gratuito un reconfortante servicio terapéutico que no acepté.
La cultura del culto a la imagen que se aprecia en esta muestra internacional, tiene dos ejemplos descarnados en dos ejemplos audiovisuales, el primero a propósito de la película del cineasta coreano Kim Ki Duk que me impresiono profundamente cuando la vi, me refiero a "TIME"(2006). Este cineasta narra la historia de una mujer muy bella que decide hacerse una operación de cirugía estética, y aunque el cirujano le dice que no ve necesaria ninguna intervención debido a su belleza natural, la joven Seh-Hee insiste en cambiar su rostro por completo. Quiere presentarse con un rostro diferente ante su amado, darle un nuevo rostro para contemplar. A partir de este deseo absurdo se desencadena una trama de equívocos dramáticos difíciles de sintetizar. El primero es que el amante de la joven, desesperado por haberla perdido, sin saber nada de ella, encuentra un día una mujer en el parque de esculturas que solían frecuentar, ve una mujer que no reconoce, lleva unas enormes gafas de sol y unos vendajes, sin verle el rostro queda prendado de esa enigmática mujer que desaparece de repente.
13 Mayo 2007 01:19
El artista es un ser privilegiado que tiene el don de la extrema lucidez.Las ferias y bienales me interesan para conocer lo que me pasa. La capacidad del artista por captar la esencia de lo que a él le sucede y nos sucede a todos, en cada momento histórico.Convidado por la sociedad a marcar caminos, indicar sendas, preveer lo que ha de suceder, actúa a través de unos procesos complejos que le exige esa lucidez extrema, y esa es la causa dolorosa de su misión y en esta ocasión se augura la artificiosidad neo-pop teñida de alusiones siniestras y en ocasiones lascivas de una sociedad de artificio, cirugia estética y maquillaje.
11MICHAEL LIN Y ALBERT PLA EN
Vivir en una gran ciudad es vivir en permanente contraste, en continua contradicción. El Viernes 1 de Junio fui a la inauguración del artista Chino Michael Lin en
Michael Lin es un decorador. En el buen sentido de la palabra. Decora las tazas de la colección Illy con un tono delicado y femenino y en las que la flor se esconde bajo el plato. También interviene en muros públicos y le gusta hacer espacios acogedores y cálidos que den al usuario una sensación hogareña y hospitalaria. Michael Lin quiere producir efectos transformativos en el espectador, hacerlo más feliz y más bueno, lo que en términos "cultis" llamaríamos "práctica relacional". Ese estado de felicidad compartida le lleva, como demuestra la foto, a compartir también su creatividad y su trabajo, compartirlo casi todo y para eso establece un modo de comunicación e interacción con sus colaboradores en las ciudades que visita, porque lo importante no es quien coge el pincel, si el artista o no, se trata más bien de crear un clima de dulce fraternidad femenina de la que han podido gozar cinco amigas mías. Compartir. Relacionar. Comunicar.
Albert Pla , por el contrario, practica la "Anaideia" cínica. Es un cínico, es decir, un perro. El cinismo fue la filosofía que revolucionó el "agora" ateniense con su indecencia desvergonzada, con su desfachatez y embrutecimiento, conseguían atacar a los falsos ídolos y un desenmascaramiento general de las buenas costumbres Reacuñar la moneda. Transmutar los valores. Querían conseguir el máximo bien a través de practicar el máximo mal y convivían con los canes de la ciudad. Albert Pla se presentó vestido como un moderno Diógenes, llevaba un ridículo y empobrecido vestidito de color "caca" , con falda corta y chirucas, con calcetines y sin estampado floral. Parecía un esclavo helénico o alguien fugado de la nave de los locos dando saltos por el escenario. Despojado de todo lo accesorio, el máximo lujo era el buen sonido de los músicos que lo acompañaban, las luces perfectas y el mítico sillón orejero de su padre. A partir de ahí empezaron los despropósitos y la procacidad masturbatoria del cínico ingenuo. A través de Diógenes Laercio nos han llegado numerosos "koans" o dichos paradójicos sobre la vida de Diógenes el cínico: "una vez que se masturbaba en medio del ágora y comento: !Ojalá fuera posible también frotarse el vientre para no tener hambre! La "rauxa" feroz de Albert Plá ,llena de agudezas y sentencias chistoso-dramáticas como las Crates o Metrocles no dejan indiferente a nadie y calan en la memoria de los oyentes: los transforma.
12PRIMAVERA SOUND
Parece que lo que queda de Primavera se presenta musical. Todavía bajo los efectos del tufillo canino del concierto de Albert Plá me he decidido a hacer
Primavera Sound es un gran lugar para la reunión cerca del mar, en el Forum de Barcelona. Decido ir. Compro la entrada en Gong, solo quiero ir a un concierto, el de Jonathan Richman, no puedo, tengo que coger la entrada general de un día, es un dinero, lo pago, salgo raudo falta hora y media, llego, muchas motos. Subo por una explanada algo pronunciada, cae el sol de las cinco sobre mi cogote, voy hacia el Auditori, bajo una pendiente algo pronunciada , llego a la puerta, allí no hay que ir, hay que cambiar la entrada por una pulsera y una tarjeta identificatoria, vuelvo a subir la explanada, llego a una carpa, hago cola me ponen la pulsera, vuelvo a bajar hacia la entrada del auditori, bajo bastantes escalones hasta llegar a la sala, entro, la sala esta a oscuras y voy tanteando hasta encontrar un asiento, casi me caigo,veo empezado el concierto de Shannon Wright, es buena, solo escucho dos temas, la sala esta bastante llena, publico entregado, observo que algunos empiezan a marchar antes de acabar el concierto, me sorprendo y cojo posiciones para el concierto de Richman que es el que me interesa, estoy alucinado, me encuentro en la fila tres, no va quedando nadie, lo que pasa es que hay que desalojar a todos los del concierto anterior y volver a entrar, me resigno y dejo la buena localidad, subo, rampa, subo escaleras, subo más rampa y veo una cola inmensa para entrar a la sala de la que acabo de salir, me vuelve a dar el sol en el cogote, me pongo en la cola es larguisima, poco a poco avanza, vuelvo a bajar la rampa y las escaleras, llego a la sala de la que acababa de salir, la fila no es la 3 es la cuarenta y tres, esta lleno.Richman actúa, genial pero breve. Antes de acabar hay gente que marcha, movimiento continuo, debe ser que empieza otra actuación. Salgo, otra vez escaleras y rampas. WC. llego a la explanada principal y nueva cola para entrar. Al llegar al torno, me doy cuenta que con el ajetreo he perdido la tarjeta identificatoria, deshago la cola, resuelvo el tema, nueva cola, entro, voy por otra explanada a un escenario y a otro, ruido por todas partes, veo algo de "Grupo expertos solynieve", algo de "Koacha", algo de Architecture in Helsinki, algo de "The Long Blondes", algo de mar, vuelvo a recorrer bastantes metros y salgo del recinto camino del Auditori, nuevamente explanada y escaleras, llego y el concierto de Robyn Hitchcock ya ha empezado, sonido impecable, público entregadísimo que los abandona a medida que se acerca las nueve, marchan a ver a Patti Smith, yo acabo el concierto, salgo y nuevamente escaleras y explanada, me noto las piernas, vuelvo a entra en el recinto sin hacer cola, menos mal, me como un trozo de pizza de vegetales más cerveza, todo ello caminando, porque para beber un vasito de cerveza hay que sacar tickets en otro chiringuito, no en el que sirven, dos colas más, se hace tarde y veo un trozo de Patti Smith y decido regresar al auditori, por si alguien no se ha enterado todavía más explanada , mas escaleras, más cola, entro y actúa Matt Elliott, no lo aguanto más que un par de temas, debe ser el cansancio o la dispersión que se ha instalado en mis orejas, ya no oigo nada, y me parece un plasta, me rindo, me voy ,salgo escaleras y explanada, desciendo pendiente y llego a la moto. Hay muchas y no la encuentro, finalmente sí ,llego a mi casa me pongo a escribir esto y me desahogo, luego saco una entrada para el concierto que Sonny Rollins dará el día 16 de Noviembre del Año 2007, conozco la fila y el asiento que me corresponde , estaré atento, concentrado y descansado, iré paseando al Palau de
13PERFORMANCE EN
08 Junio, 2007 20:01
La galería Miguel Marcos de Barcelona se encuentra en un remanso de paz, en el número diez de la calle más rápida de la ciudad. La calle Jonqueras es estrecha y un paso obligado para ir desde el casco antiguo hacía el norte de la ciudad. Allí también se encuentra la "Casa de las Mantas" y un restaurante con decoración de época en donde, hace algunos años, me tome una tortilla de patatas con el lider de la "Transvanguardia Italiana" , el crítico Achille Bonito Oliva.
La galería esta en el piso principal y se accede fácilmente desde la calle, solo unos peldaños, las paredes parecen estucadas y conducen a un espacio al aire libre, un lugar reposado, florentino, fresco. Tiene la sombra remansada de algunos portalones y entradas principales de las casas importantes de Mallorca en las que habita la calma.
Mi amigo
14PARADOJAS DEL ARTE: ENTRE
Un grupo de artistas y críticos, digamos jóvenes: IGNASI ABALLI Regina Giménez , Martí Ansón ,Maribel López, Joan Morey, David G. Torres, Antonio Ortega, , Andrés Hispano, Rafel G. Bianchi , Eduardo Perez-Soler David Armengol, Montse Badia, David G. Torres Martí Manen , Frederic Montornes, Jacob Frabicius se han forjado cerca de Ferran Barenblit que es el actual director del CASM(Centro de arte de Sta. Mónica).Muchos de ellos colaboran en ese proyecto, les apasiona plantearse todas aquellas cuestiones que tienen que ver con la profesionalidad del artista y su "modus vivendi".Un grupo que reivindica la utilización de todo tipo de estrategias para legitimar su misión. Un grupo que se propone, con todo el derecho del mundo, que la tarea del artista no sea diferente de la del Ingeniero o el Notario. Para conseguir este objetivo elaboran permanentes foros y discusiones sobre los modelos de presentación y de distribución del arte, el público, la recepción, las estrategias de promoción, la colaboración con instituciones y en definitiva exploran todo tipo de posibilidades de incidencia del arte en la sociedad y naturalmente de los artistas. Estos deben hacer cursos de gestión de sus intereses, formación laboral, defensa de derechos de autor y sobre todo hacer cursos especializados de inglés. Todos estos son los temas que suelen aparecer en sus discusiones en las que participan, también les gusta jugar con las palabras como "Sinónimo de lucro" o Past & Glory, un título de Antonio Ortega, compañero de algunas exposiciones de Ignasi Aballi. A todo ellos, hay que darles la enhorabuena pues la historia vuelve a su cauce, se ha hecho justicia, la elección de Ignasi Aballi, es un triunfo de la inteligencia y un gran alivio balsámico para los moratones o patadas en las ingles que les produjo el golpe bajo que les asestó Robert Buergel al elegir un cocinero para
La historia nos ha gastado una buena broma y ha hecho que una de la polémicas más viejas del arte contemporáneo se haya subido nuevamente a la palestra cuando ABALLI en Venecia se ha colocado frente a ADRIA en
La primera es que Ferran Adriá con su exuberante investigación plástica meridional, ha conseguido el triunfo de su Inteligencia Formal en las racionales tierras germánicas, siendo el único español seleccionado para
La segunda paradoja es que Ignasi Aballí,otro artista catalán, y el más berlinés entre nosotros y que representa el triunfo de
La tercera paradoja es que mientras se cuestiona que un cocinero de vanguardia sea la mejor imagen de un artista, Adriá es capaz de asegurar algo tan importante y brutal para la definición del arte, como que:¨Todo lo que hago en el Bulli es sagrado, sagrado y muy puro".
La cuarta paradoja es que a nadie se le ocurre cuestionar la cualidad de artista de Ignasi Aballi recorta periódicos pacientemente y luego los encola en series infinitas igual que Adria rebana remolacha.
La quinta paradoja es que mientras Ferran Adria prepara su "souflé desinflado " para Kassel, en Venecia Aballí se suma a la conceptualización del dolor y comparte cartel con Emily Prince (1981)" que ha puesto :miles de pequeñas cartulinas (3.556 en concreto) con el retrato dibujado de los soldados muertos en Afganistán e Irak y pegadas en la pared con alfileres, creando un continente conquistado pero ficticio o con el colombiano Oscar Muñoz (1951) que propone un proyecto para un memorial de las víctimas de la violencia, el israelí Pavel Wolberg (1966) da cuenta de un viejo conflicto en su país y en los territorios ocupados, el norteamericano Charles Gaines que sigue la estela del 11-S con un avión que amenaza lanzarse sobre unos edificios y el italiano Gabriele Basilico presenta sus silenciosas imágenes del Beirut de 1991 como ruinas arqueológicas.
La sexta paradoja es que mientras la inteligencia barcelonesa nunca reconocerá que la apuesta por Aballi sea el éxito o la consecuencia lógica de la aplicación de los principios de gestión o "marketing" aprendidos y propuestos por ellos en sus seminarios, Ferrán Adriá dice, sin disimulo ni recato, que los de
La séptima paradoja es que
La octava paradoja es que en
15BEGOÑA EGURBIDE EN CAIXA FORUM
15 Junio 2007
Sábado tarde. Las familias visitan Caixa - Forum. Padres responsables quieren educar a sus hijos y los llevan a ver como los Etruscos se enfrentaban a la vida, a la muerte y a todo aquello que les atemorizaba. Tumbas policromadas para hacer más dulce el viaje. Objetos rituales. Los padres responsables educan a sus hijos en la cultura para que puedan saber cosas, aprobar exámenes y triunfar . Hay tantos niños y niñas correteando que incluso resulta molesto. Padres escondiéndose detrás de las columnas, haciendo cosquillitas a sus niñas. Todo es felicidad y cultura. Se forjan los públicos de las futuras exposiciones del mañana. Pero ninguno de ellos se ha atrevido a hablar de lo fundamental, de lo que les asusta, de sus propios errores o deseos prohibidos.
Cerca de ahí, en
Begoña abandonó sus crípticas señales cabalísticas pre - apocalípticas de los años noventa por la vida y que expuso en
En esta ocasión se ha puesto ,de manera descarnada , frente a frente con el deseo.
Begoña dice:"Nuestros cuerpos cambian, pero el niño que cada uno de nosotros lleva dentro está aquí, ha renunciado a ser pasado y confraterniza con un presente que se proyecta constantemente hacia el futuro." En los cinco vídeos hay un rumor sonoro entremezclado con frases pronunciadas por una voz infantil, expresiones de amor adulto, de sexualidad directa que en ocasiones se refuerza con imágenes alusivas.En uno de ellos, el juego inocente de una niña que construye un muñeco de trapo se convierte, al cabo de unos años, en el “partenaire” fantasioso de una mujer solitaria. La añoranza, el paso del tiempo, la decrepitud corporal y la necesidad del amor son algunas de las sensaciones que he tenido al ver estos vídeos. Hablé con Begoña al salir de la sala y estoy convencido que todo su trabajo va creciendo a medida que crece ella y crece su hija, el tiempo se va reflejando en actos notariales del paso del tiempo. Quizá un libro, quizá la suma hilvanada de todos sus videos que creará una progresión matemática hacia la edad adulta de la niña y hacia la vejez de la madre. Todo augura un largo recorrido ligado al arte como manifestación de la experiencia de vivir.
16ANGELICA QUINTANA Y EL RAYO AMARILLO
28 Junio 2007 10:36
Angélica Quintana es una buena compañera y amiga que hace honor a su nombre. Dicen los estudiantes de pintura que la han tratado, que siempre está para ayudar. Algunos colegas la ven solo como buena pedagoga, pero yo creo que es un claro ejemplo de inquietud permanente y que tiene un ansia por progresar en su búsqueda creativa, pero siempre de un modo reservado y discreto. Sin mucho ruido. Su inquietud es de tal magnitud que cuando conversas con ella le sucede como a los niños pequeños, que de tantas cosas que quiere comunicar se le acumulan y finalmente acaba haciendose un pequeño atropello de ideas, sensaciones y sugerencias que te envuelven.
El trabajo que he visto de Angélica Quintana, me dice que la construcción de un bastidor de madera para colocar en él la tela es algo importante para ella, no es solo el soporte para la pintura, lo construye diestramente, no tienen un gran formato y eso le permite manejarlos como si fueran pequeños volúmenes de madera, por eso, sus bastidores no sólo tienen dos magnitudes, sino tres, pues el grosor de la madera hace que el relieve sobresaliente genere incluso sombra, también me dice que agrupa los cuadros creando parejas, tríos, individualmente o en series que crean ritmos y alternancias, y me dice que si no tuviéramos ninguna referencia junto a sus obras no sabríamos dimensionar su tamaño. La obra de Angélica me dice que tiende a la sutileza más exquisita y a la transparencia y la veladura, me dice que el perfil de una pintura crea continuidad y reverberación en la siguiente y me dice que el espacio, que ocupan sus pequeñas piezas abstractas, queda magnificado de inmediato y todo se ve cómo si fuera la primera vez: las ventanas se ven más, las paredes se ven más, el suelo parece ilimitado, los ángulos y las esquinas tienen aris¬tas, todo eso me dice la obra de A.Q., pero nada de todo eso que. me dice es comparable con la presencia del RAYO AMARILLO. Este color se ha convertido en un auténtico emblema de su trabajo. El rayo amarillo no habla, no dice nada, calla y transforma, y si te toca te da algo, lo notas. En esta ocasión el rayo viene de Nápoles, es luz dorada, es difícil hablar de él , pues se esconde y produce efectos mentales. El rayo de color amarillo nápoles es tan efectivo como la poesía de Keats, Byron o Rossetti: "blased the momentous memorable fire". La presencia de ese color en el mundo, la notamos por un cos¬quilleo meníngeo que ahora sí que habla, y dice: estoy aquí, en tu cabeza. Ese amarillo tiene en la actividad mental su mejor arma, una actividad incesan¬te y física que a través del efecto alcalino nos for¬talece los nervios, nos produce templanza y fuerza para seguir buscando el oro que es el cenit de los metales transubstanciados , mientras un fulgor en nuestras cabezas, tocadas por el rayo amarillo, han quedado transformadas por una benéfica y angélica influencia. Hasta siempre.
