INDICE AVATAR 2014
1PAISATGES EN
SILENCI: PEP ÁVILA
27 Enero, 2014 00:20
2GONZALO TENA
ASESINA A GERTRUDE STEIN
27 Enero, 2014 12:43
3BREVE
REFLEXIÓN SOBRE EL TIEMPO EN LA PINTURA.
16 Febrero, 2014
21:16
4HISTORIA DE
LA MEVA MORT DE ALBERT SERRA EN LA ESCOLA MASSANA
22 Marzo, 2014 10:28
5LA MASSANA AL
LICEU. 85 ANNIVERSARI. .
29 Junio, 2014 14:23
6ARTE CASUAL
EN LLANÇA PARA FRANCISCO FERRER LERIN
14 Julio, 2014 19:20
7YOON-HEE EN
GALERIA HORIZON .COLERA
20 Julio, 2014 21:25
8TAKESADA
MATSUTANI: BEYOND THE CIRCLE. OUTER HORIZONS 2014.
23 Julio, 2014 15:17
9GALERIA
HORIZON ,WALLS AND BRIDGES.
07 Agosto, 2014 13:50
10LICANTROPIA.
LLOTJA DEL TINT. BANYOLES.
03 Octubre, 2014
17:33
11LA CHIMENEA
DE DUCHAMP. MARINA OROZA
16 Septiembre, 2014
20:10
PAISATGES EN SILENCI: PEP ÁVILA
27 Enero, 2014 00:20
La presencia de la bruma, la neblina y el rocío esconden el “esto” y el “aquello”. Aparece así, la sutil frontera o mejor llamémosle quicio entre lo que es y lo que no es. Aquí, sucede tal como dice Aristóteles que dice Anaximandro que el “apeiron” nombra todo aquello que es ilimitado, indefinido, indeterminado , algo así como una especie de nebulosa, como el primer estado del Ser. La seducción de estas imágenes se encuentra en la negación y la afirmación , proponen al que mira el ver y el ocultar al mismo tiempo.
El paisaje verifica lo que las cosas son en sí mismas: la
piedra, el árbol, una casa…un valle o el perfil de una montaña aseguran su
existencia material absoluta y a la vez
son capaces de intrigar al espíritu, son capaces de desaparecer y negarse en el
momento captado por el fotógrafo que las ve diluyéndose entre la luz y la
bruma. Si esto sucede, la naturaleza se nos presenta en su auténtica verdad y
es entonces cuando encontramos la virtud de las virtudes, aquella que reúne lo
que estaba destinado a estar separado. La suprema unión se fortalece por la
mirada de aquel que ha sido capaz de comprender esta doble condición, su nombre
es: Pep Ávila.
http://pepavila.com/landscape/
GONZALO TENA ASESINA A GERTRUDE STEIN
27 Enero, 2014 12:43
Como ya he dicho en numerosas ocasiones, el artista hace lo que le da la gana. Y eso me parece bien.El caso más reciente está en Gonzalo Tena quien después de años de dedicación fervorosa a Gertrude Stein le rinde un postrer homenaje liquidándola de su vida artística. Los exégetas nos hemos quemado las pestañas interpretando el vínculo entre Gonzalo y Gertrude y ahora va y la mata. Ese quiebro hace surgir esa expresión tan bonita en español antiguo de : donde dije digo digo diego. Es decir la cantidad de tinta que hemos gastado en entender su fascinación por Gertrude queda ahora en agua de borrajas. En dos sendas ocasiones he hecho una cuidadosa aproximación a esa relación mórbida entre G y G. en un fragmento del texto Presente Continuo de su exposición :BEING en el Torreón Fortea de Zaragoza, yo ya intuía que eso de disolver los sujetos era algo que gustaba a Gonzalo y escribí lo siguiente:
Contra el Yo. Cumplida la descripción provisional de la obra, el exegeta quiere ejercer su derecho a la interpretación de estas obras y aquí aparece un nuevo desafío. Gonzalo Tena , como Gertrude Stein, se acerca con su obra a esa sensibilidad, digamos oriental que hace actuar los dos partes del cerebro a la vez, tal como insinúa la obra “The relation of Human Nature to the Human Mind” (2007) en la que corazón (Human Nature) y mente (Human Mind) están formando parte de la misma expresión poética y pictórica. Una parte del cerebro exige que ante las obras con texto, con palabras pintadas de Gonzalo Tena se despliegue la batería argumental que ofrece la razón, extender toda suerte de desarrollos teoréticos, encadenar las palabras de un discurso que ayuden, a una mejor comprensión de su significado y así ser culturalmente correcto. Si hay palabras, corresponder con más palabras. Es decir: romper el cristal. Esa primera tentación crearía un ensordecedor estruendo y una violencia injusta pues, la principal tarea del intérprete es atravesar el cristal de la obra sin romperlo. Ser discreto. La segunda parte del cerebro aconseja que las obras de Gonzalo Tena no deben ser argumentadas, no quieren afirmar la seguridad dominadora de especie sobre la cultura y el conocimiento humano, muy al contrario quieren eliminar el sujeto, pretendiendo desmontar los bastiones identitarios, tanto de quien las ha hecho , como de quien las mira. Por eso, el ejercicio de su interpretación, no sería otra cosa que la afirmación egolátrica del intérprete, creyendo que solo él y el autor saben lo que la obra esconde. No es así. En una obra llena de cultismos referenciales la ignorancia administrada en conciencia, deviene virtud y no defecto. Es un paso más hacia la eliminación de la autosuficiencia del yo y del intérprete. Ahora , a propósito de su nueva exposición asesina, otro incauto y confiado exégeta ha escrito un magnífico texto que reproduzco a continuación. Pobrecillo, no sabe que a las primeras de cambio va Gonzalo y hace resucitar a doña Gertrud o la reencarna en un dibujillo digital, que parece que le está tirando.
Este texto ilustra perfectamente el sentido "Killing" de esta exposición y lo reproduzco integro es de Ernesto Utrillas Valero
Killing G de Gonzalo Tena en la Escuela de Arte de Teruel El asesinato como parte del proceso
El punto de partida de Killing G se halla en la colectiva Encajados, una exposición alternativa que puso en contacto a artistas turolenses y zaragozanos. En esa muestra Gonzalo Tena presentó un personal ready made: una voluminosa y pesada caja, rescatada no sin esfuerzo en lo más profundo de un desván, y cuyas tapas apenas se podían cerrar dejando entrever unas polvorientas toallas. Esa caja contenía la obra realizada por el pintor en torno a Gertudre Stein entre 2007 y 2008. De lo que ocultaba-mostraba ‘Redimeid (Prontohecho)’, titulo dado a la caja convertida en obra de arte, solo fueron verdaderamente conscientes quienes transportaron la caja.A primera vista en Killing G Gonzalo Tena plantea un ejercicio de iconoclasia radical, pues tras el rescate del desván de las obras decidió intervenir sobre ellas, aplicando gruesas capas de acrílico sobre la imágenes anteriores, ocultando el pastel original, las palabras entresacadas de los textos de Gertudre Stein e, incluso, su propia firma. Cuando comentó entre su círculo más próximo en lo que estaba trabajando reaccionaron como auténticos iconódulos, adoradores de la obra del pintor turolense, con extrañeza y algo de tristeza ante la destrucción de una serie importante en la trayectoria del artista, parecía que el propio autor en un ejercicio de travesura y desapego estaba emulando a los niños malos del arte británico, los hermanos Dinos y Jake Chapman, cuando pintaron caras de payasos sobre grabados originales de Goya.
