INDICE AVATAR 2009
1LABORAL
GIJON: Nowhere / Now/ Here del diseño contemporáneo.
31 Enero, 2009 20:19
2LA
PERSEVERANCIA PICT0RICA DE AMPARO CORES
31 Enero, 2009 18:21
3ARCO 2009 Y
ALREDEDORES
18 Febrero, 2009
18:40
4UROBOROS:LA
MIRADA CIRCULAR DE LLUIS LLEÓ
12 Febrero, 2009
18:57
5JACOBALBABLANK.
JAUME PINYA
18 Febrero, 2009
16:30
6JAN LAUWERS
& NEEDCOMPANY EN LA LABORAL
06 Marzo, 2009 20:32
7TADANORI
YAMAGUCHI:SINTESIS EXTREMA
08 Marzo, 2009 19:10
8FERRAN
GIMENEZ:OBRA PARALACTICA
09 Marzo, 2009 18:44
9J.C.BRACHO:DIBUJO,TIEMPO
Y SILENCIO
13 Marzo, 2009 18:25
10MURAKAMI ´ S
21 Marzo, 2009 19:28
11BAYRLE.MEIRELES.RABASCAL:
LA INTELIGENCIA FORMAL EN EL MACBA
22 Marzo, 2009 19:22
12ARTE Y
TRANSFORMACIÓN
09 Abril, 2009 07:42
13ESTER
PARTEGÀS:EL EFECTO REBABA
04 Mayo, 2009 11:29
14CHEMA COBO :
LA DESAPARICION DEL COLOR
Mayo, 2009 20:43
15RAMON
HERREROS: STUPOR MUNDI
27 Mayo, 2009 10:5
16EL CRITICO
DE MODA
30 Junio, 2009 16:42
17ORIOL
VILAPUIG: ARTE Y ENSAYO
05 Junio, 2009 06:43
18BODA ENTRE
"AIXONOESPANIC" Y "REACTABLE" EN EL ELECTRIC
18 Junio, 2009 18:27
19ACCNEO EN
LOOP
18 Junio, 2009 21:44
20CÔCLEA X JB
/ S.T : RECORDANDO A JORDI BENITO
15 Julio, 2009 08:58
21GALERIA TONI
TÀPIES.MANIOBRAS:ARTE Y MATERIA
18 Julio, 2009 16:57
22RALPH
BERNABEI Y LA GALERIA HORIZON EN COLERA
23 Julio, 2009 13:20
23VICTORIA
CAMPILLLO: "AMEN" EN SITGES
05 Agosto, 2009 22:18
24MANUEL BORJA
VILLEL Y EL NUEVO REINA SOFIA
01 Septiembre, 2009
17:25
25KREA II
ENCUENTRO INTERNACIONAL DE CREACION Y DIFUSION SONORA
03 Septiembre, 2009
09:13
26JOAN
NAVARRO: ESCULTOR QUE BUSCA VERDADES
04 Septiembre, 2009
09:24
27JULIAN
ALVAREZ:ENTRECRUCES.EXPOSICION RETROSPECTIVA
08 Septiembre, 2009
09:34
28CARLOS
PAZOS:ROBADOS EN GALERIA RAIÑA LUPA
02 Octubre, 2009
19:57
29CARLES TACHE QUIERE HABLAR CONTIGO. DISSABTES D´ART
03 Octubre, 2009
10:20
30CCCB SONIDOS
DEL PODER/ESCUCHAS DEL MIEDO.CAOSSONOSCOP.ZEPPELIN 2009
03 Octubre, 2009
12:08
31DAC:ART
UNDER THE BRIDGE FESTIVAL BROOKLYN N.Y.
05 Octubre, 2009
19:47
32MISCELANEA:LUIS
RACIONERO Y EL CAPULLO DE JEREZ
11 Octubre, 2009 12:1
33EFFEKTEN
PARA ISIDRE MANILS
05 Noviembre, 2009
15:26
34ALEKSANDRA
MIR EN JOAN PRATS: FICCIONES SAGRADAS
05 Noviembre, 2009
21:38
35EVENTS
APOFATICS:CUNNINGHAM-TAPIES
22 Noviembre, 2009
10:58
36RAIMON ÁVILA
Y POOL (NO WATER) DE MARK RAVENHILL
28 Noviembre, 2009
11:34
37CHARLES
FRÈGER AMA CARAVAGGIO
12 Diciembre, 2009
18:48
LABORAL GIJON: Nowhere / Now/ Here del diseño contemporáneo.