17 JEAN - LUC GODARD: EL CINE ES UN MISTERIO.
Y allí estaba yo, en pleno Junio del 2007 ,cuando ahora las chicas dicen palabrotas, lo enseñan todo, se han vuelto impúdicas como los hombres ,ya son como nosotros y por lo tanto, no hay que sublimar instintos, allí estaba viendo otra vez a Godard. En mi estar en el cine había algo que no me encajaba. Empieza la película y confirmo mis sensaciones : veo a un anciano inmerso en una nube tóxica de humo, sostiene un apestoso puro entre sus dientes, la boca entreabierta parece indicar dificultades respiratorias, un flexo da una luz de esas que se usaban para estudiar los libros sobre el materialismo histórico de Marta Harnecker y una obsoleta máquina de escribir eléctrica que produce un ruidoso repiqueteo y que Godard aprovecha como banda sonora. En ese clima tan insano para el cuerpo, la mente trabaja a tope, las frases brillantes se suceden una tras otra, las reflexiones sobre la vida, la historia y el cine. Pienso en la campaña contra el tabaquismo, en el culto al cuerpo y en los atrevidos tangas de las jovencitas y por un momento me siento fuera de época y estoy a punto de levantarme y marchar, dejar la sala con dos espectadores, pero me contengo y continuo la experiencia limite.
Al poco rato, después de haber gastado una buena dosis de fósforo mental y con la mirada confundida con tanto rótulo superpuesto y tanta experimentación, empiezo a disfrutar y a ver la película como una experiencia estética, dejo de leer, dejo de entender, veo imágenes ,oigo palabras, escucho música, vuelvo a tener una sensación placentera y en ese clima de sensualidad instintiva, surge otra frase de Godard , esta es más concordante con mi emoción en ese momento, una frase que me gusta más y enmienda parcialmente a la primera:" El Cine no es un arte, ni una industria, el cine es un misterio".
29 Agosto 2007 12:56
La catedral contemporánea de la buena forma se encuentra en Bilbao. Nunca podrá verse semejante concordancia entre la obra de un arquitecto, la obra de un escultor y una ciudad. Entorno, arquitectura y obra se ofrecen al visitante en una armonía absoluta. Lo más importante no es visitar las exposiciones que el museo contiene, sino admirar y dejarse llevar por la fuerza poderosa de
El museo debería convertirse en un lugar de obligada peregrinación para los devotos del arte contemporáneo, y también para sus escépticos. Un único espacio, sin ninguna otra exposición, solo consagrado al culto, solo reverenciando los tres fines concordantes :la ciudad de Bilbao, la arquitectura de Ghery y la instalación de Richard Serra. Sería suficiente, no se necesita más para convencer, sin mediar palabras, los visitantes quedaran apresados por una infinita red en la que la matemática, los materiales, las líneas y los contornos los envolverán sin dejarlos escapar. La atención es máxima y los ignorantes quedan perplejos.
Al principio la llamada "gran nave", una de las salas del museo, solo albergaba en su interior la obra de Richard Serra "Snake"(serpiente) 1994-96( acero corten 401X3165x682 cm), pero ahora se encuentra la instalación ¨La materia del tiempo¨, un conjunto monumental de siete piezas más que junto a la primera ocupan la totalidad del espacio. El visitante recorre la torsión continua de las ocho obras por el interior, por el exterior, las contempla con los ojos pegados al acero, las puede ver desde una gran distancia en un piso superior en altura, pero en ningún momento se pierde la tensión formal que genera. La memoria siderúrgica del lugar, el resplandor del Titanio y la oxidación Siena del acero dan al lugar los colores de la concordancia. Todo lo demás parece una anécdota de la que se puede prescindir. Ni Anselm Kiefer con su megacatálogo de ocho toneladas y su memoria histórica, ni siquiera el mismísimo Durero, consiguen distraer al espectador del magnetismo de la concordancia suprema, nada rivaliza con el poderío que se ha establecido en aras de la amistad entre un arquitecto un escultor y la memoria de la gente de una ciudad.
He elogiado la concordancia entre lugar, museo y obra, ahora quiero mostrar la importancia de la concordancia Topologíca en
La obra es un ejercicio matemático de superficies , direcciones y ritmos en las que , como el propio Serra comenta en un video de la exposición, 5 milimetros son fundamentales en la concepción formal de la obra, a pesar de sus enormes dimensiones. No pretendo aquí hacer un análisis Topológico exhaustivo de sus obras, solo mencionaré que en ellas se aprecian: Torsiones espirales, Torsiones elípticas, Dobles torsiones, Líneas serpentinas, Torsión Espiral derecha-izquierda, Torsiones Espirales izquierda abierta derecha cerrada, Formas entre secciones toroidales y la esfera o puntos ciegos invertidos. Con estas notas visualizadas sólo pretendo enfatizar la concordancia de Serra con la obra de Gerhy y animar al visitante a introducirse en el complejo universo de las Formas.
19ESCENOGRAFIAS SIMBÓLICAS DE ANSELM KIEFER
01 septiembre 2007 10:11
Los rezagados aun tenéis tiempo de hacer una
escapada al Museo Guggenheim Bilbao que ha decidido prolongar hasta el 9 de septiembre, la exposición
antológica dedicada al artista alemán Anselm Kiefer, ante el éxito de público
que ha tenido.Cerca de 540.000 personas han visitado hasta hoy esta muestra
antológica, que reúne obras monumentales de los últimos 10 años del artista
alemán, entre ellas un cuadro de
Fui con unos amigos y entre ellos una auténtica admiradora de la obra de Kiefer que se llama Ana . Este artículo va dedicado a ella, pues creo que durante la visita los tres restantes acompañantes fuimos un estorbo para su devocional visita. Hay que escoger muy bien el compañero cuando se sale a cualquier sitio, pero especialmente cuando tienes delante el gran resumen de un artista de culto y no quieres perder ni una sola partícula de su obra. Debo decir, como disculpa de mi falta de atención, que todo empequeñece ante la grandeza formal y concordante a la que me he referido en artículos anteriores del tandem Ghery-Serra. Y que mi actitud contemplativa estaba en estado deficitario durante la visita a la exposición de Kiefer. Pero, ese , no es suficiente argumento. Yo creo que nos disipó, que nos difuminó la atención el hecho de encontrarnos, sin que mediara tiempo alguno,pasar de la "Materia del Tiempo" de Serra a contemplar una obra en la que la narratividad histórica es fundamental, eso exige una inmersión escénica, un "entourage" sin el cual las obras de Kiefer quedan como los restos de una escenografía vacía, como el lugar donde algo ha sucedido y nosotros no nos hemos enterado.
Sobre este
aspecto, debo decir, que la incorporación de la materia en los lienzos iniciada por el Informalismo
Europeo hacia los años sesenta del siglo pasado, y del que es un buen
ejemplo Antoni Tapies, nunca resulto
escenografiante. Tapies ha llegado a colocar un armario o una persiana metálica
y nunca ha caido en la narratividad
teatralizada que aparece en las obras de Kiefer. La voluntad narrativa en
relación al sufrimiento que se generó a partir del conflicto bélico en la
segunda guerra es una obsesión para Kiefer: camas del dolor, flores marchitas,
destrucción y aspereza total.
Todo eso sucede en sus escenarios posmodernos, la propia palabra alude a simulación y espectáculo, la diferencia con otros ,es que Kiefer utilizó las claves que predecían Apocalipsis al final del milenio, es decir, ligeros indicios herméticos, esoterismo estelar del firmamento, juego con las palabras de origen hebreo, cabalismo, materiales con carga simbólica y siempre utilizando la ambigüedad y la doble dirección de los lenguajes y buscando el efectismo espectacular que tuvo mucha influencia en los estudiantes de arte de los años 90: de todo ello, nos quedan estos escenarios simbólicos y vacios.
La
explicabilidad ilustrada y simbólica no es propia de
20EL PENDULO NEGRO DE FELLINI
05 Septiembre, 2007 11:02
Los que hayan visto algunas imágenes del Festival
de Cine de Venecia de este año se habrán sorprendido por la escenografía que
preside la entrada a la famosa alfombra roja de los famosos. Ahí se pueden
ver los cuatro leones alados que son el
símbolo de la ciudad y cuya miniatura se convierte en la preciada estatuilla de
oro a la mejor película. En la entrada al recinto había un espectacular e
impresionante péndulo negro de esos que se utilizan en la destrucción de edificios. Su creador es
Dante Ferretti y es idéntico al que él mismo, diseñó junto a Federico Fellini
para "Ensayo de Orquesta".
No soy crítico de cine, sólo quiero referirme a esa
enigmática esfera negra. En 1979 vi la
película de Federico Fellini : "Ensayo de Orquesta". En España se
oían todo tipo de cantos a la libertad y
al exceso. La llamada movida madrileña fue un buen ejemplo de eso. En el
contexto de ese supuesto regreso a la luz de la democracia, me impresiono
vivamente el controvertido mensaje de la
película de Fellini .
La película planteaba una especie de documental que
hacían los realizadores de un programa televisivo sobre la vida, ensayos,
instrumentos y músicos de una orquesta. Desde el principio fue una película
polémica por la querella entre productores, pero sobre todo por las diferentes
y contradictorias interpretaciones ideológicas que surgieron en prensa, entre
los intelectuales y políticos de la época. Se interpretó como un panfleto
político pero aún está por desentrañar su fundamento ideológico. ¿Qué nos
proponía el genio del exceso y la acracia cinematográfica? ¿Abundar en el
desconcierto?¿Un elogio de la libertad absoluta?¿Su propia eliminación como
director, como figura prescindible?¿Un canto a la dictadura frente al desorden
democrático? . Sobre la película se ha dicho: “Que las imágenes de la película transmiten nostalgia de la dictadura o
apuestan por la contundencia ante el desorden que puede conllevar la democracia.
Que nos habla del abuso de poder y de la delgada línea que separa la imposición
del orden por la fuerza de la tiranía y el totalitarismo. Que para que la
música suene armoniosamente se hace necesaria la presencia del director, de su
punto de vista y de sus órdenes. Que en el fondo es un homenaje a Nino Rota,
fiel colaborador en las películas de Fellini y a quien le unía una fuerte
amistad.
Para que estos interrogantes y afirmaciones tengan
más sentido, será conveniente describir someramente la situación. para los
lectores que no hayan visto la película. Nos encontramos bajo las nervaduras de
los arcos de un escenario de privilegio: una antigua iglesia medieval italiana
con una acústica extraordinaria. Los músicos hablan de la importancia de sus
instrumentos, se muestran de un modo natural, algunos con expresiones groseras,
otros con frases lapidarias sobre la nobleza de sus instrumentos, su papel
relevante en la orquesta, etc.etc. El factor humano empieza a surgir, vemos las diferentes actitudes de aprecio y
odio que existen entre los músicos. Aparece el director que habla con energía y
con un fuerte acento alemán. La
orquesta empieza sus ensayos de un modo harmónico pero poco a poco, sin saber
porqué se llega al caos y al desorden total. En ese escenario , y mientras el
director pide orden, los músicos se desmadran absolutamente, escenas lujuriosas
debajo el piano, "slogans " como: "no queremos director, solos
lo hacemos mejor",incluso algunos quieren sustituir al virtuoso maestro
por un metrónomo, otros, los más mayores, se muestran partidarios del director,
los demás siguen creando todo tipo de
situaciones surrealistas mientras el delegado sindical va lanzando sus
proclamas.
De repente,
en medio de la confusión se oye un gran estruendo, temerosísimo y fuerte: una
de las paredes de la iglesia cae derrumbada a los pies de los músicos. En el
muro queda suspendida una gran bola negra, una esfera de destrucción que oscila
pausadamente tras el impacto. La arpista ha muerto, el director coge nuevamente
la batuta y con una renovada energía empieza a dirigir con mayor fuerza que al
principio, mientras con su acento alemán grita: "da capo, da capo"
,que es una expresión italiana que significa a la cabeza y que indica regresar, volver al principio para tocar
nuevamente.
En los tiempos que vivimos el péndulo de Venecia se
convierte en algo más que una mera escenografía ingeniosa para que los actores
y actrices muestren sus encantos
mientras pasean por la alfombra roja de Venecia y las interpretaciones sobre
21ORIOL VILAPUIG: VER Y LEER
15 Septiembre, 2007 11:49
Oriol Vilapuig (1964) inauguró ayer, día 14, en
Oriol
Vilapuig es radicalmente fenomenológico y eso le lleva a querer
visualizarlo todo, incluso sus lecturas.
Un ejercicio intelectual y nutricional
que ejerce sobre: los "Essais" de Montaigne, autor especialmente
apreciado por mi, o i Britten, Melville, Passolini, Lessing, Elliot, o Pavese ;
en su obra "Omnia Vincit Amor"
de 1998, todos ellos son engullidos , a
través de una mirada que pasando por el corazón concluye en una gran
realización.
El mundo de
los payasos aparece en su obra y enfrenta didáctica y trágicamente la sabiduría
de Bianco a la procacidad ingenua de Augusto. Una
dualidad que también aparece en su alusión al escultor griego Polícleto en su
obra "La cama de Polícleto" de 1996, que me sugiere la gran querella
de la dualidad griega entre lo apolíneo
y lo dionísiaco .El escultor griego de las formas perfectas y canónicas duerme en su cama rígida, dura y geométrica,
enfrentado a sus debilidades como un Augusto dionisíaco e infantil, pleno
de ímpetu, fuerza vital , arrebato
Impulsivo, instintivo y algo orgiástico.
Ver y Leer son las principales ocupaciones de este
artista que a través del ejercício del oficio artístico sabe convertir estas
actividades en obras de alta calidad,
obras ejemplificadoras que obligan al espectador a ver y a leer. Sus obras son
jeroglíficos con respuesta en el alma o en la sensibilidad del que mira,
siempre propone algo, siempre mueve a la reflexión y nos ilustra. El ansia
explicativa es a la vez : virtud y vicio
del arte. Oriol, llevado de su fe icónica, de su fenomenología militante crea
en el espectador, no solo interrogaciones y perplejidades intelectuales, sino
contundencia sensible a través de
22
21 Septiembre, 2007 23:11
Javier Puértolas expone en
www.galeriafidelbalaguer.com hasta el 27
de Octubre, con un título general :
"Sota l´epidermis". Ya hace algún tiempo que vengo diciendo en foros
y tertulias artísticas que
Este artista
(Binéfar,1947) ha tenido el honor de
inaugurar junto al abad del monasterio Josep M.Soler. El Espai Pere
Pruna es una parte habilitada dentro del
museo montserratino que acoge valiosísimas
obras de todas las épocas y culturas. Entre marzo y junio de este año los
visitantes de la montaña se encontraban
con la exposición de Puértolas:" Los laberintos de lo visible".
Cuando asístí a la inauguración , ya me pareció que tanto el abad de Montserrat,
como el monje Josep de C. Laplana decían cosas muy interesantes con la soltura de los conferenciantes
especializados en materia artística contemporánea . Yo en esa ocasión pensaba
con que criterio habrían escogido la obra de Puértolas, que es lo que habían
visto en ella que pudiera relacionarse con el mundo que ambos monjes
representan y hoy cuando he leído el texto que acompaña a la actual
exposición:"Sota l´epidermis”, lo he entendido.
El título parece indicar que bajo la superficie de las cosas existe algo más, algo que debe buscarse en un viaje hacia el interior y eso es lo que ha hecho el monje y Director del Museo de Montserrat Josep de C.Laplana en su escrito titulado: "Un viaje maravilloso a las entrañas de un mundo fascinante que es y no es." Cuando salí de la exposición y mientras me tomaba un té negro en una terraza cercana a la galería de la calle Consell de Cent , leí el texto de un tirón y no es corto. Esta muy bien escrito y con una sinceridad difícil de encontrar en catálogos de arte, está escrito desde la amistad y haciendo un recordatorio de situaciones vividas por ambos, un recorrido por la trayectoria creativa de Puértolas, pero sobre todo reflexiona en unos términos significativos y útiles para comprender los valores y actitudes artísticas que pueden ser adecuados para que el director de un museo religioso extienda su manto protector sobre un artista.
23JOSE PANTALEON:
24 Septiembre, 2007 11:19
José Pantaleón es un buen amigo y pintor asturiano,
de Oviedo(1955) que se impregnó del sentido de la pintura cuando estudió Bellas
Artes en Sevilla. Norte y Sur. Dicen algunos que la geografía condiciona al
arte y si esto es así, José Pantaleón habrá vivido una experiencia sublime,
como es trasladar el sentido luminoso del espacio y la figura, propios de la
escuela Sevillana, a las pluviosa brumas de las tierras asturianas. Todavía hoy
en día se asocia la escuela de Bellas Artes de S .Isabel de Hungría de Sevilla,
creada tras la guerra civil, a un
determinado modo de interpretar el realismo y la formación académica. Sevilla y
rigor pictórico son términos que parecen ir unidos desde que naciera en esta
ciudad el señor del espacio: Velázquez.
La pintora Carmen Laffon (1943) ,también alumna en S.Isabel, ha conseguido
figurar entre los mejores nombres contemporáneos pese a hacer una obra de
fundamentos clásicos, esa ambigüedad ha desconcertado a la crítica que no sabe bien donde ubicarla,
una obra en la que algunos críticos han visto: cotidianeidad, intensidad
ambiental y misterio. A José Pantaleón le sucede lo mismo y lo que Laffon ha
hecho con los objetos, mesas camilla, canastas con ropa blanca o máquinas de
coser, José Pantaleón lo ha hecho con las personas y con una paleta más sobria.
Sus colores están influidos por las
tonalidades de los artistas del norte que es más austera y en la que el color
negro siempre tiene un lugar. Es un artista de fundamentos, figurativo, pero no
academicista y dadas las licencias que otorga la posmodernidad ,no renuncia a
la investigación constante, al cruce de estéticas diversas o contradictorias
que a menudo le conducen a la
abstracción, como demuestra su trabajo como muralista en
José Pantaleón es un pintor realista que pinta lo que nadie ve, la dimensión oculta de la realidad, eso que solo es perceptible a seres de privilegio y lo consigue a través de un peculiar sentido proxémico del espacio. La palabrota se la inventó el antropólogo E.T.Hall cuando se dio cuenta que los seres humanos, como sucede en el mundo animal, tenemos unas fronteras espaciales invisibles que si se alteran o se cruzan crean tensión y conflicto. El domador de leones sabe que hay unos puntos ciegos, invisibles en su jaula y que si se descuida y los vulnera pueden ser letales. En los cuadros de José Pantaleón el espacio invisible habla y esta enfatizado por la dirección de la mirada de sus personajes, la mirada crea direccionalidad, tensiones y si pudiéramos dibujar sobre sus cuadros, percibiríamos claramente esos entrecruzamientos espaciales que se dan en la situación de sus figuras. Hay en ellos una geometría latente que está administrada de un modo muy sutil y que nunca se impone como característica, pero que está. Eso hace que en algunas obras si las figuras se desvanecieran quedarían cercanas a la abstracción de Richard Diebenkorn.