En realidad nada hay mas alejado del pueril y mediático
gamberrismo de los Chapman que el último trabajo de Gonzalo Tena. En Killing G,
el pintor parece matar a su adorada Gertudris (más de uno a interpretado que la
G hacia referencia al propio Gonzalo y no a la escritora norteamericana) tras
mas de catorce años de fecunda relación artística y la entierra bajo una
pintura grumosa y densa, de colores chillones, oro y plata. Este aparente
ejercicio de autodestrucción, de harakiri artístico le permite desentrañar y
sacar a la luz las tripas de un principio clave en su pensamiento pictórico: La
pintura como proceso dialéctico de conocimiento, que ya no ofrece objetos
terminados (cuadros) sino estados, etapas de un pasaje, de un proceso. Un
concepto de la pintura formulado por el pintor en los años setenta dentro del
grupo de Trama, y al que ha permanecido fiel durante toda su trayectoria. En
Killing G, Gonzalo retoma el sendero partiendo de su obra anterior y
continuando un proceso creativo como constante work in progress, sin un final
previamente establecido ni buscado. Para ello recurre, acorde a sus últimas
pesquisas, a una formulación cabalística y alquímica. El propio artista ha
señalado que en la cábala tapar una palabra supone romper su sentido, dejarlo
velado, escondido. Pero a la vez lo que se oculta reverbera, permanece tras su
desaparición. La densidad de la superficie pictórica no es sino fruto de la
fuerza interior de lo que cubre, que como el magma de un volcán presiona por
emerger deformando hasta casi romper las capas superficiales, transformando la
esencia de los materiales con los que entra en contacto. El magma que
metamorfosea la superficie no es otro que la propia Gertrude Stein, rediviva por
que tachar muchas veces se convierte en otra manera de subrayar.
Ernesto Utrillas Valero Fotografías de Luis Loras
PD. Mi relación en la distancia con Gonzalo Tena me confirma
que tiene poderes. Justo cuando estoy redactando este Post. Me llama el cartero
a la puerta , me trae el último número de la revista TURIA, el Nº 108, la del
30 Aniversario, con portada e ilustraciones del propio Gonzalo. Mágia
Telemática.
BREVE REFLEXIÓN SOBRE EL TIEMPO EN LA PINTURA.
16 Febrero, 2014 21:16
Breve reflexión sobre el tiempo en la Pintura: Los alumnos de Arte presentarán sus trabajos de fin de ciclo en
el mes de Abril. En ese momento expondrán sus obras y desarrollarán los
contenidos conceptuales ante un tribunal de profesores. Hasta aquí como cada
año por estas fechas. Pero, el hecho es que en esta ocasión se
están mostrando muy inquietos por el tiempo que cada uno de ellos tendrá
para su exposición . El coordinador les ha comunicado que los días son 7,8 i
10, y que hay una media de 8 alumnos por día, 10 minutos de montaje i 20
minutos de presentación por alumno dado que no se puede paralizar toda la semana de clases.
Sin querer, los alumnos han suscitado uno de los viejos
problemas del arte: la relación de tiempo entre autor y público, entre hacer y
ver. La contemplación estética no está sometida a temporalidad alguna, incluso
algunos dicen que la belleza es la experiencia recordada en tranquilidad unos
años después. Pero cuando queremos hacer del arte, no una experiencia
transformativa sin límite de tiempo, en un trámite académico, aquí, vienen los problemas.
Yo, hace tiempo que no quiero participar en tribunales, ni concursos, porque sé que la mirada de los especialistas que decidirán el futuro de un artista se lleva a cabo en apenas unos segundo de mirada superficial. Cuando los alumnos nos presentan los trabajos en la clase sucede lo mismo, correspondemos de modo breve al esfuerzo que no siempre se encuentra tras los trabajos que evaluamos. El otro día asistí, por casualidad a la presentación de un trabajo magnífico de M.M. Se trataba de unos 50 o más pequeños cuadros que la alumna de Grado, había hecho y que presentaba ante los profesores y alumnos en un cubículo que hay en medio de un pasillo de la Escuela. La verdad es que fue un visto y no visto. Ya entonces empecé a pensar en la desproporción de tiempos. Mi amigo Isidre Manils trabaja meses en una de sus obras y luego el crítico más sensible le dedica y ya me parece mucho diez minutos para argumentar algún comentario inteligente. Josep Madaula espera la hora de luz adecuada del día para pintar y vuelve una y otra vez , yo con mi gesto caligráfico estoy unos segundos para que se manifieste una maravilla que casi nunca aparece. Un trazo último, definitivo.
Chillida decía , citando a Hokusai que su anhelo sería , al
final de su vida, tan solo hacer un
minúsculo punto sobre el papel. Ya está. Un segundo y toda la vida
contemplando. Por eso , los alumnos , sin desearlo, han tocado el nervio más
sensible del cuerpo del arte y eso, siempre duele.
HISTORIA DE LA MEVA MORT DE ALBERT SERRA EN LA ESCOLA
MASSANA
22 Marzo, 2014 10:28
El pasado día 19 de Marzo se organizó un acontecimiento no convencional y con
propósito especulativo en la Sala Gótica de la Escola Massana. Una charla con
Albert Serra, el hombre de moda, organizada por el CFGS de Escultura y Joan
Navarro responsable del Departamento de Artes Visuales y en la que participaron
junto al Director de Cine, Gabriel
Escultor y Jesús Martínez Clarà .
Gabriel abrió el
acto con la lectura del texto “La Casa de Asterión” un capítulo del Aleph de
Jorge Luis Borges. Sabemos que Asterión es el nombre propio de Teseo , el
Minotauro, cautivo en su laberinto que vive solo,soberbio, misántropo y loco.
Aunque las puertas están abiertas a todos ,allí hay silencio y quietud.
Asterion vive con el convencimiento de que es un ser único y no le interesa lo que
un hombre pueda transmitir a otros hombres pues desconfia absolutamente de la
capacidad de poder comunicar algo y mientras está pendiente de la llegada de
aquel que lo ha de redimir. La descripción de Asterión y el espacio en el que
habita se convirtió con la lectura de Gabriel en una resonante alegoría del
creador puro que se encuentra más allá de su condición humana. Mientras leía ese texto aparecía ante mí una
de las escenas más dramáticas de la película de Albert Serra me refiero a la
escena en la que cortan con hacha y serrucho el morro de la cabeza de un astado
muerto. Siempre hay alguien que desea vengarse de Teseo tal y como se demostró
en el turno de preguntas no se tolera la independencia del creador cuando
frívolamente se aludió a la frivolidad del invitado.
Tras la lectura se inició la charla y en ella Albert Serra abordó todo tipo de cuestiones propuestas por los interlocutores con una eficacia y soltura propias de quien tiene un cuerpo de trabajo, un bajo continuo bien definido a partir del cual puede generar todo tipo de improvisaciones dichas con verdad e inocencia. A continuación publico el material de trabajo que no desplegué totalmente en la conversación del día 19, era impropio ante tan genial improvisación por parte del director de cine, por su capacidad dialéctica y a quien hay que reconocer parentescos con aquellos otros artistas, que como Dalí, han sido clasificados de “idealistas, oportunistas y mercuriales”.