31 Enero, 2009 20:19
Artículo publicado en
Cultura´s de La Vanguardia.Miércoles,28 Enero 2009
Rosina Gómez-Baeza ha sido durante veinte años valedora del arte contemporáneo en ARCO, y ahora se ha propuesto un nuevo reto con LABoral-Centro de Arte y Creación Industrial. En su nuevo proyecto, lo sustancial es la interacción entre arte, ciencia, tecnología y sociedad en el marco de la cultura digital, una apuesta que le otorga el papel de institución pionera en nuestro país y ha creado una línea expositiva arriesgada y coherente que llama la atención de artistas y críticos de todo el mundo.
LaBoral está ubicada en las inmensas naves remodeladas de la
antigua universidad del trabajo de Gijón, una especie de Escorial del mundo
obrero durante el franquismo y que puede convertirse en el megacentro de arte y
creación post industrial del siglo XXI. Estos días se puede visitar Nowhere/
Now/ Here,que presenta a partir de unos adverbios que indican situaciones y
sugieren acontecimientos, un panorama de la vanguardia del diseño actual. La
pregunta sobre las cuestiones de lugar, tiempo o situación: En ningún lugar,
ahora y aquí son siempre fundamentales. El arte yel diseño viven en una
pregunta adverbial constante: En ningún lugar, pero: ¿Dónde? Ahora, pero:
¿Cuándo? ¡Aquí!
La mayoría de nosotros formamos ya parte del nomadismo intercultural, del hola y adiós en los aeropuertos, nos googleamos constantemente para saber quiénes somos y en dónde nos encontramos. En este contexto de intersecciones culturales e hibridación queda un poco lejos la noción vinculante y estrecha entre identidad nacional y diseño o entre arte y territorio. Los sistemas de comunicación en red están dificultando esta clásica relación, expresiones como cooperación cultural en red, la evolución hacia la complejidad social o la propia definición de nodo interconectado hecha por Manuel Castells no nos permite pronunciar, hoy, con el mismo orgullo que hace veinte años expresiones como: ¡es diseño catalán! ¡escultura vasca! ¡confort nórdico! ¡maquinaria alemana! ¡microprocesador japones! Ahora todo es de " ninguna parte", pero hecho " ahora" y " aquí" y quizá, si preguntamos mucho, sepamos de dondeode qué está hecho. El arte postindustrial puede caer en un vacuo esteticismo si no considera la cualidad y el sentido profundo de donde nace lo artístico. En la actualidad, y mientras no aparezca una nueva generación desconectada , el arte propuesto por Laboral es el futuro ahora y aquí.
LA PERSEVERANCIA PICT0RICA DE AMPARO CORES
31 Enero, 2009 18:21
"La Colina" (1971)
Art.Publicado en
"Cultura´s de La Vanguardia.21.Enero 2009
La Sala “Libertad” hace honor a su nombre y ha optado por
liberarse de algunos prejuicios estéticos propios de la contemporaneidad; lo ha
conseguido apostando por un arte basado en criterios de calidad pictórica, sin
considerar la fecha de nacimiento de los artistas o que estos, sean más o menos
conocidos.
En esta ocasión presentan la obra de Amparo Cores
(Oviedo,1929).En la exposición hay pintura y escultura desde 1958 hasta hoy,
cincuenta años de trabajo continuado y perseverante en los que el
reconocimiento no ha sido su principal objetivo y eso, es virtuoso, porque en
el texto de Shi –Tao, que abre el catálogo, se lee :”Los antiguos pintores
viviendo en el anonimato, obtenían la gloria. Perfeccionaban su formación y
comprendían la vida”. Me fascina la perseverancia de Amparo Cores y de las
mujeres artistas de su generación como Mercedes Gómez-Moran o Maruja Moutas que
en los años cincuenta iban a París, fuera a la Académie de la Grande Chaumière
, a la Académie Julian o a asistir al “atelier” del pintor y teórico francés
André Lhote.
Amparo Cores conoció,
en Bruselas, a finales de los años cincuenta, a su esposo, el pintor y diseñador Jesús de la
Sota con quien estableció una gran complicidad intelectual y estética. En el
Madrid de los “60” crearon un ambiente
transversal y expandido entre : la arquitectura de Alejandro de la Sota,
el diseño de mobiliario, la pintura, escultura, tapices o la fotografía de Antonio
Cores de quien ella misma ha recuperado, recientemente, las fotos que hizo a
Picasso en 1966.