Además, con el privilegio del que ha pintado al Rey
(2002) como Velázquez, se ha permitido un guiño histórico y ha retratado con
espejo lo que el espectador no podría ver, igual que en las Meninas. El
misterio de lo artístico aparece en su obra por esa facultad de mencionar lo
invisible, ese sentido relacional que afecta a todo grupo humano y mucho más a
una familia.(Familia 3) El clima es silencioso, sin estridencias, pero con la
calma tensa de lo que ha sucedido o puede suceder. Quizá con alguna ausencia
querida o también en un clima muy relajado, casi risueño (Familia 4). Es un
tópico decir que un retratista es un buen observador del carácter de las personas,
pero es que José Pantaleón ejerce esa potestad desde el primer momento en que
te lo presentan, tras una entrada cordial y expresiva se dedica unos segundos a
observar discretamente a mirar eso que los demás no ven y que le permite ser
uno de los pintores de retratos más importante del país.
24CRITICO ROBERT HUGUES : POLEMISTA AUTORIZADO
25 septiembre 2007
Leo en
Paradójicamente, la prensa oficial
tolera todo tipo de expresiones,
como las que realizó el crítico de arte Robert Hugues que estuvo
recientemente de paso por Barcelona .Este crítico que suele ser tan polemista o
más que Ramoncin se despacho con frases , que ocuparon los titulares de los
periódicos más prestigiosos con expresiones como las siguientes: "Odio
25JOAN PUEYO Y SU OBRA "CONTORSIONISTA.
25 Septiembre, 2007 22:40
"CONTORSIONISTA es un
video de Joan Pueyo realizado en 1991 que mantiene su vigencia y
demuestra el fuerte carácter de creatividad desplegada por este autor de
reconocido prestigio internacional. Sus primeros trabajos mostrados en los años
80 tenían una fuerte incontinencia expresiva. Desde Contorsionista,
hasta su trabajo actual en el 2007, existe un orden nuevo que
estructura y equilibra su poética delirante, expresiva y orgiástica
con una geometría calidoscópica, simétrica tal como puede verse en
este video. A través de un punto de vista frontal, estable y constructivo que
recuerda alguna iconografía azteca, el artista va troceando las partes de unos
cuerpos que dispone de modo magistral. Una carne troceada por el sacrificio
virtual. El video Contorsionista es, desde mi punto de vista,
inseparable de la aportación volumétrica que contiene, porque es uno de los
mejores ejemplos de reunión entre el espacio de la imagen videográfica con el
espacio volumétrico de la escultura. La simetría y un constante movimiento de
este video y esta escultura hacen que en esta ocasión unos pechos sean ojos,
los ombligos sean bocas, los pies orejas, las bocas sexos dentro del orden
regular del espacio que los contiene. No se trata aquí de profundizar en el
complejo territorio de la justificación de los ritos sacrificiales pero creo
que en la obra de Joan Pueyo se encuentran indicios de la vertiente más sublime
del dolor.
26LA LABORAL Y VISIONICA
30 Septiembre, 2007 00:27
El "look" aludía hace unos
años a la imagen personal. El "look" se funda en la mirada
de los otros, en mirar, pero sobre todo en ser mirado. Si no te miran no
existes ,eres transparente. Hoy en día ,los países también cuidan su imagen
frente al mundo y así, la cultura de Catalunya lo ha conseguido por medio de su
polémica participación en la feria del libro de Frankfurt. Otras
nacionalidades, como la Asturiana, lo
hacen inaugurando un magnífico Centro de Arte y Creación
Industrial llamado LABORAL en Gijon y organizando VISIONICA, un
festival de arte y nuevas tecnologías en Oviedo.
La Laboral de Gijon es un monumento al
trabajador, un centro de formación técnica y profesional de primer orden,
cuando la vi, pensé que era como el Escorial del
trabajador. Un estilo austero y monumental que honra la virtud del esfuerzo. Un
lugar en el que, como ha escrito en su gigantesco mural Mark Titchner : "El
trabajo es amor en estado sólido" Allí, donde
estaban los antiguos talleres técnicos se ha ubicado LABORAL
que es un centro de arte contemporáneo dirigido por Rosina Gomez
Baeza, la mujer que inventó y dirigió durante muchos años la
principal feria de arte contemporáneo ARCO. Rosina dice que su
pretensión es crear nuevas audiencias para el arte contemporáneo, un empeño en
el que están varias instituciones españolas de arte y cultura. Recientemente visité
las exposiciones que la Laboral muestra estos días, destacaban
dos de ellas, una "It´s Simple Beautiful" y la
otra "Gameworld", su localización, cerca del parque
tecnológico de esta ciudad reafirma mi impresión de una creciente inquietud
hacia las nuevas actitudes y comportamientos creativos que se encuentran en la
línea de la experimentación constante, en torno al arte eléctrico y las nuevas
tendencias. He de decir que yo creo que las audiencias no aumentan por el hecho
de convencer al gran público de la necesidad de la belleza a través
de estímulos espectaculares como los que ofrecen Dzine, Zurráis Kulsolwong,
Mark Titchner , Fabien Verschaere o el único asturiano, incluidos los
comisarios, Carlos Coronas, o diciendo al público general que los video-juegos
como el "Tetris " o el "Super Mario Bross son arte, ni
convirtiendo el espacio expositivo en un gran centro de atracciones variadas.
La verdad es que es una tendencia actual y que algunos artistas ya han empezado
a utilizar. Eso solo puede añadir superficialidad a la práctica artística y no
creo que sea el camino adecuado para redimir al arte de su cuestionada
complejidad. Durante el recorrido con unos amigos, soporté sonidos
amedrantadores, pude mancharme en una especie de piscina de barro interactiva,
tocar una batería o el teclado de un piano a mi antojo o
ponerme una cabeza de asno y asustar a mis amigos. Creo que la única manera de
convencer al público de la necesidad del arte, es mostrando sus raíces
profundas, mostrándolo como un fenómeno atávico, necesario y enraizado en la
experiencia humana.
La otra muestra en Asturias es el Festival Visiónica que
se celebró entre los días 13 al 16 de Septiembre y que va por su 4ª edición.
Este festival se ha consolidado como una referencia en el mundo del arte y de
las nuevas tecnologías de Oviedo. La ciudad asturiana quiere liderar la entrada
del nuevo milenio de la mano de la tecnología , la creación y en este festival
se llevan a cabo: conferencias, proyecciones, directos audiovisuales
y exposiciones de las nuevas perspectivas y visiones artísticas. El mes de
Agosto en LABORAL, también se llevo a cabo en colaboración con Hangar de Barcelona
un taller de "Herramientas Libres para Creadores" en el
que se trataban temas relacionados con video, audio y hardware.
En todos los casos acecha el peligro de la
banalización divulgativa, me refiero que en ocasiones, se piensa que por el
hecho de ver un "leed" encendido, rojo o verde, hablar de Linux de
baja latencia o dispositivos en tiempo real ya empieza algo fascinante. No
siempre es así.
27ARTE CONCEPTUAL EN LA SALA TRES DE SABADELL (1972-1979)
07 Septiembre, 2007 00:51
Las vanguardias artísticas del siglo XX, y quizá de todas las épocas, son la consecuencia del encuentro feliz de unas personas en un lugar y con una inquietud común que los cohesiona. Ese es el caso que hoy estoy comentando. Ayer estuve en la inauguración de una exposición repleta de añoranzas y nostalgias. En varias ocasiones escuche comentarios, como : "de todos los que estamos en la foto, ya faltan varios. Mira este y este y este otro.", "¿habeis visto a fulanita? :creo que va en silla de ruedas." .Y es que ha pasado mucho tiempo desde que en el año 1972 unos cuantos jóvenes tuvieron la suerte de coincidir en un tiempo y en un lugar. El momento fue de privilegio en la década de los años setenta en los que por una iniciativa de unos cuantos activistas culturales de la ciudad de Sabadell, se inició en la llamada Sala Tres de l´ Acadèmia de Belles Arts, en ella se realizaron 56 exposiciones a lo largo de siete años de actividad, es decir, unas ocho exposiciones de promedio por temporada, que en el gélido ambiente cultural de la época tenía mucho mérito. Paradójicamente, la aventura cultural acabó en los últimos días de la dictadura, en 1979, cuando se vislumbraba la feliz aurora de la democracia. No voy a comentar ni en profundidad, ni en extensión esta exposición comisariada por Maia Creus, tan solo quiero remarcar la naturalidad con la que, es esa época, convivían propuestas de signo muy diferente. Era un momento en el que existía una batalla feroz entre los partidarios del objeto artístico y pictórico, con los partidarios de la conceptualización pura y dura.En la Sala Tres se dio una apacible convivencia como sucedía también en la Escola Eina de esos años. En la escuela era entrañable observar la complacencia con la que Albert Ráfols Casamada, que es dos veces pintor, admiraba y aceptaba las propuestas tendentes al conceptualismo de Carlos Pazos, Xavier Olivé u otros .
Por un afán de comodidad historicista , la crítica tiende
a aprovechar a su favor las diferencias y separar,
dividir y clasificar ,y en esta muestra, se pone de relieve al
separar en ámbitos diferentes las obras ,por un lado en la
Academia de Belles Arts se pueden ver obras de: Alfons Borrell.
Joaquim Chancho, Manuel Duque, Robert Llimós, Gerard Sala, Joan Pere
Viladecans,Guinovart , Puértolas, Miquel Vilá y por otro,
el resto en el Museu D´Art de Sabadell a :Luis Utrilla, Benet
Ferrer, Pep Doménech, Fina Miralles, Angel Jové , Verdaguer, Galí,
Carlos Pazos, Jordi Pablo, Francesc Abad, Carles Pujol, Jordi Benito, Muntadas,
Jordi Cerdá, Francesc Torres, Llorens Balsach, Ferran Garcia Sevilla etc.etc
No quiero devaluar la tarea crítica, ni la actuación
estudiosa de la comisaria, al contrario la argumentación teórica del
movimiento es muy extensa .A. Cirici, con su equipo de Serra
d´Or, Tere Camps, y especialmente Victoria
Combalia iban haciendo "bolos" ideológicos en defensa del
conceptuallismo. De Combalia recuerdo un ciclo de conferencias en el FAD,
que con el título de: “Del Minimalismo al arte Conceptual
" dio pie a un libro con el mismo título, se convirtió en la
apoteósica y entusiasta divulgadora de la tendencia y en la critica
más codiciada del momento.
La crítica, como los artistas, también tiene sus
mejores momentos. En ocasiones, el morbo de la historia del arte , consiste en
detectar enfrentamientos y polarizaciones útiles a la crítica, pero la vida
cotidiana, las disuelve y las aligera. La verdad es que mirando la programación
de esos años parece que convivían, entremezclados y felices, buscando en
definitiva la proclama inicial del manifiesto fundacional en 1972 con la
llamada "Exposició d´Art Nou Català. Se buscaba un arte nuevo sin
exclusiones. ¿o no? El debate puede empezar. .
28TOM CARR : DEL JARDÍN IMPERFECTO.
09 Septiembre, 2007 21:51
Entre los día 8 Septiembre
a 30 Octubre en la Aliance Française de Sabadell se
puede ver la obra reciente del escultor Tom Carr que con el título
"del jardín imperfecto", muestra una parte del recorrido que inició
en las galerias Astarté, Sala Maior y Studio
Franck Bordas de Paris. Tom Carr trabaja en formatos y proyectos siempre
diferentes que van desde obras monumentales como su "Seed &
Helix" que se encuentra en la sede principal de la
Société Générale en la Defense de Paris, a
proyectos de incidencia pública como: Project Principium en la
Illa Fantasia del Maresme y otras obras que se pueden consultar
en su página http://web.mac.com/tomcarr1/ i Web/footsteps/footsteps.html
Los trabajos que le dieron las primeras señas
de identidad artística fueron sus ensayos con la luz, las sombras y
las proyecciones, una etapa aun poco estudiada de este artista y que, desde mi
punto de vista, contiene aspectos muy interesantes
que aún no ha superado con su trabajo actual. Pudo verse indicios de
esta etapa en su instalación "Cycle et coïncidence",
que realizó en el Museé d'Art Moderne de Céret en el 2002.
Pensando, brevemente, en el título de la actual
exposición, he encontrado la clave de porque me gustaba tanto su época de luces
y sombras. Actualmente, su trabajo es de una perfección extrema y por este
motivo el título general de la exposición podría haber sido : de el Jardín
Perfecto. Es cierto que, como indica el magnífico escrito de Carme Miquel de
Enero de 2007 el Jardín es muchas cosas y entre ellas, yo destaco las
siguientes: dentro de su aparente control y simplicidad, el jardín puede ser un
laberinto, un lugar donde todos los abismos del yo son posibles, la pulsión de
lo escondido se revela, afirmando contundentemente su existencia. Me parece que
Tom Carr ha ido arreglando y cuidando ese jardín hasta dominarlo absolutamente
Una vieja historia, que leí o escuche en algún sitio
explica lo siguiente: Un padre y un hijo están arreglando el jardín, las hojas
de otoño caen incesantemente y el hijo es el encargado de recogerlas, una y
otra vez realiza esa labor pulcra bajo la atenta mirada de su padre. Recoge
todas las hojas, no queda ninguna y le dice a su padre: -Padre ya he acabado el
trabajo-, el padre le contesta que continúe, que el jardín aún no
está perfecto, el hijo vuelve una y otra vez y la respuesta del padre siempre
es la misma: aún no está perfecto, llegado un momento y cuando ya todo era
limpieza absoluta, el padre llama a su hijo y
sin mediar explicación coge con las manos unas cuantas hojas del cesto y las
vuelve a tirar por el jardín, diciendo: ahora si que está perfecto .
29MANEL ESCLUSA:LOOK OF CATALONIA
27 Septiembre, 2007 19:39
Manel Esclusa es, sin ninguna duda, uno de los fotógrafos más creativos y experimentales que tenemos en el país. Lo volví a ver el otro día en una inauguración y tenia los ojos algo menos enrojecidos por su trabajo en el laboratorio. Su labor y conocimiento del oficio que aprendió de muy niño no ha sido obstáculo, sino al contrario, para convertirse en un gran artista. Para él la fotografía no es una actividad sectorial reducida a un grupo de quisquillosos especialistas, ha superado ese limite y simplemente crea.
Nació en Vic, Barcelona, el 13 de abril de 1952. Se inició en la fotografía con tan sólo ocho años, en el estudio fotográfico familiar. En 1974, fue alumno de los Stages Internationaux de la Photographie de Arles, en Francia, donde tuvo como profesores a fotógrafos de la talla de Ansel Adams, Neal White, Arthur Trees, Ian Dieuzaide, Denis Briat y Lucien Clergue. Desde 1979, sus trabajos se han centrado en la fotografía nocturna; el espacio urbano nocturno y la noche como escenario. Buscan materializar la luz, la luz como arquitectura; la luz y la oscuridad como símbolos; visualizar el tiempo a través de largas exposiciones, el tiempo fotográfico dilatado; la fotografía gestual, el movimiento. A partir de 1995, trabaja con sistemas de representación para el diagnóstico por imagen que utiliza la ciencia médica (TAC) y realiza una serie de autorretratos del interior de su cuerpo
Hoy mismo he recibido la noticia de su participación en los eventos alemanes previstos para estas fechas Manel Esclusa será nuestra buena imagen y lo colocarán en el centro del huracán .
30GIOTTO VISTO POR JOSE LUIS GUERIN EN LA CIUDAD DE SYLVIA
1 de Octubre 2007 19:48
En algunas ocasiones, de ciento a viento, salgo de casa y veo en la esquina, como buscando un taxi, a Jose Luis Guerin. Lo reconozco de inmediato por su característica gorra de cineasta de los años veinte, por su espigada y desgarbada figura y sobre todo porque siempre lleva una cartera portafolios debajo del brazo. La última vez fue hace muchos meses, hablamos unos minutos y me dijo que se iba a Italia a ver pintura. La verdad es que no me sorprendió porque es conocida su inquietud intelectual , sus querencias hacia la belleza y he aquí que me encuentro sentado en una butaca de cine ,viendo en imágenes lo que durante tantos meses llevó en su cartera portafolios. Se ha hecho realidad visible su proyecto y se llama "En la ciudad de Sylvia" una película que ha concurrido en la sección oficial del Festival de Venecia 07 junto a veintidós insignes candidatos. La acción transcurre en una ciudad de la que no se dice su nombre, hay un viejo barrio medieval, algún tranvía y muchos jóvenes estudiando en la Escuela Superior de Arte Dramático, junto a ellos, otro joven que suponemos artista, o digamos que está tocado por la pulsión creativa, busca el rostro de una mujer, no la encuentra, cree verla, aunque no es la mujer que busca, los rostros, las situaciones, los cruces, el movimiento coral de los extras, que aparecen de un modo medido, como actores sin quererlo ser, van llenando la escena. No sucede nada relevante, solo hablan las imágenes. Todo ello en medio de silencios, rotos repentinamente por el azar, un café volcado, una botella rota, nada más. Algunos indicios equívocos, añaden una pequeña dosis de misterio: la duda sobre si ella es o no es la persona que busca, si lo es y no se lo quiere decir o el titular de un periódico que anuncia un nuevo asesinato, todo eso desprende un ligerísimo aroma "hitchcockiano" que se corrobora con una aparición discreta del propio director en una de las secuencias, tal como hacía el genio inglés.
Guerin administra equitativamente las ideas y los
instintos, los sentimientos elementales con la reflexión. Administra su
formación como teórico del cine, tanto, que cuando habla de ello, parece un
redactor de "Cahiers de Cinéma", y hace convivir el
pensamiento con sus impulsos de bestia cinematográfica. Para
confirmar esta deriva intelectual, baste decir que en el folleto
de presentación de la película hay un extenso texto del profesor de Filología
Italiana de la Universidad de Barcelona, el profesor Raffaele Pinto.
Y para constatar su pasión cinematográfica, baste decir también que en la
película hay apenas unos minutos de diálogo y muchos de emoción visual. Todo en
él es instinto bien encuadrado. La película enfatiza la definición más
elemental del KINE, si con K, porque es movimiento puro de imágenes
en las que estas hablan como los ángeles, sin que nos demos cuenta,
las distancias, los recorridos, los encuadres son minuciosos y nunca pierden
espontaneidad. Las imágenes no quieren ser un instrumento al servicio de la
narratividad, sino un valor por si mismos, y eso exige del espectador una
máxima concentración en los detalles, una atención casi litúrgica , casi
sagrada.
Creo que estoy en condiciones
de confirmar, en primicia internacional, que la ciudad de Silvia, no
es Estrasburgo, ni ninguna otra imaginada por el espectador, yo creo, y lo
confirmaré cuando vuelva a ver a Guerin en la esquina de
casa, que la ciudad es Padua y el pintor que toma sus apuntes en su
libreta es Giotto.
Guerin trabaja con unas analogías crípticas pero no cae
en oscurantismo, sus metáforas son diáfanas, dice sin decir, habla sin gritar.