Presentación.
..... onderque fetonandes parargo polimeni etexandromes ... ormal ... ormal .... etquiesquemes mita ..... nonaum neas .
Es preciso recordar a una escuela de arte que las palabras son vehículos necesarios pero no suficientes para acercarse a lo fundamental. El retorno a los hechos, reclama las evidencias de lo que cada uno de nosotros es capaz de hacer, los hechos hablan, de ahí el importancia de abrir las puertas a los hacedores como Albert Serra y cerrarla a los especuladores del arte , como yo mismo . Cuando la lógica quiere imponerse en exceso, considerando su presencia en ocasiones útil, debemos ser capaces de decir no, y detenerla. La radicalidad lógica hace que aparezca el caos en la exactitud, el desorden en aquello que quiere ser demasiado concreto . Surge el caos de la concreción en palabras de mi querido amigo Gabriel La dualidad es la trampa de los lógicos, esto es, esto no es, luchando con esta dictadura nació la palabra interdisciplina o transversalidad que quería romper con las distinciones duales: esto es pintura , esto es cine , esto es literatura , ahora esta palabra ya no dice nada a nadie por que ha sido capturada por los académicos y adoptada por los filisteos . Aún así debemos continuar buscando el mismo estado de no diferenciación. Más allá de la dualidad de lo que es frente a lo que no es . Creo que esto lleva a una comprensión profunda del arte y sus formas. Ante la mayoría de las películas de Albert Serra, del arte de Gabriel o de mi palabra, aparece la pregunta : ¿Qué es esto? Nos preguntamos, la respuesta es: esto es esto, pero la respuesta también es esto no es esto. Las cosas verdaderas se conocen en su afirmación y negación a la vez y este “desiderátum” riguroso, tan exigente, la lógica es incapaz de entenderlo. Todo lo que aparentemente parece irracional convoca las potencias forjadoras del alma. El arte no obedece a pautas de comprensión convencional , es una manifestación profunda de la energía primordial que da la esencia a todo lo que sabemos . Por esta exigencia , nos encontramos con que los procesos pedagógicos de los pedagogos del arte cada vez más son incapaces de alcanzar lo que el arte posee como verdad absoluta , incapaces de alcanzar su poderoso enigma . El Altaió es Casanoves , el Altaió es el Altaió , el Altaió no es el Altaió . Esta es una auténtica subversión , superadas las antinomias y las trampas dialécticas los hechos se contemplan en sí mismos , la forma del arte ha sido liberada , y con ella Albert Serra , ya no la usamos para explicar, narrar , convencer , estudiar nuestro comportamiento social o antropológico , ya no es un vehículo de nada. Ya no hay representación , hay presencia y presentación . La mejor manera de ponerse delante de la obra y ante el mismo Albert Serra es pensar que estamos ante un espejo y que la única manera de corresponder es convertirnos nosotros mismos en espejos . Utilizar las mismas herramientas que él utiliza y sin ninguna oposición dialéctica nosotros nos convertimos en él ,y así, diluida nuestra resistencia dejamos entrar la magia de su trabajo : deberíamos corresponder el silencio con el silencio , los tiempos largos con temporalidades infinitas , sus delirios con los nuestros .... y recuperar el habla ultra autárquica y hermética de la forma que no se deja expugnar por los académicos y se libera de sus servidumbres domesticadoras, sí, y de cualquier posible interpretación . Hablará así el principio de la potencia que excede toda potencia , el principio que no tiene principio , cuando el silencio habla surge la energía primera , la fuente de donde brota todo, aunque no sea posible darle nombre ..... onderque fetonandes parargo polimeni etexandromes ... ormal ... ormal .... etquiesquemes mita ..... nonaum neas .
La película: la realidad clásica versus la imaginación romántica.
Estamos en la sala gótica, en el refugio del lobo, en el nido de la Licantropia. Licaón en las Metamorfosis de Ovidio se convierte en lobo. Los lobos en la película de Albert Serra devoran el cuerpo yaciente del buen Pompeu, sirviente de Giacomo Casanova en la ficción. La nocturnidad y el amor , la posesión dramática de lo que es estimado , forma parte de la imaginación romántica . Los mitos del terror son auténticas figuras recurrentes de todos los tiempos en los que el amor y la posesión aparecen como destinos inevitables. Por lo que he creído ver en la película y escuchado decir al propio Albert Serra, deduzco que le gustan las dualidades .En sendas entrevistas ha reconocido que le atrae tanto lo que es terrenal, como lo celestial y que su método se basa en unir la estructura más rigurosa con la indeterminación y el azar, una improvisación guiada por la inocencia. En su “Historia de la meva mort” aparece la dialéctica entre el principio de realidad de una época clasicista, hecha de verificaciones, de evidencias, forjada en las ideas colectivas, las costumbres, el contexto y la revolución frente al inicio de la vaporosa modernidad romántica, nutrida por un subjetivismo extremo, la noche orgiástica y el caos de la indeterminación.
Casanova debería ser considerado sin duda como el primer escritor de costumbres moderno. Escribió Historia de mi vida y Albert Serra le ha correspondido escribiendo su Historia de mi muerte. A Albert Serra no le gusta la representación y es conocida su opinión contraria a la labor del actor a favor de los amigos y conocidos que a modo de “Performance” improvisan y crean su propio personaje y diálogos. Las situaciones dramáticas se crean a partir de las presencias de los personajes y él mismo, citando a una crítica francesa reconoce que su obra se basa en una Dramaturgia de la Presencia.
El Mito de la
Noche.-
En la segunda parte aparece el vampiro ,la nocturnidad y el amor, lo que delata al príncipe de las tinieblas, más que unos poderosos colmillos, es su hieratismo y su peinado . La posesión dramática de lo que se ama forma parte de la imaginación romántica . Los mitos del terror son auténticas figuras recurrentes de todos los tiempos en los que el amor y la posesión aparecen como destinos inevitables . La película de Albert Serra es genial, individual, resultado de un método y una estética propia pero es también apropiacionista, en el sentido epocal del termino y confirma el resurgir periódico del mito de la noche. La figura del vampiro es una de las claves iconográficas populares más significativas de estos tiempos de transición y crisis desde la magnífica versión de Bram Stoker 's Dracula de Coppola de 1992 hasta la moda juvenil que recientemente ha convertido a los vampiros en ídolos de culto con películas protagonizadas por Robert Pattinsson , Kristen Stewart y Taylor Lautner , basada en la saga Crepúsculo una historia de vampiros juveniles creada por la escritora estadounidense Stephenie Meyer.