En esta exposición se presentan cincuenta y ocho obras
dominadas por dos sensibilidades diferenciadas y que, a primera vista, pueden
parecer contradictorias entre lo mesurable e inconmensurable que habita en las
formas y en la naturaleza. Por un lado, la medida aparece en unas series de
óleos sobre tela o tabla de mediano formato con títulos tan significativos
como:”Ritmos”,“Simultáneos”,“Armónicos”,“Composiciones” o, también los
“collages”: “La bola” o “El Círculo”.Estas obras se basan en el estudio de las
leyes que operan sobre las estructuras geometrizadas de la forma. Amparo Cores
busca en ellas la coherencia , mesurada, lucida y equilibrada, lo que André Lhote llamó: las “invariantes
plásticas” del arte. En todas, la relación entre música, número y forma
insinúan un misterio pitagórico que les pertenece desde antiguo, porque solo
las circunstancias cambian y lo fundamental se mantiene. Pero, a diferencia de la luz de Klee, el rigor frío de Mondrian o del
Movimiento Moderno, ella incorpora la sensibilidad exquisita que deriva de una
geometría sentimental, en las que la regularidad del círculo, el triángulo, el
cuadrado y la cruz son tratados con delicadeza, inspiración y silencio como si
fueran rosas frente a una ventana.
En sentido contrario, opone a esa precisión de la forma que
conoce bien: la naturaleza inconmensurable de unos “paisajes” abstractos
inmersos en la atmósfera y la bruma; son
vistos desde un risco, una marisma, una colina o un amanecer y en todos ellos,
domina un sentimiento melancólico del espacio. Con una discreción ejemplar,
tímidamente, consigue captar ,con la sutileza de un paisajista chino del siglo
XVII, el pulso vital de la naturaleza o penetrar sin estridencias en el centro
oculto de los objetos como en sus obras “Sobre la mesa” o “Bodegón III”. En
estos paisajes vaporosos también hay normas, pero las trata con la libertad de
quien se encuentra liberado de la exigencia de un método. Amparo Cores ha
conseguido conciliar con su pintura unos principios estéticos antagónicos y
convierte esta exposición en un manifiesto de síntesis posible entre lo
determinado y lo indeterminado, entre el caos primigenio de la naturaleza y el
sentido ordenador del número, entre la razón y el sentimiento. En todas ellas
se vislumbran tenues ausencias, nostálgicos recuerdos, amor y mucha
perseverancia pictórica.
ARCO 2009 Y ALREDEDORES
18 Febrero, 2009 18:40
TODO PASA, VNA SOLA COSA TE SERA CONTADA Y ES TV OBRA BIEN HECHA. NOBLE ES EL QVE SE EXIGE Y HOMBRE, TAN SOLO, QVIEN CADA DIA RENVEVA SU ENTVSIASMO, SABIO, AL DESCVBRIR EL ORDEN DEL MVNDO, QUE INCLVYE LA IRONIA. PADRE ES EL RESPONSABLE, Y PATRICIA MISION DE SERVICIO LA POLITICA. DEBE SER CATOLICA, QVE ES DECIR, VNIVERSAL, APOSTOLICA, ES DECIR ESCOGIDA, ROMANA ES DECIR, VNA. VNA TAMBIEN LA CVLTVRA, ESTADO LIBRE DE SOLIDARIDAD EN EL ESPACIO Y CONTINVIDAD EN EL TIEMPO QVE TODO LO QVE NO ES TRADICION ES PLAGIO. PECA LA NATVRALEZA, SON ENFERMIZOS OCIO Y SOLEDAD QVE CADA CVAL CVLTIVE LO QVE DE ANGELICO LE AGRACIA, EN AMISTAD Y DIALOGO. EUGENI D´ORS. Monumento en Pº del Prado.