Este hecho dificulta la interpretación pero me atreveré a dar una. En la
película el nombre de Silvia aparece constantemente, pero también
aparece el de Laura escrito con la expresión más francesa del amor :
"Laura je t´aime". También en las escenas de la búsqueda del rostro,
nunca hallado de Silvia, por los cafés y las calles de Estrasburgo, hay
numerosísimas ocasiones en las que un rostro se superpone a otro, parece como
si dos mitades formaran un nueva faz, con un efecto inquietante. Como si se
tratará, como puede verse en los "clips" que he escogido, de una
yuxtaposición deliberada e insistente. Mientras veía la película una imagen
vino a mi memoria, y sobre todo, cuando la pude confirmar en un plano sobre la
libreta de dibujo de nuestro joven artista, allí volví a ver ese mismo efecto
al que me refiero. Se trata, tal como yo intuía, de la yuxtaposición de rostros
en el encuentro de Ana y Joaquin en la Puerta Dorada, la puerta aúrea, que
es un episodio de la vida y hechos de Jesucristo que cubren los muros de la
Capilla de los Scrovegni en Padua. La alusión a los rostros que se
encuentran y se confunde el uno con el otro, la presencia coral de personajes
en los frescos de Giotto y el aura dorada: L´AURA, son momentos culminantes de
las características composiciones de Giotto en la capilla Scrovegni.
Todo el repertorio de imágenes en los muros esta lleno de rostros que se
entrecruzan, se reflejan, se miran se yuxtaponen
como los de los jóvenes que aparecen en la película de
Jose Luis Guerin. Allí está todo, en sus rostros superpuestos, en el espacio y
en las miradas. Tan sólo eso para que surja la magia. Lo
comprobé unos meses más tarde en Enero, vi la exposición que el
propio Guerin realizó en el CCCB. Junto al mostrador principal del CCCB, una
música repetitiva y serena anunciaba la instalación que el
director presentó en la bienal de Venecia de este año con el título
de "Las mujeres que no conocemos". Entré en la exposición , había
bastante gente, observé que había muchas mujeres viéndola , la oscuridad de las
salas estaba iluminada tenuemente por las pantallas de proyección de las
fotografías, la música sonaba cíclicamente, sin parar, cadenciosa, un silencio
litúrgico dominaba las salas mientras las personas caminaban lentamente, los
rostros aparecían y desaparecían, sobreponiéndose a los de
las mujeres de las pantallas. La búsqueda incesante y la
ausencia, son los principales argumentos de la película de José Luis Guerin que
cobraban en esta instalación un tono más dramático que en el film y una clara
mención al dolor de los desencuentros.
2 ª Parte JOSE LUIS GUERIN EN LA CIUDAD DE SYLVIA
Caminé por la ciudad para desvanecer la pesadilla del lunes. No conseguía borrar la imagen de sus pies desnudos sobre la acera , fui caminando ciudad abajo. Entré en el CCCB y cogí descuidadamente, sin mucho interés, un folleto que anunciaba para ese maldito día 21, en el que sucedió todo, el inicio de un curso sobre : la Condición Humana.:"El Sentido de la Vida" por Ferry Eagleton, profesor de teoría cultural de la Universidad de Manchester y autor del libro "The Meaning of Life. El resto de los temas eran: el sentido de la espera, la violencia, la creación, la vulnerabilidad y la supervivencia, la locura y la razón, la amistad y la palabra. Pensé que era una lista exacta de los principales motivos de su muerte, del desastre que acababa de vivir el día anterior y me refugié en las palabras de la presentación de folleto y en mis propios pensamientos: todos sabemos que el momento en el que vivimos está conformado por una crisis de los referentes que tradicionalmente han dado soporte logístico a la existencia humana. La incertidumbre sobre el futuro es total y vivimos alarmados .La crisis de modelos paradigmáticos plantea la necesidad de repensar sobre los trazos principales que nos definen como personas y para eso lo principal es el reconocimiento sobre la existencia del dolor y la posibilidad de que este pueda cesar de un modo feliz, nunca trágico, nunca con la muerte.
Junto al mostrador principal del CCCB, una música repetitiva y serena anunciaba la instalación que José Luis Guerin presentó en la bienal de Venecia de este año con el título de "Las mujeres que no conocemos".Los habituales recordarán que ya escribí en otro post. sobre la película de Guerin: "En la ciudad de Silvia" , allí decía que conozco a este director de cine y que vivo en una casa que está un número más allá, en la misma calle , y lo más dramático es que ambos vivimos enfrente de la casa en la que el lunes sucedió la tragedia. Nos convocaba una extraña confluencia de casualidades que se organizaban de repente de un modo misterioso. Entré en la exposición , había bastante gente, observé que había muchas mujeres viéndola , la oscuridad de las salas estaba iluminada tenuemente por las pantallas de proyección de las fotografías, la música sonaba cíclicamente, sin parar, cadenciosa, un silencio litúrgico dominaba las salas mientras las personas caminaban lentamente, sobreponiéndose sus rostros a los de las mujeres de las pantallas, los rostros aparecían y desaparecían. La búsqueda incesante y la ausencia, figurados en los rostros de mujer son parte de los argumentos de la película de José Luis Guerin y en las circunstancias en las que yo me encontraba cobraban un tono dramático.
Las sensaciones se cruzaban entre la exposición en la que la búsqueda del joven artista de en la ciudad de Silvia, la muerte de Manel y el Werther de Goethe se confundían en mi mente.
Manel había traducido el “Werther” para Tusquets , el libro más mortífero de Goethe. Cuando lo leí , hace muchos años, tuve la misma sensación trágica que tuvieron los jóvenes de la época. Morían por efecto de la literatura, el suicidio se convirtió en habitual. El Goethe joven narra su dramática experiencia del amor durante el período que va desde su llegada a Estrasburgo hasta su instalación en Weimar. Federica, Carlota o Lilí. Goethe creía que el eterno femenino nos atrae sin cesar y que “no se puede aprehender el ideal más que a través de la mujer. Manel lo había traducido, su vida afectiva era una aventura constante, llena de fracasos y finalmente su cuerpo reposaba sobre el asfalto con los pies desnudos cubierto por una manta y unos reflejos dorados.
31JOAQUIM CHANCHO EN LA SENDA DEL ZIGZAG
31 Octubre 2007 21:44
Faltan pocos días para que acabe la exposición de Joaquim Chancho (Riudoms), Tarragona, 1943 en la Galería Senda. Chancho es doctor y catedrático de Pintura en la Facultad de Belles Arts de Barcelona. En su extensa trayectoria creativa ha pasado por diversas fases de ocupación del espacio pictórico empleando una geometría sentimental basada en la investigación con la forma. Esta última exposición es un claro ejemplo del derecho de un autor para hacer en cada momento lo que considera conveniente. Eso, en principio, no parece un mérito. Pero si que lo es, porque las servidumbres del mercado, la inercia, cierta desgana creativa pueden llevar a un artista a continuar su trabajo sin mucha ilusión. Joaquim Chancho en esta demuestra que su trabajo sigue por un camino de máxima concentración, un esencialismo pre-pictórico que le conduce al territorio de la absoluta simplicidad. Hokusai (1760-1849) estaba convencido que tras la compleja búsqueda del artista durante toda su vida finalmente se podía acceder a la pureza de la síntesis, a pintar un solo punto con la fuerza del conocimiento.
En esta exposición dominan unos trazos en zigzag que atraviesan la tela sin preocupación estética, dejando al descubierto el fondo por donde pasan, un Grattage muy básico, unas líneas elementales trazadas sin pincel que poseen la fuerza, el rastro vivo del autor que así lo ha decidido. Las formas zigzagueantes son sinónimo de expresividad y fueron un adjetivo imprescindible para la pintura expresionista alemana de Macke, Kirchner y otros muchos. Con mayor o menor asiduidad ha ido apareciendo en el arte contemporáneo, las usaron los neo expresionistas alemanes en los años "80" o el mismísimo Javier Mariscal para definir toda una época. Por cierto, que en ese momento de movilidad y energía había en Barcelona un bar de culto llamado ZigZag
La palabra Zigzag siempre me ha parecido muy rara, es una palabra que en su grafía contiene lo que designa, es decir que las dos z z forman ángulos alternativos entrantes y salientes, tal como lo que la palabra quiere decir. Con la palabra y con la Forma, Joaquim Chancho nos indica irremediablemente expansión y concentración, nos indica, ritmo y movimiento. Me gustaría pensar con palabras así, utilizarlas para escribir y entonces la escritura sería una forma con un sentido total. Las palabras producirían efectos mágicos y transformativos en quien las leyera: ZIGZAG,ZIGZAG,ZIGZAG.
32GUNTHER VON HAGENS Y EL CSI
08 Octubre, 2007 23:06
La Ciencia lo impregna todo. Desde hace años hemos incorporado la complejidad a nuestra vida cotidiana. Aun recuerdo el impacto que me produjo, en el lejano año de 1988, ver el libro de Stephen W.Hawking: “Historia del Tiempo” en los quioscos de las Ramblas Fue un best -seller que estaba en todas las casas, nadie lo comprendía pero todos opinábamos con atrevimiento del big-bang , de los agujeros negros, de las partículas elementales. Yo no salía de mi asombro. Poco a poco ese afán científico lo impregna todo y ha llegado al género negro, a las series negras, ha alcanzado a detectives y criminales. El detective que utilizaba su intuición, su olfato de sabueso y algún que otro trago de wiskie ha sido sustituido por agentes que no fuman, no beben y que solo confían en las pruebas de laboratorio, en las muestras de ADN.
El planteamiento cientifista va acompañado de un nuevo lenguaje cinematográfico, en el que dominan los planos cortados, las aproximaciones en “zooms” brutales que nos muestran hasta los empastes del difunto, los fluidos más secretos, los indicios mas inverosímiles, se unen a la recreación de los hechos a medida que se van descubriendo. ¡zoom! ¡zoom! La bala ensangrentada penetrando por los tejidos epiteliales, un cuchillo mostrando con precisión su afilado corte de las venas y así con todo. Esa precisión en los detalles forenses nos han acostumbrado a cenar salpicados virtualmente con todo tipo de manchas y nos han acostumbrado a algo peor, como es considerar el cuerpo como cosa, el cuerpo humano como el insecto atravesado por la aguja del coleccionista. La insensibilidad en estos temas va en aumento y los americanos que crean escuela con todo, lo han hecho con su CSI Crime Scene Investigation, una serie dramática sobre un apasionado equipo de investigadores forenses que trabaja en varias ciudades de los USA, ahora le toca el turno a Madrid. y próximamente se presentará, con similares contenidos , la serie “Bis Científica” en Tele 5.
Pero CSI es también el Centro de Investigación Informática, no, no es una broma, es una entidad dependiente del Consejo Superior de Administración Electrónica, dependiente del Ministerio de Administraciones Públicas, y ahí es donde yo quería ir a parar. La Informática y sus desviaciones nos están haciendo cada vez más analíticos, más precisos, más inteligentes, más científicos. Por eso, una pestilente gabardina, un rudo vengador policial que arregla las cosas a su manera o el seductor intuitivo han dado paso a esos policías científicos que lo descubren todo sin salir de su pulcro laboratorio.
Esta nueva sensibilidad contemporánea conduce directamente a los callejones morbido-científicos de los artistas Joel Witkin o Gunther von Hagens, el creador de la plastificación de cuerpos humanos, empezó sus estudios médicos en la Universidad de Jena en 1965. A partir de 1977, Hagens desarrolló uno de estos métodos, una "plastificación" que, con recursos técnicos sorprendentes, logra preservar los tejidos de una manera perfecta, que da la sensación de que están vivos. Gunther von Hagens usa en sus exposiciónes cuerpos reales, en tres dimensiones y el efecto es mucho más impactante. Logra unos escenarios de rara —y chocante— estética al usar cuerpos de adultos, niños y también fetos. La muestra "Body Worlds" se estrenó en Japón en 1996 y llegó un tiempo después a Londres, causando un enorme escándalo, protestas y controversia.
En una clarísima operación científica , Von Hagens utiliza el vacío para embeber un polímero reactivo, como la silicona de caucho o poliéster, en el material biológico. La clase de polímero que se aplica determina las propiedades físicas (flexibilidad o rigidez) y ópticas (transparencia u opacidad). El resultado final convierte a los ejemplares en objetos secos, inodoros y durables.
33RON MUECK Y VANESSA PRIETO:ESCALA Y PROPORCIÓN.
06 Octubre, 2007 11:22
Mientras decidía si compraba una tarrina de mantequilla o de queso fundido me he encontrado con Ester, una amiga pintora con la que, una vez acabadas las respectivas compras y después de valorar la calidad de la leche ecológica frente a la que no lo es, hemos acabado hablando de arte durante casi una hora que es lo que realmente nos interesa. Le he comentado que el día 5 de Octubre, Vanessa Prieto había inaugurado su primera exposición importante en la sala de la Cámara de la Propiedad Urbana de Barcelona en la Calle Princesa, 1-3. Y que yo, en un Post del mes de Mayo ,había mencionado el buen trabajo de esta alumna de pintura. Le comentaba que había visto con calma la exposición de Vanessa y que me habían vuelto a la cabeza los mismos cosas que había escrito en el mes de mayo, y es que entonces dije que: Vanessa busca en la intimidad de su corazón un diálogo reservado con ella misma, en voz baja, susurrando con las figuras que se encuentran en espacios interiores repletos de indicaciones psicologistas y de recuerdos. Que sus personajes y sus niñas están solos, son frágiles e indefensos, están rodeados de pequeños indicios, cosas que sugieren y representan dolor. No sabemos si son víctimas o serán verdugos vengando un recuerdo. Que todo ese escenario lo desarrolla con obras de pequeño formato que enfatizan aun más el carácter reservado de su obra. Le decía también que yo no conozco ninguna fórmula que permita convertir estas confesiones íntimas en un mural gigantesco y público, en obra al alcance de miradas impúdicas y que yo veía, ahí, un problema irresoluble, un conflicto entre lo público y lo privado. Dicho de otro modo, me preguntaba sobre la pertinencia de los formatos, de la escala y de la proporción adecuada para tratar temas íntimos o quizá dolorosos. De ahí hemos pasado a imaginar que sucedería si esta obra que yo le presentaba como de gran emoción se dimensionará, por ejemplo, en un formato gigantesco, cubriendo la fachada de un edificio en construcción, hemos coincidido en que de inmediato se trivializaría, se convertiría en una anécdota.
Entonces Ester me ha recordado el tema de la escala y la proporción a propósito de las hiperrealistas esculturas de Ron Mueck (Melbourne, 1958). Un escultor que ha hecho de la dimensionalidad de la realidad su principal logro artístico. Mueck es un reconocido “guiñolista” en The Muppet Show (Los Teleñecos) y Sesame Street (Barrio Sésamo). y un magnífico profesional de los efectos especiales para películas y con sus resinas de poliéster es capaz de hacer cualquier cosa. Ahora los museos y galerías de arte se lo rifan, como :La Fondation Cartier y diferentes museos de Europa, América y Canadá, han acogido la exposición "Ron Mueck" que en estos días, coincidiendo con la expo de Vanesa, se exhibe en el Modern Art Museum of Fort Worth, Texas, entre el 24 de junio y el 21 de octubre de 2007.
Mueck realiza una especie de proceso de “Gulliverización” y así construye un bebé de cinco metros , como en “cariño he empequeñecido a los niños” un recurso que en Holywood ha sido el guión de numerosas películas y que ,a pesar de ser comedias, no dejan de ser algo inquietantes, un mundo en el que rompiendo las normas de la proporción, coloca fuera de escala al espectador. Más llamativa aún resulta su técnica, perfecta pese al enorme tamaño de la escultura, gracias a la cual pueden contemplarse las arrugas, el pelo e incluso los poros de sus personajes. Su trabajo es laborioso y muy documentado, partiendo de fotografias o estudios científicos sobre el cuerpo humano.
Una de las obras más dramáticas de Mueck es su escultura de 1, 83 cm. De un hombre desnudo sentado en el suelo, en la esquina de su habitación de mirada desconfiada y triste, y también el cuerpo muerto y yacente del padre del artista. Dos situaciones muy dramáticas en las que se añade una fuerte dosis de espectáculo que proviene de esa desmesura, de esa escala y proporción a-humanas, que acerca sus figuras a gigantes imaginarios y en los que el drama pasa a segundo término debido al virtuosismo con la resina de poliester.
En definitiva , me pregunto cual es la escala, la proporción adecuada, la medida de un muro , o de una escultura cuando se trata de reflejar en él, cuestiones íntimas, melancólicas y tristes. Mundos propios, privados. Mueck lo ha hecho sin reparos, por lo tanto quizá sea posible que un día veamos ,entre medianeras o cubriendo la fachada de un edificio, cuadros tan bonitos y trágicos como los de Vanessa , o nunca.
34ARTE Y PROYECTOS SONOROS:BUDDHA MACHINE , REAC TABLE Y ZEPPELIN 2008
11 OCTUBRE 2007 00:12
El arte contemporáneo presta atención cada vez más a los proyectos sonoros. Recientemente he fijado mi atención en tres propuestas nuevas: la primera es el “Budha Machine” La primera vez que vi este artilugio fue en el Sonar 07 y todavía continúo un poco desconcertado. Los creadores son Christiaan Virant y el músico electrónico Zhang Jian. que viven en Beijing y actúan bajo el nombre de FM3. Está fabricado en China, es de plástico, tiene seis colores y cuando lo encargas no sabes que color te van a enviar. El pequeño aparato funciona con pilas y tiene registrados nueve secuencias musicales que pueden variar y que ,según parece, son la versión tecno de nueve mantras budistas transformados en una música que se repite en "loop".Los Loops se utilizan en el lenguaje audiovisual, concretamente en videoarte y consisten en un "bucle" breve que se repite una y otra vez. En esta máquina sonora lo que se repite es el sonido que crea un clima hipnótico por su insistencia, un murmullo meditativo que lo acerca a la música "ambient" de Brian Eno. También permite establecer juegos de relación entre los usuarios que se enfrentan uno a otro, como si se tratará de una partida de ajedrez, en la que las fichas calladas son sustituidas por esos artilugios sonoros. No conozco los detalles del juego, pero la expectativa que crea en los que rodean a los músicos-jugadores es muy intensa y compartida. De hecho en el Sonar 07 despertó una curiosidad poco habitual. A mi me gusta mucho Brian Eno y siempre he creído que su música tiene sus raíces en profundos estados meditativos, en el buceo de las conciencias, este aparato tiene buenas intenciones pero en ningún momento alcanza la potencia del músico y artista inglés. Innovador en muchos campos de la música, y que ha colaborado en el desarrollo del generador de música algorítmica Koan del que parte su 'Sintetizador Evolutivo' que le ha servido para realizar su proyecto “77 millones de pinturas” del que ya he escrito.