Desde la edad antigua vamos recibiendo periódicos resurgimientos de los valores de la noche, desde que Nictimine, que siente un amor criminal por su padre, se ve obligada a abandonar la ciudad de Lesbos convertida lechuza , el pájaro de la noche en perpetua fuga de la luz del día. Por cierto es obligado decir que un capítulo relevante en el film es cuando una de las protagonistas se venga del padre azotándole hasta la extenuación en cruel venganza por un motivo no revelado. Hace unos años en pleno apogeo posmoderno publiqué en La Vanguardia un artículo sobre un vídeo realizado por Joan Pueyo y E. Vidal - Folch : " En busca del Compte Arnau ",en él se volvía a confirmar este ritual epocal y ponía de manifiesto que los nuevos medios tecnológicos no eran incompatibles con las antiguas inquietudes .Le mencioné esta referencia y me dijo no conocerla, pero es interesante la aparición cíclica en nuestra cultura “assenyada” del mito “arrauxat” por excelencia y paradigma de la esencia del romanticismo. Fue la romántica Víctor Balaguer quien configuró al Compte Arnau como príncipe de la noche , y quien puso nombre a la abadesa enamorada : Adalaisa . La activa imaginación romántica de Balaguer hizo levantar de su tumba al conde en busca de Adalaisa , los perros en cacería nocturna , enardecidos por el rastreo , persiguen a los amantes hasta alcanzar, los arrastran , los destrozan y la sangre mezclada de las dos víctimas forma una balsa , y en ella se entretienen a beber los perros . Esta cacería infernal se repetirá cada noche de difuntos a la luz de la luna . Una ceremonia cíclica que lleva regularmente el recuerdo de aquellos que no reposan nunca. El amor y la seducción de Casanova son juegos groseros y lúbricos frente al amor del vampiro. Me parece evidente que todo mito revive y se manifiesta en cada ocasión que se vuelve a narrar . Este proceso mágico de resurrección lo corrobora el propio Maragall, cuando sin miedo a parecer un alucinado , confiesa haber sido visitado por el legendario personaje en varias ocasiones . La cacería extravagante e infernal descrita en el Compte Arnau es una síntesis de amor , mordedura, sangre y posesión . Un ritual que se repetirá cada noche de difuntos , como una ceremonia necesaria a la luz de la luna . Como una "sed non satiata " a la bebida sangrienta , los perros se apoderan de lo que quieren , y nuevamente aparece el tema del amor como posesión . El " gran enamorado " quiere chupar , oler la sangre de su víctima , fagocitar lo más profundo de su ser . Drácula le dice a Mina Harker : " De ahora en adelante vendrás a mi llamada " , es así como la voluntad del enamorado está supeditada , anulación • lada por la pasión que lo domina y que le obliga , una y otra vez , a abandonarse a la voluntad de quien es su Amo. Ya he dicho que en el ataque del vampiro casi nunca hay resistencia , la víctima durante la mordedura y también después de ella se deja hacer . Este abandono de la voluntad permite dejarse penetrar por las cosas , permite esta integración con la realidad que caracteriza el estado de enamoramiento y que se da después de la mordedura del vampiro . Es un momento en que todo se pone en función de la misma cosa : se sueñan mutuamente y se entienden telepáticamente , y de esta manera todo hace referencia al enamorado , se obedece una ley ineludible que constituye a la vez la fuerza y la debilidad de los amantes : " si tu corazón está herido , sangra mi también" , dice Carmilla a su " víctima" . el vampiro vive en medio de una gran tristeza la exuberante vida del amado : ... " y tú morirás , morirás dulcemente por mi . es inevitable . así como yo me acerco a ti , tú , a tu vez , te acercarás a otros y aprenderás el éxtasis de la crueldad , que es una forma de amor " .
Si la posesión del amado supone , como vemos , la posesión de parte de la realidad , es lógico que este deseo de integración se de por la vía de la mordida y de la succión de la sangre . La digestión de la sangre es similar al acto de canibalismo , dando por supuesto que la ingestión de partes del cuerpo de una persona permite apropiarse de las facultades con que esta persona estaba dotada . Los mordisqueos entre los amantes y las expresiones cariñosas relacionadas con el acto de devorar son bien conocidas y comúnmente utilizadas. Pero, ¿qué busca un hombre así ? La posesión es un término del estado de enamoramiento que se manifiesta en la succión de la sangre , en la mordida misma : es la succión de la vida . Los labios sangrantes son como el carmín de labios de mujer, o la laca en unas uñas rojas: todo alude a la pasión. Y entonces Casanova cierra los ojos y muere.
LA MASSANA AL LICEU. 85 ANNIVERSARI. .
29 Junio, 2014 14:23
QUADERN OBERT. PAU RIBA .JORDI BATISTE. MARIA DEL MAR BONET .OSCAR FONT. JAUME MADAULA .MONT PLANS. VICTORIA PAGES .TURNEZ Y SESÉ.
La Massana al Liceu. 85 anniversari.
Un plato blanco e inmaculado se rompe en dos trozos y aparece la forma zigzagueante del rayo que une dos letras griegas: Alfa y Beta. El inicio y un punto entre A y B , entre ellos no solo hay una línea recta, la línea puede ser quebrada y continua siendo un alfa-beto. La lengua del arte. Ayer Sábado 28 de JUnio se conmemoró en el Gran Teatre del Liceu , las bodas de mármol , el 85 aniversario de la fundación de la Escola Massana de Barcelona. Con el título general de Quadern Obert subieron al escenario un escogido grupo de cantantes que canalizaron sus inquietudes iniciales, sus primeros gestos de crisálidas creativas en la Escola Massana . PAU RIBA .JORDI BATISTE. MARIA DEL MAR BONET .OSCAR FONT. JAUME MADAULA .MONT PLANS. VICTORIA PAGES .TURNEZ Y SESÉ. Todos ellos pusieron música a poetas que se han acercado a la creación plástica como Palau i Fabre, Ràfols Casamada, Perejaume, Dylan Thomas o Salvador Espriu, Alexandre Tornabell entre otros.
Todos los poemas merodeaban alrededor de la forma, del color, de la acción creativa pero solo uno de ellos
se acercó al centro. No podía ser de otra manera, el concierto finalizó con una
canción compuesta especialmente para esa ocasión por el genial Pau Riba. En el texto de la canción se abordan las
cuestiones fundamentales de nuestra labor en una escuela de arte, son cinco
dedos de una mano. Del pulgar al meñique que sirven de indicativos para una
refundación. De entrada el estribillo menciona la condición del artista y es
que para serlo el neófito o candidato debe llevar en su interior el germen, el
“alien”, si es así nacerá acompañado, la pedagogía es acompañamiento nunca
dicción. Y ese acompañamiento se hace desde el encaje de manos, desde la
cordialidad. Se da la bienvenida al
mundo del arte. El índice cuando se despliega es para desvelar caminos,
atajos y formas para su inquietudes. Para ello se ha de escuchar la voz de la
necesidad del candidato.El dedo medio es troncal, en él reside la protección
para aquello que es fundamental en la creación y que Pau Riba conoce bien, me
refiero al destello relampagueante que produce la piresis de toda creación. El
incendio en un dedo que erguido se convierte en el gesto de máxima provocación.
Ahí residen los sueños, lo mitos, los símbolos desconocidos. El pulgar
destroza, es rudo y combativo, ayuda a coger la herramienta sea pincel o hacha.
El dedo anular se presenta como el depósito de la necesaria experiencia, la voz
que el neófito le cuesta más de escuchar
porque ahí residen los ritos. El lugar exacto en el que deben colocarse los
anillos de poder del arte.Por último el meñique es el dedo de la perplejidad, con
el nos podemos rascar la cabeza en señal de reconocimiento tal como yo hago con
Evru cuando me lo encuentro. Un gesto arcaico, simiesco pero repleto de la
acción fundadora del arte.
Esta canción de Pau Riba es un acierto que propongo como fundamento de un nuevo himno para la refundación de la Escola Massana desde este significativo año del 2014.