Arco
Hirst en Ivory Press
UROBOROS:LA MIRADA CIRCULAR DE LLUIS LLEÓ
12 Febrero, 2009 18:57
Artículo publicado en el documental del Nº 347 de 11 de Febrero 2009 en CULTURA´S DEL DIARIO LA VANGUARDIA DE BARCELONA
El lector de este documental debe visitar sin demora la página web de Lluis Lleó (www. lluislleo. com); allí encontrará la posibilidad de dar un paseo virtual por su pulcro estudio neoyorquino. A través de un travelling circular, el visitante puede dar vueltas y más vueltas alrededor de su estudio, detenerse, aproximarse a una obra o a otra que le llame la atención, meterse dentro de sus campanas de formas, subir o bajar el punto de vista y continuar el recorrido circular que inevitablemente le lleva al mismo punto de partida. La circularidad domina la obra que el artista presenta en las páginas de este documental y en su obra reciente. Con un profundo sentimiento arquitectónico, Lleó ha construido un muro con unas piezas de barro encajadas en una estructura de acero inoxidable que irá creciendo poco a poco, línea a línea, y en el que se marca una diferencia entre el interior y el exterior. En el interior, la imagen yel color de los cadmios: rojo, naranja y verde. En el exterior, la cruda y resplandeciente nada del acero tecnológico y brillante. El espectador entra y queda rodeado por un muro iconográfico lleno de obras hechas con la tradicional técnica del fresco. En esta ocasión, la geometría sutil a la que es dado este artista no se encuentra sólo como tema en sus dibujos y pinturas con homenajes a Ellsworth Kelly,sino en el soporte mismo. Obligada a contemplar, la mirada del espectador se hace oblicua como en el ciclo necesario de todo lo que acaba y comienza. Aparece así una alegoría del final y del inicio propios de toda renovación y una citación biografiada de la muerte. Ese moderno Uróboros mural recuerda la serpiente hermética que se muerde la cola y que no es otra cosa que una alegoría al aforismo griego según el cual todo es uno y todo regresa
JACOBALBABLANK. JAUME PINYA
http://jacobalbablank.blogspot.com/
18 Febrero, 2009
16:30
El net art suele ser un arte complejo, computacional y de alto riesgo conceptual. Eso ya está claro.Lo que no es tan normal es encontrar en la red de redes alguien que haya utilizado este medio para crear con la misma sensibilidad del que utiliza el papel, la tela, los pigmentos y los pinceles. Yo lo he encontrado en alguien que vive en la Serra de Tramontana, en Mallorca y que sigo desde hace casi dos años, se llama Jacob y no vive en Nueva York sino en algún lugar de la isla de Mallorca. Este internauta tiene una gran sensibilidad y la desprende por los cuatro costados, sus textos breves, sencillos, tienen voluntad poética y junto a sus fotografías ,(http://www.flickr.com) sus obras y el propio diseño del blog. envuelven al visitante en un clima de alta calidad estética. Sensaciones, meditaciones breves, el taller del artista, la naturaleza que lo rodea en su soledad, las variantes del tiempo y el clima, así como una evidente contemporaneidad que le permite estar al día en todo desde su entrañable retiro.
Jacob dosifica sus
“posts”, los distancia en el tiempo, no tiene prisa, tal como les sucede a algunos pintores, incluso
en alguna ocasión ha dejado de emitir ,quizá como consecuencia de la melancolía
y lo ha borrado todo. Sabemos que viaja a Italia, a Padua, que conoce bien el
linaje judío de la isla y que tiene buenas amigas que saben corresponder a su
sensibilidad extrema. Jacob es la confirmación de que la sensibilidad no está
reñida con Internet.
JAN LAUWERS & NEEDCOMPANY EN LA LABORAL
06 Marzo, 2009 20:32
En La Laboral de Gijón se ha representado la obra Isabella´s Room, una de los espectáculos de más éxito de la compañía belga Needcompany. Me ha gustado mucho el concepto expandido de la obra de Jan Lauwers (Amberes 1957) en ella, la danza contemporánea, la música en directo, las voces, la teatralidad, los objetos y la puesta en escena convierten el espectáculo de dos horas en una auténtica “Performance”. Jan Lawers esta considerado como uno de los creadores escénicos más importantes de la actualidad. Después de estudiar pintura en Ghent, en 1986 Lauwers funda la Needcompany compañía en la que domina la visualidad plástica y una frontera sutil entre actuar y no actuar: miradas al público, miradas entre ellos, unos breves segundos de quietud tras la participación de cada interprete, etc.
El espectador se encuentra con los protagonistas ya en
escena, les miran mientras la veterana actriz Viviane De Muynck que es Isabella
presenta a los diferentes personajes de la obra. Entre otros los hemisferios
izquierdo y derecho de su cerebro. Los objetos en escena son reales y
auténticas maravillas antropológicas dejadas por el padre de Lawers, Felix ,
como herencia a su familia. La frontera entre lo verosímil y la ficción, las
verdades y las mentiras están siempre presentes.