El segundo es el proyecto: ”Sorderas”. Hace unos meses José Manuel Berenguer me propuso participar con un texto sobre
Queremos escuchar con todo nuestro cuerpo y por ello, os invitamos a reflexionar y a realizar piezas sonoras que atiendan al exceso de verborrea, imágenes y sonidos que bajo la cobertura de la llamada información inundan nuestros oídos; a ese rumor incesante y repetitivo que las consignas políticas pretenden grabar en nuestras mentes y nuestros comportamientos; a los extraños sonidos que generan las grandes concentraciones de poder; al modo en que continuamente se nos insta por doquier a considerarnos clientes, consumidores y no ciudadanos... a todo ese ruido que nos deja sin sonidos propios. Por ello, queremos preguntarnos qué es realmente lo que podemos escuchar; qué mecanismos operan esta gran sordera mental y social que nos aqueja y, sobretodo, interrogar nuestras/vuestras creaciones en tanto dispositivos de una escucha que se alza contra todas esas sorderas que habitan nuestro tiempo.
La tercera es sobre los creadores del ReacTable, un equipo de investigadores formado por Sergi Jordà, Marcos Alonso, Günter Geiger y Martin Kaltenbrunner del Grupo de Tecnología Musical de
El reacTable consta de un tablero translúcido retroiluminado con una cámara situada al otro lado del tablero que analiza contínuamente la superficie y sigue los movimientos, la naturaleza, la posición y la orientación de los diferentes objetos físicos que están situados sobre el tablero por medio de visión artificial. Varios músicos simultáneos comparten control completo sobre el instrumento moviéndo y rotando los objetos en el redondo tablero luminoso. Al mover y relacionar los objetos por la superficie del tablero se modifica la estructura y los parámetros del sintetizador de sonido. Estos objetos conforman los típicos módulos de un sintetizador modular. Simultáneamente, el proyector muestra la actividad y las características principales del sonido producido, otorgándole de esta forma la necesaria retroalimentación al ejecutante. De esta forma varios músicos pueden compartir el control desplazando y rotando fichas transparentes sobre la mesa luminosa. Cada uno de los usuarios puede crear una función sonora diferente.Entre otras cosas, reacTable intenta ser:
colaborativo: varios ejecutantes (en forma local o remota)
intuitivo: sin manual, sin instrucciones
poseedor de una sonoridad interesante y desafiante
enseñable y aprendible (incluso por chicos)
apto para novatos y músicos electrónicos avanzados (conciertos)
El software detrás de todo esto es open source y multiplataforma.
Presentaciones y eventos
Temporada 2007La cantante Björk ha incluido un reacTable en su última gira mundial que comenzó el mes pasado. A pesar de haber participado en multitud de festivales internacionales, incluidos el Ars Electronica (Linz, Austria) Sonar (Barcelona), Siggraph (Boston) y Transmediale ( Berlín) la popularidad de reacTable se disparó tras la publicación de unos vídeos en la plataforma YouTube. Allí fue donde Björk lo vió.
35GLORIA COT
19 Octubre 2007 19:25
La consagración de los espacios puede darse por varios caminos, uno es el de una tradición religiosa que va sedimentando a lo largo de años quizá siglos, otro puede serlo porque una autoridad religiosa, un ser espiritual lo decida y otro porque durante un tiempo se depositen en ese espacio unas obras que epifaníen el espíritu esencial de lo sagrado. Este es el caso de la exposición de Gloria Cot.
Evidentemente el espacio exige como condición su límite, se establecen límites entre lo sagrado y lo profano, límites entre aquellos que pueden conocer y los que no, la exclusión es legítima cuando la persona o el lugar no son los indicados para que se produzca el encuentro o la transmisión de la experiencia religiosa. Pero no debemos olvidar que la auténtica "concordanza", la verdadera concordancia no es otra que la que etimológicamente tiene esta palabra derivada de cor, de cordis, de corazón, lo cordial exige una actitud afectuosa, de corazón a corazón, sin ningún indicio amenazador. En Occidente tenemos la costumbre de asociar lo sagrado al castigo de su profanación y ahí es donde aparece el otro sentido de la palabra, un sentido equívoco con el que nos gusta jugar. Para nosotros la transgresión de lo sagrado debe castigarse, con ese espíritu han crecido, inspiradas por el Egipto Antiguo, las tres tradiciones monoteístas del mediterráneo: la religión cristiana, el Judaismo y el Islam. Según estas tradiciones: "Las cosas consagradas sólo se revelan a los hombres consagrados; se halla vedado revelárselas a los profanos, mientras no sean iniciados en los misterios del saber y si este principio se transgrediera ,debe actuar el castigo.
Desde la óptica de
El color intenso ,sanguíneo y los perfiles romos de estas obras me sugieren que los límites en este caso no forman ángulos rectos son romos es decir obtusos, sin filos cortantes. Deduzco que no contienen amenaza alguna que son más bien límites suaves en los que el color rojo parece resbalar, crea densidades liquadas enfatizadas por los brillos. No parece que haya posibilidad alguna de relacionar esta característica formal con ninguna noción sacrificial, salvo que si jugamos con las palabras nos encontramos que Romin era un adjetivo en desuso utilizado para definir al que profesa la fé cristiana, parece ser que deriva de romí del árabe que pasó al español como rúm, y mencionaba a cristianos bizantinos, cristianos y de ahí se convirtió en adjetivo de cristiano del que profesa la fe de Cristo, pero de ahí a la sangre, a los límites territoriales de lo sagrado y al sacrificio hay un abismo. ¿No?
36DOS ESCUELAS A
31 Octubre, 2007 19:23
Cuando llega el Saló del Ensenyament las escuelas ofrecen sus servicios pedagógicos en unos "stands" montados para la ocasión. Muchos profesores de artes plásticas vamos con entusiasmo a buscar nuevos alumnos para nuestras clases. El fenómeno de la oferta se debe a la amezadora "ratio", es decir a la proporción entre el número de alumnos y de profesores, un modelo americano que quiere hacer más rentable el sector educativo. Los primeros síntomas empezaron con el regalo de carpetas, lápices y gomas de borrar. Viví de cerca este fenómeno en
Durante una parte de mi vida estuve en esa situación, compartiendo mi amor con dos escuelas a la vez, de eso ya hace algún tiempo, ahora hará unos siete años, deje despechado a una de ellas y sigo fiel a la que quedó, pero tengo que decir que mientras duró mi romance durante quince años, mi conciencia me reclamaba cierta discreción, programas diferenciados, objetivos separados para poder llegar a final de mes con cierta elegancia y la conciencia tranquila de no estar engañando a nadie y dar a cada una lo mejor de mi mismo, pero diferenciadamente. Ahora, no se tienen tantos reparos y algunos profesores son capaces de amar multiplicadamente, incluso de un modo lascivo, a dos o más escuelas a la vez. Antonio Machin en su bolero "Corazón Loco", dice que tiene una explicación, que hay un remedio para esa situación, consiste en considerar a una de ellas como:" el amor sagrado, compañera de mi vida, esposa y madre a la vez, la otra es el amor prohibido, complemento de mis ansias, y a quien no renunciaré, y ahora puedes tú saber, cómo se pueden querer, dos mujeres a la vez, y no estar loco."Pues bien, se trata de decidirse y otorgar el rol de la mujer santa a una o el de la amante apasionada a otra. Creo que el cálculo de los rendimientos puede ayudar a tomar la decisión correcta.
37ARTE JOVEN EN
04 Octubre, 2007 00:36
En el mundo en el que me muevo es muy habitual escuchar la expresión arte joven, joven crítico, concurso para jóvenes etc. Hoy que mi padre cumple 85 años, se impone una breve reflexión sobre la edad. Según el médico cubano Eugenio Selman del equipo médico oficial de Fidel Castro, el comandante pasará de los 140 años con una longevidad más que satisfactoria. Como decía, con mucha gracia Compay Segundo de él mismo: "Compay no muere, hay que matarlo", y murió con noventa largos. Parece ser que para conseguirlo, el único requisito es proponérselo, si uno tiene la voluntad de hierro no hay quien lo entierre.
En otro orden de cosas, la psicóloga estadounidense Frieda Birnbaum fue madre de gemelos con sesenta años y parece ser que con la oposición de su hija, de 29 años, que alega que cuando los gemelos estén en plena adolescencia su madre ya estará más cerca de los 80 que de los 70; la niña ya se ve cuidando a unos hermanos gamberretes y desbocados. Frieda asegura, para contestar a su hija que: " Quienes consideran que 60 años es una edad demasiado avanzada para la maternidad , tienen que prepararse para lo que viene en esta sociedad ".
Si, nos tenemos que ir preparando , pero mientras se me ocurre la siguiente tonteria: un joven recién salido de
38BANKSY DESCUBIERTO
01
Noviembre 2007 12:03
Tengo profundo respeto y gran interés por las obras públicas de
los "graffiteros" de cualquier ciudad. Especialmente cuando atacan
muros dejados de la mano de Dios. Pero todo tiene un límite y la iniciativa
libertaria , pacífica y gratuita de los artista graffitistas ha engendrado SU
ANTÍTESIS, un personaje que se llama Banksy. Como me gusta jugar con
las palabras, diría que su nombre lo delata: BANK - SI. Es decir todo lo que
sea ganar pasta , ya esta bien. Alguno dirá: ¡pues como cualquier
artista!, y yo le diré : !pues no.!
Hoy la Vanguardia Digital publica una noticia de
la agencia EFE en la que se dice que el artista Banksy ha sido cogido en plena
faena y quizá identificado. Lo que me indigna de este graffitero no es que se
enriquezca como cualquier otro artista con su trabajo, sino que ha utilizado
todas las consignas del honesto sector del Graffiti para hacerse famoso y rico,
por ejemplo, la consigna del anonimato. La identidad de Banksy es el
secreto mejor guardado del arte británico. Se desconoce su nombre real y su
edad aunque se cree que se apellida Banks y que nació en Bristol en 1974.
Ha utilizado la denuncia pública con acciones
"anti-stablishment" como : Sus primeras intervenciones que
consistieron en producir parodias de obras de arte o antigüedades que logró
colocar en museos sin que nadie en un principio las descubriera. El Museo
Británico tardó varios días en percatarse de que una piedra en la que aparecía
pintado un cazador de la Edad de Piedra empujando un carrito de
supermercado no pertenecía a su colección sino que era en realidad una broma de
Banksy. En otra ocasión hizo en el festival de Glastonbury un círculo similar
al monumento megalítico de Stonehenge utilizando retretes portátiles y otra vez
en el parque de atracciones de Disneylandia soltó una muñeca inflable que
representaba a un preso de Guantánamo. Entre sus parodias de obras de arte
figura una versión de 'Los nenúfares', de Monet, en la que aparecen flotando en
el agua un carrito de supermercado y todo tipo de basura. Es decir un arte
ingenioso, de broma continuada y estupida. Eso si de una impecable factura
artística
Banksy no ha seguido la tercera consigna del graffitista,
aquella que es consecuencia del anonimato y que consiste
en hacer arte público y gratuito; muy al contrario ha utilizado esas consignas
para hacerse una fama y cobrar un "paston" millonario a través de su
marchand y de las subastas de sus obras a precios astronómicos, sus
bromitas con contenido político las han comprado gente
famosa y se venden por decenas de miles de libras en las galerías de
arte desde que se difundió que famosos como Brad Pitt y Angelina Jolie habían
comprado algunas. Según dice la noticia de EFE es que Gareth
Williams, del mundo de las subastas, ha confesado «lo más increíble del fenómeno
Banksy no es su ascenso meteórico ni las importantes sumas que se pagan ya por
sus obras, sino el hecho de que el mismo establishment al que satiriza le haya
acogido entusiasmado». Un público escogido que llena los bolsillos del ácrata
callejero. Así, la pasada semana, diez obras suyas se adjudicaron por un total
de medio millón de libras (unos 700.000 euros) en la casa de subastas Bonhams.
Y yo me pregunto, ahora que ha sido "cazado" en faena, sino será un
"posado" pactado con el azaroso fotógrafo para ser descubierto y
salirdefinitivamente del anonimato, presentar su DNI en el Banco y cobrar el
dinero.
Foto. Efe, Vanguardia Digital.1.11.07El artista ácrata
aparece hoy -si es que realmente es él- en una fotografía publicada en varios
medios británicos, en la que se le ve pintando la prolongación de las líneas
paralelas amarillas que hay junto al bordillo de una acera londinense para
convertirlas de pronto en una flor junto a la que aparece sentado un obrero
armado con un rodillo de pintura.
39TOYO ITO Y MUTSURO SASAKI EN LA SAGRADA
FAMILIA
06
Noviembre 2007 00:27
Es un poco tarde, estoy algo cansado, pero el entusiasmo me hace resistir para escribir estas pocas líneas. Hoy he asistido a una conjunción programada de bienaventuranzas, hoy he asistido en el Templo Expiatorio de la Sagrada Familia a un hecho histórico. Los señores Toyo Ito y Mutsuro Sasaki han hablado en la nave central del templo del gran misterio de la Forma en la Arquitectura Lo han hecho magistralmente con la simplicidad del que sabe. La conjunción se ha vuelto a dar y sus palabras y las imágenes de sus proyectos arquitectónicos hablaban con la misma lengua de Gaudí, sus obras mantienen viva la llama de la Forma. Arquitectura, tecnología y naturaleza estaban en angélica armonía. Gaudí vive
40JULIAN ALVAREZ: UNA RETROSPECTIVA
13 Noviembre 2007 21:34
Julián Álvarez (León, 1950. Londres, 1972. Barcelona, 1975) es un
pionero. Sus tres fechas de nacimiento confirman un talante
inquieto que corresponde a su espíritu de búsqueda. Es uno de los
primeros que se adentró en la jungla de la imagen videográfica hace más de
veinticinco años. El, como otros de su generación, machete en mano, abrió
caminos, cortó las primeras lianas y abrió senderos que ahora
parecen fáciles de transitar. Colonizó nuevos territorios , se inventó
artilugios para la supervivencia videográfica como la "fishcam"y
ahora durante el mes de Octubre se ha rendido tributo a ese esfuerzo
con una exposición retrospectiva en la Caixa.(1985-2007).
En esa exposición se pudieron ver una parte de
las más de cincuenta obras realizadas que tiene
colgadas en su página oficial http://www.juliansite.com/
Las he visto todas y creo que es evidente que su trabajo
está marcado por el signo de la diversidad y la amplitud temática desde su
faceta como creador y autor, a la exploración se sí mismo, a los indicios
de una memoria colectiva con la guerra civil, pasando por sus
inquietudes tecnológicas y pedagógicas como corresponde a
un Director de IDEP Vídeo-Cine-TV, 3D y New Media. o al nocturnal
ambiente del boxeo y el rock.
El folleto de presentación para la Caixa no alude a un
monitor encendido, ni a una imagen destacada entre miles de "frames",
no hay ningún guiño posmoderno, sino que vemos unos zapatos con
cordones en los que hay pintado un paisaje. Esta imagen aparece también en su
página oficial como emblema de su biografía. En esta imagen, que supongo de sus
propios pies ,la pierna deja entrever unos pantalones Jeans que indican un modo
de vestir informal y juvenil, una especie de compromiso con la
contemporaneidad, la música y la cultura moderna, los zapatos son cerrados,
exigen calcetines, debe hacer algo de frío. Eso demuestra prevención y
sensatez. Un zapato cerrado, de piel y con cordones parecen aludir a un uso
formal, un zapato de vestir, pero esta breve impresión queda rota de inmediato
al ver los trazos multicolores que dibujan un paisaje solo visible a quien lo
mira de frente. Al otro. Si Julián baja la mirada los verá al revés .Este
efecto de naturaleza , de paisajismo y el uso del color es sorprendente para un
autor que ha trabajado mucho en blanco y negro, con imágenes sórdidas sacadas
del mundo de la noche y de las zonas turbias del Boxeo. Los zapatos son buenos
para el asfalto, la cultura urbana exige protección, llevan los cordones de
cuero, el anudamiento indica simetría en el lazo, sujeción y dominio. La
sujeción es una figura retórica que se da cuando el orador o el
escritor se hace preguntas a las que él mismo responde. Interpreto esto
como un signo inequívoco de independencia. Creo que estos zapatos confirman
la autodefinición que el propio Julián da de sí mismo:
"Iconoclasta por defecto y fronterizo (al margen)
por propia voluntad. No forma parte de ningún colectivo, tendencia, estilo o
movimiento establecido. Su compromiso se concreta y formula a través de su
obra, en la que mezcla géneros y lenguajes con voluntad de desdibujar
fronteras, contaminar identidades de uno y otro lado y, sobre todo, cuestionar
certidumbres."
Al mirar sus últimas obras : "Homenaje a Formentera",
"Requiem por Barcelona Graffitis", "No-Do masculino
plural" "Espantapájaros"
,"Ninots" o "Le Coup by Johnny Hallyday " he tenido la
sensación de encontrarme en la misma encrucijada en la que se encuentra
Julián, en la que nos encontramos todos nosotros, todos los de una generación
obligados a escoger: entre pisar descalzos los terrenos
olvidados del origen y los suelos cálidos de Formentera , en recorrer y
disfrutar del multicolorismo urbano de los Graffitis o en volver a calzar las
rudas botas del boxeo y subir nuevamente al Ring.
41ROSA PUIG EN GALERIA ANTONIO DE BARNOLA
15 Noviembre 2007 16:37
Conocía el libro que Rosa Puig publicó en la editorial
Gustavo Gili sobre Graffitis pero no la conocía personalmente. Julián Álvarez
me la presentó en el ambigú de un teatro y fue ella misma quien me comentó que
durante el mes de Noviembre tenía una exposición en la Galería Antonio de
Barnola, (Palau, 4) me la describió por encima ,me habló de algunas de sus
fotografías, y, aun sin haberlas visto , le dije : ¡no
serán ángeles¡.Resulta que unos días más tarde la volví a encontrar
en la Calle de los Ángeles, cerca del MACBA, como soy amigo de las
casualidades pensé que debía ser una señal inequívoca del
cielo y que tenía que ir a ver la exposición. La
muestra se compone de 10 fotografías para las que el crítico Alfonso
Levy ha escrito lo siguiente&"La delgadez de los muñecos, casi la
transparencia, mecidos en una atmósfera atemporal, la rotundidad onírica de los
árboles, la letanía del blanco y negro, y la experiencia de ser transportado,
de acceder sin intervención de la voluntad a un paisaje de espiritualidad
pura"&Como se ve no iba del todo desencaminado con mi comentario
inicial en torno a los ángeles
Me ha gustado mucho el contraste entre la solidez de las
rocas de un paisaje duro y agreste, con la ligereza de
las figuras transparentes, el contraste entre la estabilidad del
territorio y la mutabilidad de sus angélicos habitantes. Para que el ceremonial
tenga lugar plenamente hay que convocar al viento, la respiración, el pneuma de
la naturaleza que, a ráfagas, mueve esos cuerpos transparentes.