La mà sana
Tot lluc, poll, cadell o crisàlide d'artista necessita i vol
per ell una mà sana que s'encaixi bé amb la seva
i li digui: hola, benvingut al món de l'art
(fetus d'art que el
neòfit porta a dintre, fetus d'art que vol néixer acompanyat ai, ai, ai, ai,
ai, ai, ai, ai)
una ma sana amb (1
... !) un gran índex desplegat que li indiqui formes, dreceres, camins amagats
...
(fe tus d'art que el
neòfit porta a dintre, fetus d'art que vol néixer acompanyat mà, mà, mà, mà,
mà, mà, mà, mà)
una ma sana amb (2
... !) un dit del mig parallamps que li aguanti la carpa dels somnis esclatants
(fetus d'art que el
neòfit porta a dintre, fetus d'art que vol néixer acompanyat no estil de més
tenir-la a mil)
una ma sana amb (3 ... !) un polze rude i combatiu que
s'afarti
d' aixafar-li nius d'ous nocius
(fetus d'art que el
neòfit porta a dintre, fetus d'art que vol néixer acompanyat mil que et pot
fotre un cop de mà)
una mà sana amb (4 ... !) un anular savi i vell
que li mostri com fer les coses, com dur els anells
(fetus d'art que el
neòfit porta a dintre, fetus d'art que vol néixer acompanyat ma que et prepara
pel demà)
una mà sana amb (5 ... !) un dit xic eixerit que en
rascar-li la closca li'n tregui profit
(fetus d'art que el
neòfit porta a dintre, fetus d'art que vol néixer acompanyat)
tot lluc, poll, cadell o crisàlide d'artista necessita i vol
per ell
una mà sana que s'encaixi bé amb la seva
i li digui: hola, benvingut al món de l'art
(fetus d'art que el
neòfit porta a dintre, fetus d'art que vol néixer acompanyat ai, ai, ai, ai,
ai, ai, ai, ai)
Lletra i música: Pau Riba
Pau Riba: veu i guitarra
ARTE CASUAL EN LLANÇA PARA FRANCISCO FERRER LERIN
14 Julio, 2014 19:20
En Diciembre 2013 publiqué en este blog, un artículo sobre Francisco Ferrer Lerin con el título de “Ojo Avizor”. De ese artículo escojo este fragmento que destaca la sabiduría del arte casual propuesto por este entrañable amigo. Le ofrezco estas imágenes y se las cedo con mucho afecto para que engrose su ya larga colección de "casuals".
Sin ánimo de alardear diré que esta selección tiene el mérito
indiscutible de tratar sobre pintura. Digo esto porque es más habitual encontrar instalaciones o
incluso performances , pero pintura ya es más raro. Por eso creo que estas
obras espontáneas no desdicen en nada de las de algunos pintores contemporáneos
como Richard Diebenkorn o Rafols Casamada.
El texto era el siguiente:
FFL ha roto todos los límites, ha saltado incluso las lindes que separan tradicionalmente la cultura de la vida, todo ,con él y en él, es literatura viva. Ese es un antiguo deseo de los mejores artistas coetáneos convertir la vida en el escenario de toda creación. Él, lo ha conseguido, ha hecho de la concreción de los paradigmas científicos un caos, de la precisión un delirio, creando así un genero literario en el que todo es verosímil y falso a la vez. Es por eso que ha conseguido que la realidad misma se vuelva artística ante sus ojos. Todo se expande y contamina con su presencia. “Ahora sólo queda reconsiderar, reeducar nuestra mirada, ver simetría, composición, cromatismo, armonía en suma, en la distribución azarosa de estos vertidos, reclamarlos para apreciar en todo su esplendor la margen del olivar, la acequia hortelana, el sendero de la ermita dominguera o la orilla tortuosa del arroyo de montaña”.(5)Con ese espíritu, bajo el estandarte avizorista surge una nueva raza de buscadores dispuestos a capturar emociones estéticas que se encuentran de modo casual en cualquier rincón de la realidad.
El 4 septiembre de 2011 en la página 12-13 del suplemento Cultura´s de La Vanguardia Francisco Ferrer Lerin publicó su manifiesto de Arte Casual.(6)
¿Qué es Arte Casual?
1. El que se da en objetos o grupo de ellos, materiales sin
vocación artística, que por su ubicación, colocación o combinación producen en
el observador un placer visual sin haberlo pretendido el responsable de la
situación.2. Todo lo que es capaz de crear una“emoción estética” partiendo de
elementos no “naturales” pero no “pensados”, en su construcción y/o en su
colocación, con “mentalidad artística”.
Características:1.Casualidad, espontaneidad, involuntariedad de la Obra.2.Transitoriedad, temporalidad, fugacidad del Hecho Artístico.3.Adogmático, abierto, subjetivo, infinito, impredecible, aleatorio.4. Popular, libre, democrático, público, comunitario.
Reflexiones sobre el Arte Casual:1. No es sarcástico; no se burla (del arte actual).2. No es revanchista; no venga una afrenta al arte.3. No es crítico.4. No es iconoclasta.5. Sino que es deudor del arte último porque éste nos ha enseñado a ver, a apreciar la descontextualización, las series, los nuevos agrupamientos de objetos, los acotamientos del espacio, los empaquetamientos, los apilamientos, el azar como fuente de placer estético.------------------------------- (5) Ibid. Ferrer Lerin.Blospot.es.com “Reconsideración del paisaje inmediato” Viernes 24 de Abril de 2009(6) Ibid Suplemento Cultura´s de La Vanguardia 4-9-11 p.12-13
El arte casual pretende recuperar esa edad primera en la que se produce el alejamiento del suelo. Una edad inocente en la que todo consiste en avistar rastros , escudriñar la realidad , capturar indicios.
“Con la edad nos alejamos del suelo, dejamos de escudriñar las marcas del terreno; rayas, manchas, pequeñas miserias aplastadas que configuran una geografía que sólo se aprovecha durante la infancia. Al erguirnos, al dejar de reptar, perdemos una información preciosa; quizá la posibilidad de esta ausencia sea la causa del miedo a transformarnos, algún día, en adultos.(7)
Para que exista un auténtico arte casual es muy importante el regreso a esa edad de perplejidades y sorpresas. No debe existir intencionalidad artística, sí, puede haber una motivación funcional que lleva a alguien a cubrir unas balas de paja con plástico y neumáticos viejos o a pintar una pared de colores sorprendentes para protegerla de humedades. Me decía Paco un día: lo cierto es que soy un tipo emocional y una mancha en la pared, sea espontánea o fruto del Tapies de turno, me produce emoción estética, placer. Y nada más, porque no hay nada más que decir “.
Las manifestaciones
de Arte Casual son auténticos descubrimientos , impactos visuales
en el receptor . El arte contemporáneo
liberado de la obligación de representar la realidad desde las primeras vanguardias se ha
hecho muy mental y morfológico. La
intención permite que Duchamp coja un dato de la realidad: botellero o urinario
y lo sacralice como obra de arte. Tan solo por la intención tan solo por la
elección. Así, la forma se ha ido haciendo conceptual y compleja. Incluso ha llegado a desaparecer
en aras de una ecología objetual. La Bienal de Venecia de este año ha premiado al artista Tino Sehgal un
vendedor de momentos y situaciones a coleccionistas. Su trabajo no existe, no
deja huellas, ni rastros, pero se puede vender, la compra consiste en un contrato oral , una vez concretado, el
artista explica en la oreja del comprador la idea de un trabajo del que se
adquieren los derechos de producción y presentación. Además no son exclusivas,
no son obras únicas. -------------------------(7)Ibid. Ferrer Lerin.