Nueve actores y bailarines multilingües recrean la historia de Isabella, una mujer ciega de 94 años que vive retirada en una habitación de París llena de objetos antropológicos y etnológicos. Recuerda acontecimientos, sus padres, sus maridos, sus viajes. La vida de Isabella esconde un terrible secreto y mientras no se revela el espectáculo transcurre por casi todos los principales acontecimientos del siglo XX: de la Primera y Segunda Guerra Mundial, Hiroshima y el colonialismo, pasando por el desarrollo del arte contemporáneo con Joyce, Picasso y Huelsenbeck, los viajes a la luna y Ziggy Stardust de David Bowie. La presentación de los objetos rituales de diferentes culturas es un repaso por las emociones más básicas del ser humano: sexualidad, muerte, divinidad. En el aspecto musical no dudé en comprar un CD con la banda sonora del espectáculo en la que sobresale el tema “Song for Budhanton” compuesto y cantado por Hans Pether Dahl y el resto de la compañía. Un espectáculo extraordinario de dos horas sin interrupción que fue seguido y aplaudido con entusiasmo por el público asistente.
TADANORI YAMAGUCHI:SINTESIS EXTREMA
08 Marzo, 2009 19:10
Artículo publicado en las paginas de Cultura´s n º 350 4 de Marzo del 2009 en el periódico La Vanguardia de Barcelona
Tadanori Yamaguchi(1970) nos muestra en LA GALERIA unas pesadas esculturas de granito negro, seis polígonos irregulares junto a veinticinco piezas ligeras de papel. En la exposición, la densa oscuridad del granito y el blanco del papel crean un evidente contraste entre fortaleza y fragilidad, entre la opacidad mineral y la luz. Las esculturas de ángulos irregulares son formas bellas, de gran armonía pero inquietan por el desorden asimétrico de sus aristas.
Para la mirada occidental, la belleza se manifiesta en el orden, la regularidad, la búsqueda de coherencia, pero la cultura japonesa es dada a los contrastes, a las paradojas de lo insólito, a lo desigual. La casa del té es la morada de la asimetría y del vacío, cobija las síntesis de opuestos: si la tetera es redonda, el recipiente para el agua será angular, la severa geometría del espacio, siempre incorporará algún elemento natural ,desequilibrante e imperfecto. T. Yamaguchi confirmó su gusto por estos contrastes en la exposición “Blanco y Negro”(2008) en la Galería Guillermina Caicoya de Oviedo, y también cuando transformó el espacio de la capilla barroca de la Trinidad de Gijón del Museo Barjola (2007) acercando el suelo al espectador , obligándole a dirigir su mirada hacia lo cercano, pues su filosofía le dice que el camino verdadero esta bajo los pies y no en la lejanía celeste.
Todas estas dualidades estéticas producen una perturbación, una tensión positiva similar a la que se encuentra en los enigmáticos fragmentos de Heráclito , para quien : “la armonía del mundo en orden es una armonía de tensiones contrarias igual a la del arco y su cuerda”.Yamaguchi tiene un programa de trabajo que en obras anteriores ha llamado: “existencias sin forma” , un estado abstracto, amorfo, previo a la definición concreta del objeto, unas pre-formas que no son visibles, pero si captables a través de otros sentidos como cuando el viento da en el rostro.
Buscando una nueva dualidad me he permitido ir más allá de la presencia ensimismada , silenciosa de estas esculturas y en una de las obras expuestas, llamada “Diamante Negro”(2008) , he reconocido similitudes con el misterioso polígono irregular del célebre grabado de Dürer sobre La Melancolía (1514). En él hay un ángel sentado en medio de muchas herramientas que aluden a la actividad y a la creación, pero no hace nada, tan sólo tiene la mano en la mejilla. Yamaguchi , ¿sin saberlo?, despereza al ángel melancólico y Saturnal de Dürer , le hace dar cuenta que frente a su innata tendencia a la vaguedad nihilista y a la ausencia, se encuentra una energía activa que debe manifestarse, una forma poligonal irregular que ha sido tallada con el esfuerzo de alguien y eso supone una nueva visión integradora entre la melancolía quietista de Saturno y la actividad energética de Júpiter, un nuevo encuentro de contrarios en una síntesis extrema.