20
Noviembre 2007 09:35
Hay palabras, gestos y personas que aparecen en la escena social ,
están un tiempo y luego desaparecen. Expresiones como: Visibilidad, Protocolo,
Hacer un gestito imbécil con los dedos índice y medio para significar una
expresión entre comillas, el Carmen cuéntanos de los presentadores de
telediario, dabuten, vale, no es de recibo, pasarse tres telediarios,
transversal etc,etc ,pero la que más me irrita ,con diferencia, por la
contradicción que conlleva es: Artista Independiente, Crítico Independiente,
Comisario Independiente. Estas expresiones son habituales en el mundillo
artístico y se abusa de ellas hasta la saciedad. Incluso yo la utilizo. La
semana pasada recibí en el buzón dos cartas paradójicas, que por azar del
destino llegaron a la vez. En una de ellas se me ofrecía participar, como
público, en unas jornadas de pensamientos complejos sobre la Crítica de
Arte en la era de la Movilidad Global, y en la otra se me daba la
posibilidad de asistir a unas conferencias y debates con el lema:
¿El pensamiento en peligro? El Ensayo como forma abierta y crítica. Los leí
desconcertado, leyendo los titulares, me parecía recibir un mensaje
contradictorio pues al mismo tiempo me daban la confirmación
de que existe un pensamiento crítico y a la vez en el mismo envío
que el pensamiento crítico manifestado en ensayos: esta en peligro. Mas
pausadamente les dedique unos minutos y me fijé que en la actividad sobre
"El pensamiento en peligro" participaba Carles Guerra y sin saber
porqué empecé a escribr sobre su actitud cultural.
Carles Guerra es de la generación nacida en los años sesenta (Amposta, 1965) por generación y actitud sobre el fenómeno artístico lo situaría en lo que ,en otro post. sobre Ignasi Aballi ,llamé miembros de la Inteligencia Artística Barcelonesa. Un grupo de artistas y críticos, digamos jóvenes, o mejor de mediana edad: como Regina Giménez , Martí Ansón ,Maribel López, Joan Morey, David G. Torres, Antonio Ortega, Andrés Hispano, Rafel G. Bianchi , Eduardo Perez-Soler David Armengol, Montse Badia, Martí Manen , Frederic Montornes, Jacob Frabicius y Ferran Barenblit, que tienen en común hacer gala de ser críticos, también comisarios y además artistas INDEPENDIENTES.
Yo creo que eso tiene que ver con la edad y con una
generación. Casi todos provienen de la facultad de Belles Arts de
Barcelona, una facultad que favorece sobre todo el discurso teórico
, y bastante menos la práctica formal y materializada, la mayoría tienen en
común una actividad artística y de hecho combinan sus cartas de una manera
magistral, cuando les conviene son artistas, cuando les interesa son críticos,
si se da la ocasión comisarios, profesores de historia del arte, y nuevamente
artistas. Eso si ,siempre independientes. He llegado a la conclusión que el
calificativo independiente quiere decir que hacen lo que les conviene en cada
momento, que no tienen que rendir cuentas ante ningún colectivo profesional que
los controle, que hacen lo que les da la gana. Por otro lado: ¿si ellos son
independientes, habrá colegas que no lo son? Los que no lo son: ¿de quién
dependen? ¿Quieren decir que la crítica universitaria, los diversos comisarios
internacionales, los profesores de teoría o de historia del arte no son
independientes? O puede ser que se refieran a que no se imaginan a
María Corral haciendo una exposición de acuarelas o a Manuel J. Borja- Villel
ejecutando una Performance Fluxus en su MACBA. Recuerdo la sorna con la que los
artistas de la época se referían al magnate del arte Conceptual y auténtico
impulsor de la Crítica barcelonesa Alexandre Cirici Pellicer, cuando
decían en voz baja que llevaba a cabo una leve práctica artística, vamos que
había cierto cachondeo con sus acuarelas. Lo mismo sucedía con J.E.Cirlot,
Santos Torroella y tantos otros, a quienes, como máximo se les toleraba que
escribieran poesía, pero no que pintaran, ahora eso ya no pasa con ellos, los
de ahora: son independientes
En el cenit de la Independencia ,Carles Guerra,
en una reseña para el CCCB ,se presentaba como artista, crítico de arte y
conservador independiente. Yo creo que debe haber una errata en lo de
Conservador Independiente, seguramente sería "curator", porque sino,
ya fuera el colmo, tildar de independiente incluso la actitud de un digno
funcionario y conservador museístico. La verdad es que debe ser que la envidia
me corroe .Yo tengo una triste experiencia, he comprobado que cuando
la cabeza me funciona a tope, lo poco que pueda o sea capaz y me veo envuelto
entre papeles y libros, de inmediato, se me paraliza la mano, no puedo pintar,
ni dibujar, como si fuera imposible llevar una doble actividad: una más teórica
y otra más artística. Naturalmente me refiero a una práctica con
fuerte componente de oficio, no a un arte procesual y conceptista que entonces
todo me va sobre ruedas. Supongo que debe ser una carencia, una limitación de
mis dos hemisferios cerebrales o algo así, por eso me pregunto : ¿cómo harán
estos que son capaces de actuar facticamente ,como los artistas, de pensar
críticamente sobre su trabajo y el de los demás, como los teóricos y encima
comisariar exposiciones ,como los historiadores. Eso les debe llevar a confusas
contradicciones pues:¿ como pueden ser juez y parte? ¿No les sucede nada cuando
se escogen a sí mismos como artistas de una exposición de la que hacen de
comisarios y además critican a los que ellos no han escogido?.!Que lio!
Por lo que voy escribiendo en este Post, creo que no debe extrañarme la rareza con la que iniciaba mi comentario , no es más que el resultado de la confusión en la que vivimos , por un lado la afirmación del discurso crítico y por otro las dudas sobre su existencia. Nos lo hemos ganado a pulso, pero quiero acabar diciendo que hoy en día los Bloggers, si que son realmente independientes, porque hacen un esfuerzo que solo depende de ellos mismos, nadie les obliga, nadie les controla, nadie les paga. Quizá, nadie los lee, pero se sientes artistas, críticos y comisarios INDEPENDIENTES en la Red de Redes.
22 Noviembre
2007 17:24
Hoy es el día de Santa Cecilia. virgen y mártir, noble
romana, conversa al cristianismo, martirizada por su fe hacia fines del siglo
II Esta celebración es muy antigua la han honrado músicos de la
dimensión de Pourcell, Haendel o Britten y sobre la santa existen
abundantes referencias, se la conoce bien. Pero tiene una interesante
contradicción. Casi diría un misterio raro. He recogido algunos datos aquí y
allá y he llegado a la conclusión que a Cecilia no le gustaba la
música No le gustaba la música que por vibración del aire entra por
nuestros oídos poniendo en marcha un complejísimo mecanismo auditivo, no , a
Santa Cecilia le gustaba otro tipo de música. La música interior, la música
callada, la que no seduce a los sentidos. Se cuenta que el dia de su boda y
mientras los instrumentos musicales tocaban música, ella iba musitando y
cantando a Dios en su corazón, diciendo:" Haz mi corazón y mi
cuerpo puro de modo que no me confunda" Otras fuentes cuentan que "
Durante el banquete de bodas, mientras la música sonaba, ella entonaba
oraciones en la soledad de su corazón, pidiendo que su cuerpo quedara
inmaculado ", Según esto, la Santa rehuyó la música durante toda
la ceremonia, calificándola como " el mortal canto de sirenas que impulsa
a los inocentes a poner en peligro sus vidas " su deseo le fue otorgado,
ya que la tradición admite, su virginidad, hasta la muerte por martirio."
, en otros he encontrado " Al son de los órganos la virgen Cecilia cantaba
en su corazón sólo al Señor ". Es decir que si Santa
Cecilia cantaba o le gustaba la música sólo era en alabanza trascendente, sólo
una alabanza a Dios y por lo tanto ella marca la distinción entre una música
sacra que sí le gustaba y otra profana que no le gustaba. En
algunas ocasiones he hablado con mi amigo Joan S. , mi gurú
de música clásica ,sobre la película "Tous les
matins du monde ",una película francesa realizada por Alain
Corneau, en 1991 y que a los dos nos emociona. Al final de su vida,
Marin Marais, París, (1656 - 1728)
violista célebre, recuerda su juventud y su aprendizaje con la viola
da gamba con su maestro Monsieur de Sainte Colombe. Una de las escenas que más
me conmueve y que he comentado con Joan, es aquella en la que el maestro de
música, retirado a una pequeña cabaña de madera en la que solía refugiarse
,toca la viola con un sentimiento tan profundo que convoca al espíritu de su
mujer muerta. La música verdadera, como quería Santa
Cecilia no la escuchan los oídos, no se ejecuta para los vivos, se
toca para revivir el espíritu y convocar a los muertos.
27 Noviembre
2007 01:37
Esta mañana estaba tomado
un té en mi bar preferido y he oído unos comentarios sobre cine en la mesa de
al lado, un joven le comentaba a otro: "Este finde fui a ver tal película,
pero quería ver esta otra", y tal y cual. En esto, he oído que
uno de ellos decía: " no,esa no me gusto era
muy PREVISIBLE.". Hace unos días posteando con un amigo y sin
que viniera muy a cuento de lo que yo quería decir, él escribió lo siguiente
sobre el cine: "he pasado una larga época desconectado, por
un lado porque no soporto cuando un argumento se hace PREVISIBLE (y hay muchos)
y por otra porque he pasado mas tiempo dedicado a otra pantalla, en donde pasan
un montón más de cosas, más IMPREVISIBLES y en tiempo real. Pero bueno, vuelvo
a estar en temporada cinematográfica, a ver, a ver".
Ya he comentado que hay palabras, o gestitos que , poco a poco ,
sibilinamente se van introduciendo en el lenguaje. Creo que le toca el turno a
la palabra previsible y eso será por algo.En el cine, en el arte, en la cultura
siempre hay un guión que, por muy acertado que sea, nunca iguala a la
imprevisibilidad del tiempo real, de la vida auténtica. Con nuestras cámaras
webs, contactamos con el mundo lo vemos tal cual esta sucediendo en ese
momento. Por ejemplo, puedo estar hablando con alguien, recién conocido en la
red, puedo establecer un dialogo de amistad con él y de pronto, sin guión
alguno, ver como se desploma muerto sobre el teclado. No puedo hacer nada, no
conozco como se llama, ni donde vive, lo veo morir en tiempo real,
IMPREVISIBLEMENTE
Alejandro Jodorowsky hizo "La Montaña Sagrada " en
1973, él quería rodar lo imprevisible y su película, a pesar de sus excentricas
secuencias nunca consiguió superar el ejemplo del Blogger muerto en directo.Lo
que vemos en nuestras pantallas es la vida que pasa, la que sucede
de verdad y en la que todo puede suceder, es por eso, que todo lo que podamos
ver en un pantalla, en una galeria de arte o en el cine, nos resultará insulso,
escaso de veracidad y sobre todo PREVISIBLE.
45CINE PREVISIBLE
27 Noviembre, 2007 00:37
https://youtu.be/TLKhuMCTRfM
Esta mañana estaba tomado un té en mi bar preferido y he oído unos comentarios sobre cine en la mesa de al lado, un joven le comentaba a otro: “Este finde fui a ver tal película, pero quería ver esta otra”, y tal y cual. En esto, he oído que uno de ellos decía :” no,esa no me gusto era muy PREVISIBLE.”.Hace unos días posteando con un amigo y sin que viniera muy a cuento de lo que yo quería decir, él escribió lo siguiente sobre el cine: “he pasado una larga época desconectado, por un lado porque no soporto cuando un argumento se hace PREVISIBLE (y hay muchos) y por otra porque he pasado mas tiempo dedicado a otra pantalla, en donde pasan un montón más de cosas, más IMPREVISIBLES y en tiempo real. Pero bueno, vuelvo a estar en temporada cinematográfica, a ver, a ver” El otro día, yo comentaba en el Blog. que hay palabras, o gestitos que , poco a poco , sibilinamente se van introduciendo en el lenguaje. Creo que le toca el turno a la palabra previsible y eso será por algo.En el cine siempre hay un guión que, por muy acertado que sea, nunca iguala a la imprevisibilidad del tiempo real, de la vida auténtica. Con nuestras cámaras webs, contactamos con el mundo lo vemos tal cual esta sucediendo en ese momento. Por ejemplo, puedo estar hablando con alguien, recién conocido en la red, puedo establecer un dialogo de amistad con él y de pronto, sin guión alguno, ver como se desploma muerto sobre el teclado. No puedo hacer nada, no conozco como se llama, ni donde vive, lo veo morir en tiempo real, IMPREVISIBLEMENTE
Alejandro Jodorowsky hizo “La Montaña Sagrada “ en 1973, él quería rodar lo imprevisible y su película, a pesar de sus excentricas secuencias nunca consiguió superar el ejemplo del Blogger muerto en directo.Lo que vemos en nuestras pantallas es la vida que pasa, la que sucede de verdad y en la que todo puede suceder , es por eso ,que todo lo que podamos ver en un pantalla nos resultará insulso, escaso de veracidad y sobre todo PREVISIBLE.
46
20 Noviembre 2007
Sabemos que existe el diseño catalán, la escultura vasca, los retratistas andaluces o el expresionismo alemán. Cada una de estas referencias viene de un indicativo de lugar. Es algo así como decir que del mismo modo que hay tulipanes en holanda existen escultores en el país vasco o diseñadores en Cataluña. Anna Comellas (1961) ha roto con este lugar común, con este tópico y resulta que desde hace bastantes años viene exponiendo y triunfando en Alemania pero desde Barcelona. Recientemente ha inaugurado una exposición en Berlín que permanecerá abierta hasta el mes de Octubre,y que ha realizado de la mano de
Ana Comellas ha puesto un título a esta exposición que alude a lo imposible, menciona la utopía y nos recuerda algunos despropósitos del ser humano. Cerrar el mar es similar a poner “puertas al campo” o a vaciar el océano con los cuencos de las manos. No se puede poner límite a lo extenso. La obra de Ana Comellas hace del límite una reflexión constante y lo hace creando recorridos imaginarios, dibujando geografías desconocidas en las que traza mapas, indica caminos, insinúa senderos. Los surcos que se encuentran en toda su obra, indican la dualidad de las dos orillas, las partes confrontadas y necesarias de los márgenes de los ríos, la armonía de los contrarios son un pretexto para que la autora incorpore la noción de límite. Esa noción se encuentra incluso en la mixtura de materiales diversos que conviven en una misma obra y que pueden ir desde la sutileza del papel japonés a la dureza maleable del plomo. El dialogo entre los límites se encuentra en la misma constitución de sus obras que están en la frontera-límite entre las dos y las tres dimensiones, entre la pintura y la escultura. Estar “entre” es diferente del simplemente estar.
Las obras de Ana Comellas están sacralizadas por la geometría del cuadrado, que en ocasiones esta presente en sus formatos y en ocasiones pasa a ser parte constitutiva de la obra. Una de ellas está compuesta por cinco partes en las que en el interior de un cuadrado grabado sobre hierro se percibe el relieve sutil de las olas del mar. Sus obras se encuentran entre la pintura, la escultura, técnicas digitales y el grabado sobre papel japonés. Los límites ya mencionados aparecen frecuentemente en la obra de Ana Comellas, por un lado la presencia rigurosa de la geometría junto a la expresividad sentimental del cuadrado del que se derivan, entre otros, los teoremas geométricos de Tales que son el origen mismo de la capacidad humana por medir y calcular, por establecer los límites de las sombras y la periodicidad de los eclipses que tanto han contribuido al desarrollo de nuestra capacidad de construir la perfección y por otro lado la infinitud no sometida del mar, todo aquello que se escapa entre los dedos, lo que no se deja comprender.
En la cosmogonía occidental el mar se convierte en la sustancia única de la que deriva todo. Pensadores tan sensatos y que han ayudado al desarrollo de la ciencia constructiva como el mismísimo Tales estaban desconcertados ante la magnitud del fenómeno y llevado de su fervor marino llegó a asegurar que la tierra flotaba sobre el agua y que los terremotos no eran otra cosa que las oscilaciones del agua que sostiene la tierra. También en
La imposibilidad de cerrar el mar es similar al dialogo entre la ciencia, propuesta por el filósofo de Mileto, y la inmortalidad del alma que tan bien había aprendido de los egipcios. Tales andaba preocupado por medir las pirámides, comparando sus sombras e incluso estableció una “Astrología Naútica”, pero toda esa precisión científica la consiguió mientras creía falsamente que sus pies en la tierra flotaban sobre un mar imaginario.
Las intuiciones expuestas sobre esta exposición quedan definidas en una obra llamada: “Desencuentros” en la que Ana Comellas nos sigue proponiendo un dialogo descarnado entre términos opuestos, en ella dos plafones se encuentran de un modo imposible, parecen encajar sin conseguirlo y para enfatizar el drama una línea roja sobre pergamino, trazada con la exactitud de la plomada, parece a los ojos como discontinua, un diálogo que se deriva de la dialéctica entre aquello que tiene como vocación la inmutabilidad y la azarosa presencia de lo indeterminado: un mar cuadrado.
47EL MACBA BAJO LA BOMBA
01 Diciembre
2007 21:07
Quedan pocos días para ver en el MACBA una
exposición con el largo y confuso título de: -Bajo la bomba.
El jazz de la Guerra de imágenes transatlántica-, esta
muestra permite hacer un extraordinario recorrido por una parte muy importante
del arte contemporáneo posterior a la segunda guerra. Una buenísima ocasión
para ver, casi tocar de cerca, obras de autores míticos. La lista es abrumadoramente
brillante y no me resisto a citarla aunque sea un poco larga: Jackson Pollock,
Robert Motherwell, Willem de Kooning, Mark Rothko, Arshile Gorky, Barnett
Newman, Mark Tobey, Sam Francis, Claire Falkenstein, Bram van Velde, Nicolas de
Staël, Pierre Soulages , Hans Hartung, Giuseppe Capogrossi, Howard Daum, Alfred
Manessier , Steve Wheeler, Pablo Picasso , Jean Fautrier, J.
Dubuffet, Wols , Antoni Tàpies , Henri Michaux, Esteban Vicente, José Guerrero,
Manuel Millares, Antonio Saura y Luis Feito y las artistas
Maria-Helena Vieira da Silva, Gertrude Barrer, Irene Rice Pereira, Claire
Falkenstein, o los pintores afro americanos Romare Bearden , Byron Brown, Yves
Klein, Piero Manzoni. No se puede pedir más. Pero como la
felicidad completa no existe, hay un grave problema. Es demasiado ambiciosa y
falla la tesis del comisario.