Blogspot.es.com “Alejamiento del suelo “
Sábado 11 de Febrero de 2012 Cuando un
miembro del comando de las guerrillas orníticas detecta y observa un buitre
leonado es capaz de apreciar su cualidad de ave, de ejercer sobre ella todas
sus dotes apreciativas, queda como una experiencia fugaz como la de Sehgal, la
diferencia es que en ningún momento se pregunta por la intención del autor de
tamaña criatura, ni quien es el ingeniero de tanta belleza. La respuesta sería
compleja y el curioso podría acabar estudiando teología, evolucionismo o
metiéndose a Masón.
Los ornitólogos de campo practican el "bird-watching", convirtiendo a sus practicantes en fervorosos buscadores de especies de aves que observan con sus prismáticos y anotan en sus libretas. El primer logro del Arte Casual es hacer lo mismo y convertirlo todo en arte , el arte no se encuentra distante como si estuviéramos viendo un cuadro, como “Arabe y su Corcel” del paisajista Jean-León Gérôme, por citar un pintor del gusto del escritor. El arte está en todas partes. Otro logro de Francisco Ferrer Lerin a través del Arte Casual es que convierte a la gente en entusiastas mirones de la realidad, en candidatos potenciales para la práctica de un Avizorismo ilustrado ejerciendo las poderosas virtudes de la atención y la concentración de la mirada que los llevará a ser adictos del arte contemporáneo y sin apenas darse cuenta quedarán transformados.
.
YOON-HEE EN GALERIA HORIZON .COLERA
20 Julio, 2014 21:25
ARTE JUNTO A LA FRONTERA. (1)
Cada verano se pone en marcha la Galería Horizon en Colera en el Alt Emporda, junto a los montes de Les Alberes y a un paso de la frontera con Francia. La galerista Silvy Wittevrongel y el artista Ralph Bernabei abren las puertas de su galería y de su casa a todos aquellos que quieran acercarse. Haré tres entregas en el Blog, la primera, sobre la exposición inaugural “QUIZÁS” de la artista coreana Yoo-Hee, la segunda, de la exposición colectiva “WALLS AND BRIDGES” y la tercera, sobre la publicación de un nuevo número de la revista Outer Horizons con la edición de un grabado del artista japonés Takesada Matsutani.
Quizás - Yoon-Hee
La Galeria d' Art Horizon presenta la obra de Yoon.Hee por primera vez en España. La exposición consta de una serie de esculturas en bronce, así como tres grandes obras en papel con pigmento negro sobre papel Velin d'Arches. La exposición, titulada "Quizás", se inauguró el sábado, 12 de julio de 2014, con la presencia del artista. La exposición estará abierta al público hasta el 13 de agosto. El horario de la galería es de martes a domingo 18:00-21:30. Lunes cerrado.
Yoon-Hee nació en Corea del Sur. Se trasladó a Francia en los años 80. A partir de ese momento empezó a exponer en Francia y Corea. Sus obras se encuentran en las instituciones públicas en ambos países (Castillo Oiron, Busan, Metropolitan Museum).
No sé si me he dejado llevar por mi fascinación por la
sensibilidad oriental, pero intuyo que la obra Yoo-Hee es una verificación de
principios estéticos que asociamos a la filosofía de los países del extremo
oriente. Como por ejemplo, los tres sobre los que he construido este breve
comentario: aleatoriedad, imprevisibilidad y respeto a la energía primordial de
la forma vórtice y poder de la materia.
El título de esta exposición es “Quizas” y esa primera indicación menciona lo posible, lo que puede suceder o no. Sobre el principio de aleatoriedad de la materia diré que esta artista trata el metal con la facilidad del que trabaja con el papel o con la tinta. Las tres esculturas que presenta están hechas a base de estratos superpuestos que se enmarañan creando un orden interior. Parece como si hubiera querido dejar hablar al material facilitando el camino para que este manifieste su voluntad de poner, quitar o segregar. Según dice la propia Yoon-Hee , ella trata el metal en su estado líquido, lo vierte, lo tira y se pone a trabajar antes de que la materia se enfríe. Esto le permite dar la impresión de movimiento instantáneo con una materia que tiende a ser estática. Así se genera una estratificación donde la voluntad de la artista no se impone nunca sino que se suma a la del proceso. Es común asociar las edades del hombre con los metales y el uso del hierro, el cobre o en este caso el bronce se suele relacionar a procesos de transformación y cambio, la alquimia de la metalurgia convierte el proceso de trabajo escultórico en sabiduría.
La imprevisibilidad de la naturaleza es una constante en el extremo oriente del mundo, allí las estaciones son muy marcadas e intensas y las circunstancias climatológicas han moldeado el carácter de sus habitantes. Esa condición los convierte en resignados pacientes de los “caprichos” de la naturaleza y muy especialmente de los movimientos atmosféricos. La formación de los tifones, los movimientos circulares de las borrascas o la ondulada fuerza de las olas gigantescas son una clara manifestación de lo que no podemos predecir, hay en ellos un designio maravilloso que casi siempre culmina en una fuerza destructora que ellos aceptan con resignación. Cuando hablé con la artista me dijo que vivía “ a plain aire” y pensé que la estrategia formalizadora de la naturaleza es una fuente de inspiración constante. Por eso me imagino esa especie de nidos de vida como metáforas de la energía vital y sobre todo de la transitoriedad de la existencia.
En tercer lugar, la energía de las formas vórtices se detecta en el interior de estos nidos de fuerza que si bien son aparentemente simples, tienen un gran poder. En la naturaleza, la mayoría de los vórtices son de forma cónica. Los tornados y remolinos son conos giratorios. Tales fenómenos naturales ejemplifican bien la naturaleza dinámica de las formas vórtice.
Desde un punto de
vista físico-energético diría que sabemos o se nos asegura que hay en la
materia una energía encerrada que se libera
y que cuando se libera puede adoptar un movimiento en forma de vórtice.
Sin querer meterme en berenjenales científicos, he leído por ahí que Einstein
describió la materia como energía congelada y también que el vórtice es una
buena imagen de liberación y movimiento
.
He visto las obras de Yoo-Hee como manifestaciones de energía
dinámica, de acción y de cambio. Esculturas de puro movimiento que
tienen una fuerza constatable. El “chi” más allá de las palabras.
En las obras sobre
papel se aprecia ese movimiento como una línea que tiende a crear un círculo.
Se constata como una línea que se enrosca sobre si misma en espiral que forma
un vórtice esférico, un círculo que puede culminar en una bola de energía, en
un torbellino. Las ligereza de las obras en tinta me llevan a lo blando , a lo suave y
me aparece la imagen de la obra
“Acromo” de Piero Manzoni, una esfera blanca de piel de conejo sobre una
base de madera quemada . En las esculturas de Yoon-Hee sucede algo parecido a lo que le sucede a un ovillo
de lana, en él, la lana orbita en una
espiral tridimensional alrededor del
único punto del vórtice esférico. Con la lana se puede producir un
movimiento giratorio en espiral alrededor de un punto central. Tan solo al
momento de formar la bola, o también al desenrollar el hilo, se forma una
representación precisa del vórtice de energía. Pienso en ese vórtice de energía
y me sorprende como puede haber conseguido el efecto maravilloso de dar
movilidad y ligereza a la compacta densidad del bronce.