FERRAN GIMENEZ:OBRA PARALACTICA
09 Marzo, 2009 18:44
Ferran
Giménez ha escogido un título complejo , pero acertado, para nombrar la exposición que actualmente está realizando en
la Escola Massana de Barcelona: PARAL.LAXI. Como le debe suceder al lector de
esta crónica, cuando leí la palabra, empecé a hacer todo tipo de especulaciones
interpretativas. Algunas equivocadas , otras iban por buen camino. Sabiendo de
su afección a la geometría empecé a
pensar en el paralex de ingenieros y
arquitectos, esa herramienta que
utilizaban antes de la revolución digital y que sirve para trazar líneas
paralelas horizontales, apoyando en él la escuadra o el cartabón o para trazar
líneas paralelas verticales con múltiples grados de inclinación. También pensé
en la preocupación que los fotógrafos tienen por el paralaje cuando retratan
edificios o los límites de un paisaje,
buscando otras referencias incluso fui a parar a la astronomía y encontré que es un ángulo formado por dos
rectas que se unen en el centro de un
astro, una con un punto de la superficie de la tierra y el otro con un punto
cualquiera, etc, etc, algo así como dos puntos de esas líneas paralelas que se
juntan en el infinito.
Esta
primera incursión en el nombre nos indica varias cosas: la primera,la del interés de este artista por la ciencia a
través del rigor geométrico, las leyes ópticas e incluso la astronomía. Ante
esto, uno que es de letras, lo único que puede hacer es i r a lo suyo y deducir
que en esas definiciones sobre lo paraláctico lo que domina es un doble punto
de vista sobre las cosas y el deseo de una unión en el infinito, pero sobre todo, lo que me gusta es la raíz
griega de la palabra paral.laxi que quiere decir literalmente :cambio.
Ferran
Giménez inicia un cambio radical en su vida y tras un paréntesis profesional
que le llevó a dejar los pinceles por lo impreso, ahora, recupera su origen y
vuelve a pintar. Bueno, pintar no es la palabra más adecuada para unas obras
fotográficas, pero el trasfondo de su trabajo continúa siendo el mismo que
cuando utilizaba los pinceles, es decir: preocupación por los espacios
estructurales de la superficie, colores extraordinariamente escogidos de gamas
austeras, relevancia de los detalles, líneas perpendiculares, redes y mallas.
Su mirada
fotográfica la imprime digitalmente y la enmarca sobre bastidores gruesos, unas impresiones de gran detalle
ante las que el espectador duda “paralaxicamente” si se encuentra ante una
fotografía o no. La sensación ambigua despierta en el espectador recelos que
quiere contestar rápidamente, y puede pensar que hay manipulación digital, pero
no, aquí no hay más que fotografía. Paral.laxi sirve tanto para definir su
sistema de trabajo como para el tema escogido que, a mi modo de ver, no es otro
que el cambio.
El cambio,
el desplazamiento continuo que se encuentra en la raiz de la palabra griega no
lo constato solo en su recorrido personal, sino también en los sujetos inmóviles que Ferrán Gimenez ha escogido para
sus fotografías. Como un reportero bélico, este artista busca, entra, a veces
con peligro de su integridad física en arquitecturas derruidas, edificios,
solares próximos a su estudio en Sants.
Su fotografía se nutre de los cambios incesantes, de la destrucción que
aniquila su barrio y con él, parte de su biografía y de sus recuerdos.
13 Marzo, 2009 18:25
Everlastin Love 244x244x244.Proyecto virtual a realizado en la Galería Carles Tache.
El paseante puede ver en Barcelona cuatro exposiciones en las que el dibujo recupera el terreno que le pertenece: Antony Williams en Artur Ramón, Lluis Lleó en Raiña Lupa, Jack Balas en Ego y Juan Carlos Bracho en la Galería Carles Taché . Todos ellos, de modos muy diferentes, demuestran la vigencia de un medio muy eficaz para experimentar y comprender la realidad.
El dibujo es un sistema de pensamiento mágico , necesita silencio y constancia para que se produzca la taumaturgia que transforma lo real en imagen, eso se produce en una atmósfera de extraña concentración y con una atención majestuosa. Viollet-Le-Duc en 1879 utilizó la expresión latina: “Nulla dies sine linea” y con ese lema estaba definiendo la segunda condición del dibujante, aquella que le exige un esfuerzo diario y permanente.
J.C. Bracho(1970) tiene predilección por las estructuras constructivas, por el espacio y los muros. Ya lo había demostrado en trabajos anteriores: Hangar, “Double Team”, en sus dibujos para una sala rectangular del 2003 o en sus “Quantum Continuum”.