El comisario principal de la exposición es Serge
Guilbaut, un reconocido curator internacional que se fue a doctorar
a los USA en 1979 y lo hizo en la Universidad de California, en
Los Angeles con una tesis que intentaba demostrar y restregar por
las narices a los americanos, en su propia casa, que eso de la Vanguardia
Expresionista Abstracta de Nueva York no era más que un robo a mano armada
y que no tenía ni punto de comparación con lo que se estaba haciendo
en Europa por las mismas fechas. Su tesis tenia como título: Creación y
desarrollo de una vanguardia: Nueva York y la lucha ideológica con París,
1945-1948. Desde entonces, Guilbaut no ha dejado de trabajar en esta dirección y
es conocido su libro: How New York Stole the Idea of Modern Art: Abstract
Expressionism que este mismo año y coincidiendo con la exposición, se ha
traducido al castellano con el título : De Cómo Nueva York robó la idea de Arte
Moderno". Pues bien, por un lado la exposición es demasiado ambiciosa por
la cantidad de información que quiere dar el comisario, bajo la
bomba, como bajo el Sol, había muchas cosas y las ha querido coger todas,
documentos, prensa películas y finalmente ha sido como meter el océano en un
cubito de playa. Por otro lado, la exposición quiere ser una confirmación de la
tesis del comisario que, con unos medios económicos muy generosos, ha podido
realizar su sueño y demostrar, según él, que la pintura europea de la época era
comparable, sino mejor, que la que se hacía en USA. El apogeo de su
demostración se da cuando el visitante llega a la llamada -torre del Macba- una
sala de perfil sinuoso en la que encontramos enfrentados, como unos púgiles
pictóricos, a Bram Van Velde frente a Jackson Pollock. Por mucho que se empeñe
el comisario, la obra de Pollock es infinitamente más renovadora que la de Van
Velde que no deja de ser una obra continuista del postcubismo picassiano tal
como confirmaba Clement Greenberg en esos años.
La energía expresionista frente a la cansina
pincelada europea es lógica, el territorio continental era un erial de
escombros , una tierra baldía de la que habían huido la mayoría de los
principales representantes de preguerra: Walter Gropius, Mies Van der Rohe, Max
Ernst y tantos otros .Sin embargo el territorio americano se matuvo incólume,
salvo la excepción de Pearl Harbourg ,un suceso que aun recuerdan y del que no
dejan de hacer películas . El New Look de USA , la búsqueda de la modelo
americana como demuestra la película de Stanley Donen: Funny Face en los
años 50, se corresponde con el empuje de una sociedad y con la
energía expresionista de la escuela de Nueva York.
En este escenario, solo la generación del Informalismo
Europeo tuvo el mérito de no perder el pulso del ritmo jazzisticamente
acelerado que marcaban sus homólogos desde el otro lado del océano. Es
indudable que los más jóvenes en Europa supieron reaccionar de un modo vigoroso
, y eso se puede ver al final de la exposición con obras de Antoni Tapies, Henri
Michaux o Soulages. Esos si que aguantaron el pulso a Pollock y sus
muchachos y en muchos casos hasta vencieron por puntos.
48PULSIONES : ENTRE EL PODER DE LA FORMA Y LA INTELIGENCIA
DEL CONCEPTO.
07 Diciembre
2007 23:55
Con el título de Pulsiones el departamento de Artes Visuales de la Escuela Massana organiza esta exposición -una selección de Proyectos Finales de alumnos de arte de esa Escuela- en la Capilla del antiguo Hospital de la Santa Cruz. Un espacio magnifico en la calle Hospital,56 de Barcelona.
Pulsión es una palabra de poco pasado, es nueva y apareció en
nuestro uso como consecuencia de encontrar una palabra latína que definiese
adecuadamente el "Trieb" freudiano, ya que él no quería decir
instinto sino más bien empujón. Sea como sea, es indudablemente una palabra que
está marcada por el signo de una fuerza manifestada, espontánea y arrebatada.
He querido ponerme ante estas obras con la voluntad de escribir, aunque
brevemente, sobre cada una de ellas. He querido dejarme llevar por la pulsión
interpretativa y así digo: que he visto en la obra de Ariadna Trias unos
ensamblajes de imágenes que si bien son reales no comparten ni tiempo, ni
realidad, sus asociaciones de imágenes generan, como dice el título de su
propuesta, una nueva mirada: "Re-Miradas".
He visto tres obras, una de Britta Eppinger
"Heimat", otra de Víctor Masferrer y la tercera de David
Gutiérrez que nos proponen adentrarnos en la noción de transporte y viaje.
Britta Eppinger alude a la melancolía nostálgica del refugio perdido con un
contenedor cálido y cerrado, un lugar del que hemos partido sin garantía de
retorno, un viaje que como indica el objeto -canoa- de
Víctor Masferrer puede adentrarnos hacia la boscosidad frondosa y húmeda de la
naturaleza o, da lo mismo, comenzar a caminar y hacer un recorrido
urbano de carácter iniciático, arrastrando una vieja maleta llena de
indicios y memorias, tal y como ha hecho David Gutiérrez en el suyo
"Viaje a Rius y Taulet". El reposo y la suspensión corporal ayudan al
reencuentro de los recuerdos, el viaje necesita una nueva calma favorecida
como la que nos propone Mariana Zamarbide,las medidas de su propio cuerpo, los
moldes suspendidos llevan inscripciones y palabras. Es la advertencia al
equilibrio necesario y equidistante.
La belleza enigmática de
las Formas está presente con las obras de Marlon Mas, Miquel
Samitier y Carlos Gavilán, a mi parecer, los tres han hecho de la forma una
forja, no en el sentido técnico de la palabra, sino en una forja mítica aquélla
que alude a ellos mismos. Marlon Mas explorando "de su peso a su
altura" ha vinculado la forja a la vida, Miquel Samitier con
"Aequalitas Numerosa" luchando contra el iroco que es una madera
dura y que le ha permitido torsiones diagono-espirales
inverosímiles. como si se tratase de un músculo humano, Carlos Gavilán con
un virtuosismo obsesivo y una compleja trama ha conseguido "1000
nudos", con la magia de convertir la linealidad de las cuerdas en un
sólido paralelepípedo de nudos que indican vínculo, compromiso y obediencia
personal. Jordi Requena nos abre la puerta, "ostium" y nos
ofrece la mirada interior hacia un paisaje nunca imaginado en los que los
filamentos sanguíneos y los pliegos de los intestinos se muestran con la
belleza de un paisaje orgánico. Esta disección visiva me lleva
directament al mundo micro-macroscòpico de Jon Elortza que con una
habilidad gráfica ofrece a sus formas circulares la fuerza del color, una
dinámica aerocòsmica y la vitalidad de no saber si estamos cerca o lejos del
Sol. Eriko Fukuda ha dispuesto sobre la tela indicios ligeros y
evanescentes de la Naturaleza, la exigencia atenta hacia el detalle son
parte de su trabajo. Los pequeños formatos de Vanessa Prieto son
soportes para la memoria en los que los personajes, ficticios o reales crean
una atmósfera de recogimiento, una calma tensa tratada con los colores del
sueño y el recuerdo. Alejandro Martín es la imagen de la totalidad, en su
obra se quieren reunir tanto el mito como el progreso, la figuración y la
abstracción, la hondura y la superficie, oriente y occidente, la pincelada
narrativa y la precisión tecnológica de la escuadra y el compás. Acabamos
nuestro recorrido con la obra de Marc Ligos, sus objetos son una especie de
metáfora por nuestra pulsión final, pues implican la imprescindible
colaboración del espectador, es el tercer elemento, al sentarse el espectador
enciende la luz,es el elemento que falta para que unidos a la obra y
al autor cerremos el círculo del sentido necesario,¿necesario?
En esta exposición parece que se pueda plantear la
dicotomía que da título a este artículo: entre el poder de la forma y la
inteligencia del concepto. En un proceso creativo la cultura del proyecto y la
inteligencia formal deben convivir con el poder de las formas materializadas,
no debe separarse el proyecto de la ejecución, la cabeza
y la mano, eso es un error tolerable, hasta cierto punto, en la construcción de
un edificio o en el diseño de una máquina pero no en la creación artística. A
primera vista parece que se puedan deducir intenciones diferentes en una y otra
exposición, siendo los profesores los mismos y los alumnos similares. En el
aprendizaje se trata de ir ensayando y errando, ir probando caminos
que nunca acaban de cerrarse y por lo tanto parece lógico que los alumnos tanteen
territorios, abran senderos.
Los
profesores deben jugar roles diferenciadores
entre ellos como consecuencia de sus posiciones
creativas, unos criterios que les da su propia práctica artística.
Creo que la búsqueda de caminos necesita respeto y consideración hacia los
auténticos rastreadores , sean estos los que sean. Todos los medios son
legítimos si se fundan en necesidades expresivas sinceras. No me parece
adecuado que existan posicionamientos radicalizados que ensalcen o
condenen los hallazgos de los alumnos con la intención de beligerar
con los puntos de vista que no se comparten con otros profesores. La verdad es
que estamos acostumbrados a escoger y se nos ha dicho siempre que el profesor,
como el crítico, debe establecer pautas de definición de la excelencia. Eso me
parece que debe ser así en las cuestiones de adecuación entre medios y fines,
es decir, que el profesor debe guiar los errores y corregir los malos usos de
los procedimientos, pero también debe ofrecerse como modelo de comportamiento
artístico con su propia práctica en esta época de compleja dispersión de
valores. Debe observar y aconsejar alternativas tecnológicas y favorecer el
desarrollo del trabajo, pero , sobre todo, debe considerar que la fuerza
inicial de trabajo, que la piedra escondida del arte se encuentra en el corazón
de cada uno de sus alumnos. Digo alumnos y no artistas para no herir
algunas sensibilidades, pero en realidad considero que cuando un joven decide,
por su voluntad, no por la de otros, pasar por el dintel de la puerta de una
escuela de arte, casi siempre contra la decisión de los padres, de quien se ha
independizado, lleva una vida esforzada de compatibilización de trabajo y
estudios y además viene de otro país, para mi tiene el rango y el rasgo esforzado
del artista. Y así hay que tratarlo. El profesor pone las
condiciones de posibilidad para que el arte aparezca. Sucede, aparece y eso es
lo importante, un arte manifestado que no se queda en el limbo de las buenas
intenciones o de los proyectos ,sino que se ejecuta. Como se ha
dicho por científicos y filósofos esde antiguo: en realidad ya lo sabemos todo
y lo único que podemos hacer es recordar, sacar a la luz y manifestar lo que
poseemos, y eso sucede a veces de manera diversa y contradictoria en el arte,puede
suceder entre entre la figuración o la abstracción ,
formalizando con materiales densos , pesados o con la evanescencia
de la imagen y del concepto.Y sobre todo en su mixtura. Es fácil, tan solo se
trata de escuchar la voz de la necesidad y permitir que el arte aparezca.
49SABINE FINKENAUER:DE NIÑAS Y FLORES
10 Diciembre
2007 18:29
Sabine Finkenauer( Rockenhausen, Alemania, 1961) guiará
un taller de creación en Sabadell organizado por l´Escola d´Art Illa y el Museu
d´Art de Sabadell en L´Estruch. Esta propuesta consiste en una tutorízación no
académica por parte de un artista sobre el trabajo de otros doce candidatos que
durante tres meses llevaran acabo una práctica individual y libre
desmarcada de objetivos académicos para conseguir la máxima creatividad en una
dinámica de taller colectivo pero individualizado. Han tutorizado anteriormente:
J.Hernandez Pijoan, Pep Duran, Yamandú Canosa, Ramiro Fernández e Isidre
Manils.
De Sabine Finkenauer ha escrito un interesante texto el
crítico Alex Mitrani que fue publicado en la revista MATÈRIA,
Mirades, Miratges 2003-2004, editada por el Departamento de Historia
del Arte de la Universidad de Barcelona . Me ha gustado la referencia
de este texto a la Metáfora y especialmente la citación a Gerard de
Nerval, un gran valor de la literatura post-romántica.
50GUSTAV JUNG
16 Diciembre
2007 00:16
Pensaba que hoy ya quedaba cubierta mi intervención en el Blog.
con un Post que he escrito esta mañana, pero no lo puedo evitar y me he puesto
a escribir esto tan solo llegar a casa, ya entrada la madrugada. Hoy he ido a
ver, en sesión de noche, un documento extraordinario en el que durante más de
setenta minutos he podido ver y escuchar, con su propia voz, las
principales teorías formuladas por el psiquiatra y ensayista suizo Carl Gustav
Jung. Este documento filmado en 16 m/m en 1957 (Houston)se ha recuperado y
restaurado por Salomón Shang y se presenta con dos titulares: uno, que más de
10.000 espectadores ya la han visto y el otro que es una película psicoanalítica.
El documento es interesantísimo pero es también una prueba
de gran dureza estética para la sensibilidad contemporánea basada en la
aceleración y el movimiento, pues la realización consiste en tan
solo dos o tres cambios de ubicación de la cámara y de plano, el blanco y el
negro se confunden y hay momentos de penumbra, también hay subtitulos y el
entrevistador va diciendo constantemente que si durante más de
setenta minutos En la película se repasan las principales aportaciones
Junguianas que se van contraponiendo a las de Freud y según parece ese fue el
motivo de la censura del film en numerosos paises, hasta terminar en el olvido,
perdidas en un almacén de América Central . Los contrapuntos a Freud son
constantantes: cuando habla de la libido sexual, aclara que para los grupos
humanos primitivos ese no es un problema y que anterior a la necesidad sexual
está el instinto de nutrición. El sexo es fácil, lo tienen cerca, no es problema
pero que la manutención alimenticia si es el auténtico desafío. Y continua
diciendo que los poderosos en el mundo empresarial y político son, a menudo,
impotentes, no tienen actividad sexual porque desplazan su interés a la
acumulación de bienes o de poder. También arremete contra el llamado trauma de
nacimiento mantenido por Freud ,porque, si es algo común a todos, no
es una excepción y por lo tanto no puede hablarse de trauma, trauma sería caer
al suelo excepcionalmente desde el cielo si la cigüeña abriera su pico, pero no
es el caso, es algo común a todos y en ese sentido es poco traumático. Repasa
la naturaleza del inconsciente e insiste , varias veces, que de él poco podemos
saber por su propia naturaleza de ser inconsciente, incluso, por la obviedad,
sonrie cuando lo dice. Explica con buenos ejemplos la diferencia
entre ser perceptivo sensible o intuitivo, y más concretamente introvertido
intuitivo. Ahí me he visto retratado. Pero como puede suponerse la estrella del
film es junto a la del Inconsciente, su teoría del Arquetipo. En dos
ocasiones aparece con sendos ejemplos, la primera a propósito de una paciente,
introvertida intuitiva, que le aseguraba que tenía una serpiente enroscada en
el estomago. Ahí, después de una breve narración del caso, ha dicho que ese es
un tema que tienen muy bien interiorizado en la India con el
Mondalini. Si he dicho Mondalini y no Kundalini como se escribe en realidad el
nombre de la serpiente que representa el Arquetipo de la energía
primordial y de gran importancia tántrica. Los rótulos castellanos han tenido
ese fallo y ha sido una prueba para constatar el buen
nivel de información del poco público que se hallaba en la sala, pues con un
resorte automático, todos han empezado a cuchichear y comentar en voz baja el
error, el lapsus mecanográfico: Mondalini. Mondalini ,decían. Ahí, en el
lapsus, he creído entender lo de: film psicoanaítico con el que lo anuncia la
promoción.
Por último, ha tratado el espinoso asunto de la transferencia
entre paciente y psicoanalista y ha puesto un ejemplo que me ha hecho
comprender , de modo definitivo la noción de arquetipo y sus diferencias con
S.Freud. Lo he entendido cuando ha explicado el caso de una paciente que
investigada en sus sueños para detectar indicios inconscientes , le dijo
que veía en él ,en Jung, a un ser extraordinariamente
alto y fuerte, ella era pequeña, la sentaba en sus rodillas, la acariciaba y
acogía en sus brazos y que en otros momentos lo veía, igual pero en
medio de un campo de hierba que se mecía por el viento, mientras Jung
balanceaba a la niña- paciente en sus brazos, y cuando todos, con ojos
freudianos y libidinosos, imaginabamos la peor imagen del incesto, pues no,
resulta que no, que el propio Jung ha asegurado que la paciente veía en él, el
arquetipo de la naturaleza y el viento.
51ARTFUTURA 2007. MARCEL.LI ANTUNEZ YA ESTA AQUI
23 Octubre, 2007 20:44
Este creador es un prodigio de la naturaleza. Su fuerza personal genera una actividad permanente. No cesa. La experimentación punta convive con la tradición mítica que en un lejano horizonte, nunca deja de estar presente. La tecnología de su dresqueletron y su interfaz es capaz de generar imagen y sonido a través del movimiento de su cuerpo, sus experiencias ingrávidas en vuelos al espacio con los investigadores rusos y su sutileza ingenua conviven con la brutalidad descarnada de las “performances”.Los titulos de sus obras aluden a un mundo cibernético y orgánico, futurista y del pasado más remoto: epizoo, afasia, transpermia, protomembrana y este último hipermembrana
Su mundo es indefinible hay que verlo desde la perplejidad que suscita. Su trabajo me gusta tanto que la última vez que hizo una exposición pública me levanté para darle un cordial abrazo ante el público que miraba atónito, sí, nos gusta a muchos y por eso se ha convertido en una citación obligada del arte español contemporáneo, está consagrado en el universo cibermático, cibernético, cibernautico y su obra se reconoce en todo el mundo. Por estas razones y muchas más, su espectáculo “Hipermembrana” inaugura esta nueva edición de ArtFutura 2007 en el Mercat de les Flors de Barcelona. Mañana miércoles no me lo pierdo
Esta es la presentación que el propio Marce.li Antunez hace en su página Web de lo que podremos ver mañana.
“Hipermembrana es una performance mecatrónica en la que intervienen tres actuantes, una máquina de gritos, un dreskeleton y varios sensores. La presentación tiene lugar en un espacio escénico dotado de sistemas de iluminación y audio, con una gran pantalla al fondo y delimitado en los extremos frontales por una pequeña pantalla y por la máquina de gritos. La máquina de gritos es un instrumento musical consistente en un dispositivo de proyección que muestra los rostros de tres personajes a escala 1:1 que emiten diversas onomatopeyas. El dreskeleton es una interfaz corporal de naturaleza exoesquelética vestida por Marcel·lí. Mediante los sensores y el dreskeleton los actuantes controlan el sonido, las imágenes que aparecen en las pantallas y la máquina de gritos, construyendo de este modo la narración de la pieza.