Por lo tanto estas
obras muestran la aleatoriedad, la imprevisibilidad y la energía del vórtice, tres estados
temporales de la materia congelados en un momento en el que
según la propia Yoo-Hee aparece
un punto de equilibrio en el proceso de transformación que afecta de forma
permanente a todo el universo. Eso lo saben todos aquellos que beben en las
fuentes del origen y frecuentan el poderío de la energía primordial.
Fotos Cortesía de Galeria Horizon Foto: Bernard Borgeaud
www.yoon-hee.com/avec-yoon-hee-dans-son-atelier
TAKESADA MATSUTANI: BEYOND THE CIRCLE. OUTER HORIZONS 2014.
23 Julio, 2014 15:17
Author :Takesada MatsutaniTitle :Beyond the Circle 2014
Technique: engravingPaper: Velin de Arches 62 x 80 cm papel Image size: 45 x 59 cm
Edicion 30 ejemplares .
HORIZONTE ENTRE BLANCO Y NEGRO.
En el año 2013 la Galería Horizon de Colera (Girona) ha cumplido veinte años. La madurez del proyecto se constata al comprobar que ha creado un estilo riguroso, abstracto, austero, hecho del dialogo entre opuestos, entre blanco y negro que otorga a sus exposiciones actuales una dimensión estética que considero cercana a la sensibilidad oriental. En su caso, eso que llamamos la “línea de la galería” no es otra cosa que la proyección estética de las inquietudes creativas de Silvy Wittevrongel y Ralph Bernabei, por eso, cada nueva exposición es un claro reflejo del momento artístico en el que ellos mismos se encuentran.
Cuando el año pasado presentaron el último número de la revista "Outer Horizons" de Arte y Filosofía en el Hotel Belvédère du Rayon Vert en Cerbère, ví que la portada creada por Peter Downsbrough era un manifiesto visual de la galería. Me refiero al sutil espacio que separa el horizonte ENTRE el blanco y el negro. Las obras de los artistas de la galería y las imágenes de la revista en la que colaboran Edvard Lieber, Gabriel, Enric Ansesa, Juan Bufill, Vicenç Viaplana Peter Downsbrough y las del propio Ralph Bernabei, son obras que exploran los límites de esos dos no-colores y de modo muy especial las cualidades de lo oscuro. El verano de 2011 se ha confirmado esta tendencia de la galería a través de las obras que nos han propuesto en tres magníficas exposiciones de Lluis Vilá, Takesada Matsutani y la tradicional colectiva de Septiembre. Takesada Matsutani (1937) nacido en Osaka y afincado en París , aborda en su actual “Around the Circle” dos de las cuestiones más importantes de la expresión plástica: la saturación del negro en diálogo con sus opuestos y el poder del círculo.
Matsutani pasó seis años trabajando en su taller de grabado, descubriendo la riqueza del color negro que ha dominado en su obra pictórica desde entonces. Sus estudios de la pintura tradicional japonesa y la técnica de pigmento y cola de hueso han derivado hacia el uso actual de la cola vinílica y el grafito. Matsutani combina la inquietud espiritual y las “performances” que definían al Grupo Gutai, -al que perteneció cuando en 1959, Sadamasa Motonaga le puso en contacto con ellos -junto a los espacios propios de la pintura y la litografía tradicional. Sus obras de viscosidad variable incorporan el relieve de la materia que utiliza a través de pliegues densos y untuosos que descienden por la tela como ampollas volcánicas movidas por la fuerza de la gravedad.
El círculo es un elemento emblemático del arte japonés, pero Matsutani no lo trata como hacen los calígrafos clásicos apelando a la fuerza del gesto sino creando esos relieves sutiles, insistidos al máximo detalle que generan una sensación de ocupación total y oscura del espacio. Frente al tópico espacio blanco vacío, Matsutani vacía a través de la plenitud de un negro absoluto. Una sensación de noble silencio recorre la sala en la que aun se pueden ver los restos de la “performance” inaugural. La noción de estar dentro o fuera del círculo aparecen de inmediato, haciendo hablar al espacio.
Fotos cortesia Galería Horizon.
Desde este magnifica exposición “Around the Circle” (6 d’Agost - 15 Septemebre 2011) en la Galeria Horizon en Colera, Takesada Matsutani ha tenido un enorme éxito. Primero en “Gutai: The Spirit of an Era” National Art Center en Tokyo 2012, Galerie Richard en New York 2012 despues “Gutai: Splendid Playground” Guggenheim Museum New York Feb. 15 - 8 de Mayo 2013, y finalmente con la prestigiosa galeria Hauser & Wirth en London 18 May- 27 July 2013.
Para el proximo número de la publicación Outer Horizons dedicado a “On the Spiritual in Art, más de cien años después del clasico libro de Wassily Kandinsky, la Galeria Horizon ha elegido a Matsutani para crear la portada de este quinto numero. Además, como en los primeros cuatro números se ha producido un grabado de edición limitada en el taller de Lupusgràfic Edicions, taller dirigido por el grabador Sebi Subiros, en Girona.
Author :Takesada Matsutani
Title :Beyond the Circle 2014 Technique: engraving Paper: Velin de
Arches 62 x 80 cm papel Image size: 45 x 59 cm Edicion 30 ejemplares
.
Para información sobre la venta de este edición pongase en contacto con la Galeria Horizon. info@galeria-horizon.com La publicación esta prevista de presentarlo a finales de Septiembre. Galeria HorizonFrancesc Ribera 2217496 Colera, Girona 00 (34) 972.389.185 info@galeria-horizon.com
www.galeria-horizon.com
GALERIA HORIZON ,WALLS AND BRIDGES.
jesusmc | 07 Agosto, 2014 13:50
Walls and Bridges
16.08-21.09.2014
SVEN OLE-FRAHM
HERNAN ARDILA
RALPH BERNABEI
 |
TAKESADA MATSUTANI
TOM BLAESS
ENRIC ANSESA
CECILE ANDRIEU
YOON-HEE
Tom Blaess, Takesada Matsutani, Hernan Ardila, Enric Ansesa,
Yoon-Hee, Ralph Bernabei, Cécile Andrieu, Sven-Ole Frahm
Inauguració : Dissabte 16 d’agost a las 19:30 h
La Galeria Horizon quiere continuar la reflexión sobre los limites que proponíamos el año pasado con la exposición “Borderline”. Seguimos paseando por la frontera que señala el espacio entre la superficie y la estructura, entre el plano y el volumen. La propuesta de este año para nuestra exposición colectiva de Agosto tiene el título de “Walls and Bridges”, los muros y los puentes, como una sugerencia poética que surge a partir de reflexionar sobre si el espacio constructivo es un tope físico o si la obra empieza en el muro proyectándose hacia el espectador.
Los trabajos que presentamos en esta ocasión son de: Tom
Blaess, Takesada Matsutani, Hernan Ardila, Enric Ansesa, Yoon-Hee, Ralph
Bernabei, Cécile Andrieu, Sven-Ole Frahm ,
todos ellos consiguen que los muros de la galería dejen de ser tan solo paredes en las que se
cuelgan obras, sus propuestas transmiten
la inquietud de ir mas allá de los limites, de ir más allá del muro y tienden
puentes de conexión empática entre la obra y quien la mira.