Ahora , con el título general de “Magnificent Obsession” presenta sus dibujos sobre grandes superficies murales , paredes maestras o muros exentos sobre los que interviene con un instrumento minúsculo: el lápiz de grafito de diversas durezas “hb”, o de colores luminosos escogidos al azar. De modo minucioso, va realizando ritmos oscilantes que en ocasiones parecen registros sismográficos en un papel , latidos de un corazón o paisajes.
Cuando parece que
con el dibujo ya sería suficiente y que el muro está acabado después de horas
de intervención laboriosa, Bracho da un paso más y registra su intervención
dibujística a través de la fotografía. El dibujo en el muro desaparecerá
cubierto por pintura blanca y en su lugar queda una fotografía idéntica al
original y eso es lo que expone en una serie de
grandes formatos C/Print sobre
soporte de aluminio.
Cuando el paseante
mira sus dibujos de cerca, se encuentra con la superficie resbaladiza,
casi cristalina de la textura fotográfica,
no hay ningún rastro material del característico polvillo del grafito,
la “pulchritudo” domina en todas ellas y
ya se sabe que eso es sinónimo de
orden y belleza.
Bracho entierra
definitivamente la dualidad estéril mantenida por los ortodoxos de ambos
medios, para los que la fotografía y el dibujo nada tienen en común.
Incluso se atreve a negar a Nam June
Paik cuando decía que el tubo catódico vendría a sustituir a la tela y demuestra, con un video de cuatro horas y
diecinueve minutos, en el que se le puede ver trabajando, que eso no ha sido
así.
Culmina el recorrido con una obra realizada en el mismo
espacio de la galería una maqueta 1:1 para una escultura que es un gran cubo de
244x244x244 absolutamente dibujado en su
superficie. Este sólido platónico, cósmico y perfecto de caras regulares se
llama : “Everlasting Love”, una la alusión
al amor eterno a propósito de un humilde hexaedro regular.
MURAKAMI ´ S
21 Marzo, 2009 19:28
TAKASHI
En cierta ocasión, estaba viendo un reportaje de la “2” y descubrí la pesca con cormoranes en China. Los pescadores colocan a los amaestrados y resignados pájaros sobre una tabla que flota sobre las aguas del río, dan pequeños saltitos balanceando la “embarcación” mientras cantan una canción. El cormorán se lanza al agua y va sacando peces en su pico, el pescador los recoge y de vez en cuando les da a comer uno de ellos. La ceremonia me llamó la atención pero aun más, el hecho de que todos los que se dedican a este antiquísimo oficio pescador se llaman: WANG.
En Japón,
actualmente, llamarse MURAKAMI es sinónimo de creatividad. Ryu Murakami (1952)
es director de cine y escritor, Haruki Murakami (1949) es escritor y Takashi Murakami(1963) es artista plástico y
muchas cosas más. En los tres los dos “kanjis” que corresponden a su apellido
tienen el sentido de “pueblo y arriba”. Etimológicamente se podría decir que
los tres llevan inscritos en su apellido su deriva hacia lo popular, hacia lo Pop.
El martes pasado a
las siete de la tarde, una gran cola de dragón daba varias vueltas alrededor de
la biblioteca Jaume Fuster en la plaza de Lesseps. El motivo era una
conversación pública entre Haruki Murakami e Isabel Coixet (Madame Wasabi).
Fui sobrado de tiempo,
con la idea de que sería un encuentro íntimo entre los dos creadores y algunos
amigos más porque me habían dicho que este escritor, protegía su intimidad de modo casi patológico
que era raro verle en fiestas, que no recibía premios, que no daba
conferencias, ni charlas, ni firmaba
libros. Que prácticamente no concedía entrevistas, ni dejaba que lo
fotografiaran, por todo eso pensé que estaríamos solos. No fue así.
Una multitud de lectores y fans del escritor se habían
presentado de la cita y finalmente no pude entrar, a pesar de ir con amigos de
Isabel Coixet y haber cenado con ella hacía una semana. Marché decepcionado,
algo cabizbajo pero pronto encontré remedio. Empecé a pensar en este “post”
para dar cauce a mi frustración, con regusto de venganza y me di cuenta que
bueno, no era para tanto, que en realidad el Japón que representa Murakami no
es el Japón que me interesa y que aunque parece ser que su abuelo era monje
budista , él ya no era otra cosa que hijo de la ocupación americana tras la
guerra y que lo suyo no era el “Wabi-Sabi”, sino los discos de jazz y su
bar "Peter Cat " en Tokio. Que
lo que le gusta es vivir en Europa.Con su literatura post-posmoderna pop ,
humorística y algo surrealista da
“cancha” al “Manga” popero, y a todos aquellos que en lugar de decir japoneses,
dicen de un modo snob “japos”.