Hipermembrana intenta profundizar en la naturaleza del mito, y para ello combina diferentes elementos como la topografía del Infierno de Dante, el mito del Minotauro y la forma de la célula eucarionte. Estos elementos se articulan mediante una técnica narrativa que consiste en superponer los argumentos gráficos y literarios, lo que permite giros inesperados y una gran riqueza expresiva. La elección del mito del Minotauro como figura central de esta performance ofrece interesantes metáforas, como por ejemplo la del conflicto entre la racionalidad y la animalidad del ser humano. Hipermembrana es la segunda parte del proyecto Membrana. Membrana es una indagación creativa que contiene, entre otras, Protomembrana ―lección mecatrónica― y Metamembrana ―instalación dinámica. Una de las escenas más brutales del espectáculo de Marcel.li Antunez se produce al final , cuando dos mujeres desnudas hacen el amor con la cabeza del Minotauro. Una cabeza real, recién cortada y con la que las actrices intercambian furiosos besos linguales, frotamientos, roces y todo tipo de movimientos lascivos .La piel tierna del animal se mueve al tacto de las mujeres que la acarician, al tiempo que besan apasionadamente la lengua del animal muerto, mientras unos líquidos de densidades diversas rocían sus cuerpos. La acción es cruda y consigue que el espectador quede conmocionado.
Al salir pensé en el cine de David Cronenberg , el cineasta canadiense siempre ha utilizado la fuerza descarnada de las imágenes para impresionar al espectador y sumirlo en un terror psicológico; en su última película: 'Promesas del Este' , la violencia destructora de los cuerpos aparece desde la primera secuencia con un tajo devastador que corta el cuello de un cliente de una barbería. La acción se sitúa en el tenebroso ambiente de la mafia rusa londinense.
La fuerza de las cabezas cortadas es innegable , pero quizá pueda crearse el mismo efecto pero tratado de un modo menos cruento, como sucede en la secuencia que he escogido de una película japonesa sobre la muerte voluntaria o seppuku de un célebre Samurai llamado Yamanami Keisuke (1833 -1865) interpretado por Murakami Hiroaki. La tensión ambiental, los rostros de los samurais miembros del Shinsengumi y el sonido crean una tensión de violencia no explicita pero igualmente contundente.
https://youtu.be/-21KKTPWoos
https://youtu.be/5utDR8VWxms
https://youtu.be/0wMKd5aszJ4
https://youtu.be/uISQrOnqhCY
52GONZALO TENA EN LA GALERIA FERNANDO LATORRE
26 Diciembre, 2007 22:07
Begin being ready to
find the human mind, 2007
Acrílico, collage sobre
cartulina
18,5 x 70,5 cm.
GONZALO
TENA, (Teruel 1950) Pintor, escritor, escultor , expone con
el título"The relation of Human Nature to the Human Mind"
sus trabajos recientes en la galería Fernando Latorre de Madrid desde 21 de
Diciembre a 20 Enero 2008 .
Gonzalo
Tena formó parte del grupo de “Trama” en los años setenta con Broto ,
Xavier Grau ,Javier Rubio, fueron apadrinados por Tàpies e hicieron
sendas exposiciones en la Galería Maeght de Barcelona y en la Fundació Miró, el
grupo tuvo una actividad tan intensa en el debate sobre conceptualismo y pintura-pintura
que, en Barcelona, aun se recuerda la polémica. Yo creo que los de Trama era
tan conceptuales o más que los otros, la diferencia es que se manchaban las
manos. En Trama se daban confluencias intelectuales radicales muy
diversas desde el marxismo-leninismo al psicoanálisis, de ese momento tan
fructífero que se desarrolló en Barcelona en los setenta existe un
estudio completísimo en dos gruesos volúmenes con más de ochocientas páginas
escritas por el psiquiatra y coleccionista Javier Lacruz.
Gonzalo
Tena ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas y
compagina su trabajo artístico con la escritura y el estudio de algunas obras
clásicas de la historia de la pintura, como muestra hay que citar su libro
“Bruegel en La Torre de Babel” (2005) cuya presentación fue en el Museo de
Teruel y corrió a cargo de Juan Manuel Bonet, exdirector del Museo Nacional
Reina Sofía, crítico de arte y comisario de exposiciones. La exposición que se
presenta ahora está basada en 50 obras de pequeño formato que forman series
incidiendo en fragmentos de la escritura y forma de pensar de Gertrude
Stein.quien en 1935 publicó : “The Geographical History of America or the
Relation of Human Nature to the Human Mind “. En los últimos años su trabajo
está influenciado por la escritura y el pensamiento de Gertrude Stein.
La obra y la actitud artística de Gonzalo Tena es muy compleja, por la brevedad que me he auto impuesto en el Blog. quiero tratar someramente algunas facetas del poliedro de su obra. Una de esas facetas es la que el mismo Gonzalo llama:”la tarea del entomólogo crítico” ,es decir la capacidad que tiene este artista por percibir los minúsculos detalles de la vida y aplicarlos a su arte que exije máxima atención a lo menor. Cuando hablas con él, te das cuenta del valor que le da a una mirada o a un gesto, la importancia de la memoria y de las anécdotas. Cuando leí el estudio de Gonzalo Tena sobre Bruegel me dí cuenta que en ese libro se pone énfasis en la importancia de la mirada en detalle sobre las obras de arte, una mirada que exige concentración, conocimiento y la capacidad interpretativa del entomólogo crítico para enfrentarse a las formas y a la vida. Solo personas como él o como el escritor e ingeniero Juan Benet son capaces de determinar la importancia de que el crecimiento formal de la Torre de Babel de Bruegel sea de orden helicoidal o telescópica y que en eso resida un aspecto fundamental de esa obra. Por este motivo, podríamos suponer que G.T es un entomólogo de la forma que hace un arte cientifista basado en evidencias y análisis objetivos, pero no, no es solo así, desde la precisión y la exactitud como debemos aproximarnos a su obra. Cuando pienso en la obra de G.T me viene a la cabeza una frase ambigua de uso popular que dice: “verde y con asas”. Esa frase alude a lo evidente, a lo objetivo, a lo claro, a lo diáfano, a lo que no ofrece duda alguna, podríamos decir una obviedad científica, sin embargo es una frase críptica, cerrada, hermética porque nadie sabe definir de una sola vez que puede ser eso que es verde y con asas. Por otro lado en esa afortunada expresión se reúne la palabra, el objeto y el color y ahí se encuentra el otro lado de la moneda de S.Tena que esta llena de franjas y turbulencias formales, de actividad energética constante y de palabras que teniendo sentido lo pierden en el conjunto y ahí es donde yo veo su proximidad al mundo Steiniano. Gonzalo Tena obliga al espectador a definir un nuevo tiempo y un nuevo espacio, obliga al sujeto percibiente a establecer un vínculo no causal con la obra , no ilustra conceptos, ni frases, obliga a una percepción simultánea de los dos cerebros: el que es capaz de inteligir y el que es capaz de ver, todo ello en frases que salen de lo lineal temporal de la escritura para convertirse en fragmentos, en detalles energéticos más que de sentido. No hay progresión lineal hay coexistencia espacio temporal.Y así,sin pasado, sin futuro nace el instante, el momento pregnante del sentido. Las frases de Gertrude Stein también enfatizan esa voluntad de momento.
Con la obra de Gonzalo Tena hay que dejarse llevar sin obsesionarse por el sentido, no hay que descifrarla necesariamente por el hecho de que existan unas palabras escritas, como tampoco queremos descifrar el entramado complejo de un garabato sígnico lleno de energía. En este aspecto y por mi deriva hacia lo japonés diría que Gonzalo Tena , además de a Gertrude Stein, se acerca en su obra a esa sensibilidad oriental en la que corazón(Human Nature) y cerebro(Human Mind) forman parte de la misma expresión poética en la que la palabra es la que es, pero en la que el sentido se muestra abierto y a menudo cerrado.
53EL ARTE O.I.: ENTRE EL
PODER DE LA FORMA Y LA INTELIGENCIA DEL CONCEPTO
20 Diciembre, 2007 22:43
Hace unos días comente la exposición Pulsions de alumnos de la
Escola Massana en la Capella de la calle Hospital,56 , y puse de
relieve la importancia de la forma y de la tecnología material en la
realización de las obras. Hoy quiero comentar una exposición que coincidiendo
con la anterior en los mismos días, se está motrando en la sala
Busquets, en el interior de la misma Escola Massana de Barcelona de alumnos del
mismo C.F.G.S de Escultura, una exposición que he visitado hoy y en la
que parece que se enfatiza todo lo contrario.Sé que los objetivos de
una y otra expo. son diferentes pero me sirven para ilustrar esta
reflexión general sobre la práctica artística.
Viendo ambas exposiciones parece que se pueda plantear la dicotomía que da título a este artículo: entre el poder de la forma y la inteligencia del concepto. En un proceso creativo la cultura del proyecto y la inteligencia formal deben convivir con el poder de las formas materializadas, no debe separarse el proyecto de la ejecución, la cabeza y la mano, eso es un error tolerable, hasta cierto punto, en la construcción de un edificio o en el diseño de una máquina pero no en la creación artística .
A primera vista parece que se puedan deducir intenciones diferentes en una y otra exposición, siendo los profesores los mismos y los alumnos similares. En el aprendizaje se trata de ir ensayando y errando, ir probando caminos que nunca acaban de cerrarse y por lo tanto parece lógico que los alumnos tanteen territorios, abran senderos.
Los profesores deben jugar roles diferenciadores entre ellos como consecuencia de sus posiciones creativas, unos criterios que les da su propia práctica artística. Creo que la búsqueda de caminos necesita respeto y consideración hacia los auténticos rastreadores , sean estos los que sean. Todos los medios son legítimos si se fundan en necesidades expresivas sinceras. No me parece adecuado que existan posicionamientos radicalizados que ensalcen o condenen los hallazgos de los alumnos con la intención de beligerar con los puntos de vista que no se comparten con otros profesores. La verdad es que estamos acostumbrados a escoger y se nos ha dicho siempre que el profesor, como el crítico, debe establecer pautas de definición de la excelencia. Eso me parece que debe ser así en las cuestiones de adecuación entre medios y fines, es decir, que el profesor debe guiar los errores y corregir los malos usos de los procedimientos pero también debe ofrecerse como modelo de comportamiento artístico con su propia práctica en esta época de compleja dispersión de valores. Debe observar y aconsejar alternativas tecnológicas y favorecer el desarrollo del trabajo, pero , sobre todo, debe considerar que la fuerza inicial de trabajo, que la piedra escondida del arte se encuentra en el corazón de cada uno de sus alumnos. Digo alumnos y no artistas para no herir algunas sensibilidades, pero en realidad considero que cuando un joven decide, por su voluntad, no por la de otros, pasar por el dintel de la puerta de una escuela de arte, casi siempre contra la decisión de los padres de quien se ha independizado, lleva una vida esforzada de compatibilización de trabajo y estudios y además viene de otro país, para mi tiene el rango y el rasgo esforzado del artista. Y así hay que tratarlo.
El profesor pone las condiciones de posibilidad para que el arte aparezca. Sucede, aparece y eso es lo importante, un arte manifestado que no se queda en el limbo de las buenas intenciones o de los proyectos ,sino que se ejecuta. Como se ha dicho por científicos y filósofos esde antiguo: en realidad ya lo sabemos todo y lo único que podemos hacer es recordar, sacar a la luz y manifestar lo que poseemos, y eso sucede a veces de manera diversa y contradictoria en el arte,puede suceder entre entre la figuración o la abstracción , formalizando con materiales densos , pesados o con la evanescencia de la imagen y del concepto.Y sobre todo en su mixtura. Es fácil, tan solo se trata de escuchar la voz de la necesidad y permitir que el arte aparezca y se imponga sobre la burocracia del Excel y las listas interminables de propósitos absurdos que solo tranquilizan a los funcionarios acomodados en su trabajo.
54GABRIEL POLUTROPON EN EL TINGLADO 2 DE TARRAGONA
15 Diciembre, 2007 22:16
He cogido
mi coche, un Volvo 745 SW, un modelo antiguo pero conducirlo
aun me da seguridad, la cubierta del radiador brilla con la luz de la
tarde, he costeado hasta llegar a la ciudad imperial de Tarragona. El visitante
se encuentra con una ciudad plena de indicios romanos que han dejado huellas
persistentes de su poder. Ha oscurecido y estoy junto al mar, en el
puerto reposa atracado un barco de vela, moderno, de color gris metalizado
de manga y eslora extraordinariamente grandes, el mástil enorme,los brillos de
las luces del puente levadizo del puerto y del casco del barco se reflejan
en el agua. He llegado al Tinglado Dos. El viaje y mi curiosidad era la del que
asiste a una inauguración dispuesto a ver y a comprender, yo quería ver la
obras apaciblemente, mi mirada está acostumbrada a los encuentros con el arte
contemporáneo y no me asusta nada, todo me interesa, todo puedo ubicarlo en los
cuadernos del sentido y sin embargo, en esta ocasión, como ya me había sucedido
en otras exposiciones de Gabriel , me he quedado desarmado ante
ellas, entonces me he dado cuenta, una vez más, que esas obras escultóricas no
me necesitaban.
Las obras de Gabriel no necesitan al espectador. Sus brillos radioactivos expulsan al curioso, son autárquicas, integras, les gusta la soledad, no necesitan la complicidad de nadie. En los pliegues y rugosidades de la madera lacada solo quedan indicios, leves rastros de la relación que el escultor ha tenido con ellas, hasta en eso desean ser anónimas. En el caso de que tengan nombre ahuyentan al intelecto comprensivo , solo la salmodia de sus sonido :Metatron,Taxon,Zevoul-imum,KarSak, Polutropon, estas obras no quieren ser interpretadas, no les importa lo que se dice de ellas, se resisten a la voluntad de entender y con sus títulos solo se quedan los ignorantes. Cuando las miras puedes oir sus rugidos, una morfología tóxica se desprende de ellas mientras, en un tinglado cercano, se escuchan los tambores que llaman al sacrificio de la inteligencia para ir más allá de lo que somos capaces de comprender.
55MANUEL J.BORJA VILLEL AL MNCARS
23 Diciembre 2007 13:51
Borja
no te vayas. Yo cuando sea mayor quiero ser como tú, te necesitamos en
Barcelona, eres un modelo para los niños. Que carrerón que llevas. Desde tu
Burriana natal a Master of Universe. Desde bien joven sabias que
habías nacido para triunfar, tan solo acabar la carrera en Valencia en 1980,
ciudad pequeña para ti, te fuiste a donde hay que ir, no lo dudaste, te fuiste
a América. Pero no a Chicago, ni a Oklahoma , no, te
fuiste a Nueva York, allí donde todos queríamos ir. Te
dieron becas y doctorados, masters y graduaciones, marcaste la diferencia con
nosotros, pobres estudiantes de una universidad poco dada a vanguardismos. OCHO
añitos de esfuerzos hasta que conseguimos robarte de los valencianos y llevarte
a Barcelona. Aquí en la Fundació Tapies, gracias a tu decisión nos traías
lo mejor, lo nuevo, apostabas y arriesgabas y fue el mejor período de la
Fundación, pudimos ver a Louise Bourgeois, Brassaï, Marcel Broodthaers, Lygia
Clark, Hans Haacke a Krzysztof Wodiczko y tantos más.
Fueron OCHO años de modesto y constante trabajo, no querías entrar con mucho
ruido en la sociedad catalana que te acogió tan bien que no dudo en nombrarte,
OCHO años más tarde director del MACBA, el gran portaviones de la flota
cultural catalana, allí perseveraste y volviste a triunfar , exposiciones
dedicadas a Vito Acconci, Öyvind Fahlström, Dora Garcia, David
Goldblatt, Luís Gordillo, Raymond Hains, Richard Hamilton, William Kentridge,
Muntadas, Raymond Pettibon, Adrian Piper, Michelangelo Pistoletto, Gerhard
Richter, Martha Rosler, Dieter Roth, Antoni Tàpies , Zush o Carlos Pazos un acierto
tras otro ,hasta hoy mismo con tu exposición: Bajo la Bomba que creo
que esta siendo muy visitada, y ahora que se cumplen algo más
de OCHO años, te vuelves a ir. Te vas con el enemigo a Madrid y nos
dejas solos. Nos dejas en manos de las eternas discusiones culturales, algo
provincianas, a las que ya estamos acostumbrados por aquí. Ya desde hoy andamos
revueltos, las asociaciones reclaman un concurso y como
si supieran la noticia de antemano, han emitido hoy mismo
un comunicado conjunto ,son: la Asociación de Artistas
Visuales de Cataluña, la Asociación Catalana de Críticos de Arte
y la Asociación de Galerías Independientes de Cataluña. También
tienen que hablar sobre este tema: Las instituciones titulares del
MACBA, la Generalitat, el Ayuntamiento de Barcelona y la Fundación
MACBA que serían las responsables de poner en marcha la convocatoria
de un concurso internacional al que se presentaran los cuatro candidatos que
has dejado en la cuneta. No, no queremos segundos platos, queremos el menú
completo.
Borja
no te vayas, nos dejas solos, si los políticos y los expertos tiene que escoger
es posible que no acierten o que no se pongan de acuerdo. Ya sabes que nos
dejas en un marco de opiniones cuatripartitas que intuyo será una dificultad
para encontrar un consenso. Si, de acuerdo, tú también has
optado por un consenso y una reunión de expertos, haciendo caso a
las recomendaciones del 'Documento de Buenas Prácticas en los Museos
y Centros de Arte' has pasado un examen. Pero no es lo mismo .contigo en la
convocatoria la decisión era fácil y como ha dicho el ministro de cultura:
"Es la persona que se merece este museo y es una persona razonable".
Pero Borja la felicidad completa no existe, no te engañes que se acercan las
elecciones generales y pueden cambiar los equilibrios parlamentarios : que
si Consejos de Ministros, que si el presidente
del Gobierno, que si los miembros de la oposición, que si el
Congreso, que si el Senado. El diablo es puerco y pone trabas
inverosímiles, ya sabes lo que le paso a la buena Rosa Regás que
vivía feliz como abuelita y le hundieron la vida cuando le
desapareció el mapa grabado en madera del mapamundi de Ptolomeo. Que no te
falte nunca nada ,y si pasa no lo digas.Y es que tienes un inconveniente,
aunque la gente en confianza te llame "Manolo" que no Manel, vienes
de Barcelona, por cierto no puedo seguir escribiendo que tengo que buscarme un
sitito para el partido de hoy entre MNCARS y MACBA. Borja
no te vayas , pero si lo haces y te tratan mal, no
esperes a cumplir el ciclo de OCHO años y vuelve a la
FUNDACIÓ TAPIES. Siempre te recordarémos.
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