La empatía es una proyección emocional, según la cual se
establecen vínculos entre el observador y lo observado es un anhelo perceptivo
que proviene del Romanticismo alemán y que luego confirmo la física quántica
con el principio de indeterminación, según la cual la mirada del observador
condiciona lo observado i viceversa. La
filosofía también se pronunció sobre este aspecto con el aforismo Nietzscheano
: “Cuando miras demasiado tiempo en un abismo, el abismo también mira dentro de
tí.”
Duchamp nos propuso mirar
a través de la mirilla en una vieja puerta de Cadaqués hacia adentro de
la obra, nosotros proponemos un viaje inverso desde el muro hacia el exterior y
así cumplimos con un viejo principio en la larga trayectoria de la Galería
Horizon que siempre ha mantenido esta filosofía de tender puentes sin construir
muros.
Galeria HorizonFrancesc Ribera 2217496 Colera, GironaTel. | 972.389.185 o info@galeria-horizon.comwww.galeria-horizon.com Horario: De martes a domingo 18.00-21:30
LICANTROPIA. EL AULLIDO DEL ARTE EN LA LLOTJA DEL TINT. BANYOLES.
03 Octubre, 2014 17:33
LICANTROPIA: EL AULLIDO
DEL ARTE
- la
vanguardia artística se fraguó lentamente, se inicia con el realismo, en el que
hay que incluir incluso a Manet, de factura clasicista pero de fuerte rebelión temática, luego el
impresionismo con la carga de sorpresa e innovación que supuso que culmina con
la ruptura de las manifestaciones artísticas de inicios del siglo XX, lo que
académicamente se denominan las primeras vanguardias.
-
Hasta
entonces los artistas no se expresaban más que a través de su obra, algún
diario, personal, pero casi nunca para dar razones de lo que estaban haciendo,
aunque desde luego estaban condicionados por las tendencias estéticas y
culturales de cada momento histórico. Por ejemplo, la carga teórica del estilo
barroco o del romanticismo venía avalada desde diferentes campos, pero casi
nunca encontramos reflexiones o discursos complejos sobre el arte y aún menos
sobre el propio arte, sus intenciones o causas.
El silencio dominaba la contemplación de las obras.
-
La
compleja deriva formal de las vanguardias artísticas, pusieron en marcha una
sutil estrategia de la institución, de los poderes facticos de la cultura y
otros estamentos en la que cayeron los artistas hasta hoy mismo. El orden del
discurso se debía de mantener a toda costa y empezaron los manifiestos, las
proclamas justificativas, los procesos ciertamente interesantes pero marginales
al hecho mismo de la obra.
-
Desde
este punto de vista, el artista se ve obligado a dar explicaciones, lo que en
ocasiones era un mero rugido, aullido o rabia espontánea a través del color,
debía encontrar las palabras y casi nunca se encontraban.
-
Los
artistas, pintores, escultores u otras disciplinas huían siempre de la palabra
y el escrito, era suficiente el nivel altísimo de su arte para no tener que
caer en prolongaciones ortopédicas a través de la razón, de la lengua, del
pensamiento. La obra era suficiente.
-
Cuando
lo han intentado han elaborado un discurso de tal complejidad racional y
discursiva que no puede parangonarse con la obra vista. El concepto entonces se
sobrepone a cualquier manifestación formal. Algunos obligados por la
institución a confesar sus secretas intenciones caen en discursos absolutamente
débiles y desajustados a la compleja presencia de su obra. No quiero citar
nombres.
-
Mi
argumento principal lo encuentro en un viejo escrito de Foucault que leí en mi
juventud y que no ha caducado con el tiempo: “El Orden del Discurso”, lo releo
y noto que mi piel se sobrecoge.
-
Otra
cuestión es el papel que yo mismo me he otorgado en este escenario de pleitesía
a la institución, por un lado, mi discurso crítico ha sido siempre a favor del
enigma del arte, utilizar un lenguaje cripto poético que se acercara con
igualdad a ese rugido, aullido del arte. Es muy importante para mí el breve
texto que escribí para la exposición de Gabriel en Santa Mónica. Por otro, el discurso que yo mismo he
elaborado en torno a mi obra, que llevado del poder hipnótico de la institución
me he obligado a acompañar de una manera servil el aullido de mis obras. Si
bien, una vez más el equilibrista oriental consigue que la forma aparezca en su
descontrol institucional pero fundamentada en un sentido que se oculta como en
Ma Ta. Y como en las caligrafías en general en las que nadie más que el autor
conoce su significado si no fuera acompañada de una explicación que en el
contexto zen deviene absurdo como pensar sin pensar, o no tener objetivos, y
tantas otras equidistancias.
-
En
realidad, se debe a que mi posición, muy marcada por la deriva relativista de Oriente,
intenta conciliar el ser del lenguaje y el no ser de la obra. Es ahí donde
surge siempre en ENTRE. Ya cuando puse el título de mi libro entre la
inspiración y el proyecto daba a entender la necesaria equidistancia entre lo
que comprendemos y lo que nunca llegaremos a comprender.
-
El
territorio del aullido licantrópico se encuentra en la esfera reptiliana del
ELLO. Esa pulsión no domesticada en la que se encontraban muy a gusto los
surrealistas, y los expresionistas abstractos americanos. Recuerdo “la Loba” de
Jackson Pollock como emblema de esa nueva corriente pictórica.
-
Debo
reunir los diversos puntos de vista que he utilizado a lo largo de mi vida para
explicar la causa del arte. Desde los cinco jinetes del dolor en el arte: identidad/diferencia,
naturaleza/cuerpo, forma/preforma, amor y muerte. Digo reunirlos dando su lugar
al aullido licantrópico salvaje , indomesticado y ajeno a cualquier explicación.
-
Esa
paradoja en la que me encuentro perfectamente legitimado, debe tener un lugar
principal. Cierto escepticismo aparece cuando se utiliza el ENTRE.
-
No
dejo de tener la sensación de una excesiva prudencia al no querer dejarme
llevar por la radicalidad del ELLO. De no perfeccionar mi propio aullido y
querer ser fiel al recorrido que hasta ahora he hecho llevando como bandera el
relativismo del entre. Quizá se trate de radicalizar la posición intermedia
convirtiéndola en algo que pueda escapar a la voluntad de poder de la
institución. Hacerla incomprensible a los ojos de la convención. Por ejemplo,
los libros sapienciales que se mueven entre la lógica del lenguaje y la
incomprensión absurda. Me ruboriza citar el gran libro del camino y la virtud,
pero en él se encuentra esta extraordinaria combinación entre lo que
comprendemos y el aparente absurdo.
-
No
debo olvidar que en mi segundo libro arte y transformación puede parecer que
propongo una mirada “buenista” con el propósito de indicar un camino de cambios
profundos en la conciencia a través del arte. El equívoco puede estar en que se
entienda que hago un nuevo esfuerzo para
justificar el arte y colocarlo en una senda cómoda para la institución basada
en un intenso cuidado de si, en un insisto, angelical buenismo pero no es así.
La transformación supone acceder a un estado límbico en el que el juicio
crítico queda suspendido y también la imperturbabilidad del ánimo. ¿Se puede
decir, que el lobo ha sido domesticado? O más bien , que es un momento de desaparición,
tal como sucede con los diez cuadros del pastoreo del buey. En el que pastor y
buey desaparecen dejando el espacio vacío de un círculo.
LA CHIMENEA DE DUCHAMP. MARINA OROZA
16 Septiembre, 2014 20:10
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