Me sorprende la fascinación que algunos japoneses tiene por
los americanos que no son otra cosa que los verdugos de su tradición y cultura,
me sorprende que Art Blakey & the Jazz Messengers cumplieran su propósito evangelizador cuando Murakami
tenía dieciséis años y sus padres le regalaron una entrada para un
concierto por su cumpleaños. Fue entonces
cuando USA se presentó ante él con todo
su esplendor. Desde entonces, no me sorprende que se dedique a traducir autores americanos al japonés como
F. Scott Fitzgerald, Raymond Carver o John Irving. Que le guste el béisbol o
que uno de sus libros favoritos sea “La
traición de Rita Hayworth” de Manuel Puig. Que le encanten las series de
televisión, las películas de terror, las novelas de detectives, la ropa de
sport, las canciones pop y que busque la complacencia de los lectores.Pero lo
peor es que en lugar de pasear junto a un templo rodeado de musgo, prefiera
correr un triatlon.
Takashi
Murakami es el más versátil de los tres, toca varios palos, pero como sucede
con su “tocayo” está fascinado por lo
“popy” de la cultura americana y los nuevos medios. Su estética es la de un
niño cibernético rodeado de dulces y empalagosas chucherías.
Sus esculturas
o mejor sus figurines tienen la amabilidad de un muñeco de peluche carnívoro
dispuesto a darte un “bocao” en cualquier momento. El cómic y la cultura del anime y el manga,
dominan todas sus historias y son un buen reflejo de en que lugar se encuentra
la moderna vida japonesa. Por si fuera poco , a este Nipon, le gustan las
setas y “Smooth Nightmare" , con
sus hongos Murakami alude a temas de la
cultura underground y psicodélica.
Buscando un estilo
no contaminado por las influencias esteticas del arte contemporáneo occidental se ha inventado un modelo de
gestión y producción como si se tratara de un reloj “Casio”.Asi la firma de
Murakami produce: figuras de vinilo, juguetes de peluche, llaveros, camisetas,
carteles, y todo tipo de contaminaciones
estéticas. Su estilo se llama “Superflat”, se caracteriza por colores planos e
imágenes gráficas, con un estilo de carácter derivados de anime y manga. Superflat es un estilo artístico que surge
del estilo de vida y la subcultura Otaku, basados en el consumismo y el
fetichismo sexual. Murakami acepta que el arte y el comercio se mezclen, y se
extraña de que en Occidente exista una rígida y pretenciosa jerarquía entre "gran arte" y “arte
menor”. He leído que en mayo de 2008, "Mi Solitario Cowboy" (1998),
una escultura de un niño masturbándose, se vendió por $ 15,2 millones en una
subasta de Sotheby's.
Este Murakami
artista, dinamita la tradición, arrasa con los valores seculares y confirma la
“empanadilla” japonesa contemporánea, en la que los jóvenes quieren redondear
sus oblicuos ojos y tener pechos y penes inverosímiles y es que no puede ser
bueno pasar de la edad media a Warhol, Oldenburg o Lichtenstein sin que se te
atragante el sushi.
BAYRLE.MEIRELES.RABASCALL:LA
INTELIGENCIA FORMAL EN EL MACBA
22 Marzo, 2009 19:22
La triple
exposición de Thomas Bayrle , Joan Rabascall
y Cildo Meireles que se está llevando a cabo en el MACBA es una buena
ocasión para profundizar en una cuestión que nunca pierde actualidad, me
refiero a la antigua querella entre conceptos y formas.
La batalla más
reciente de esta “querella” se produjo hace un par de años en la ciudad alemana
de Kassel , cuando en la doceava edición
de la Documenta, Robert Buergel escogió a Ferrán Adrià como representante del
arte español. Artistas y crítica
ardieron de ira por esta elección
y para más "inri", el comisario
argumentó que Ferran Adrià generaba celos porque: " no hay nadie en
España, de esa generación, que se le pueda comparar con su nivel de
inteligencia formal."
La expresión Inteligencia Formal despertó muchos recelos y
antiguos agravios, pero , milagrosamente, la historia equilibró la balanza
con la elección de Ignasi Aballi como
representante español en la Bienal de Venecia, eso supuso un triunfo de la
inteligencia conceptual que ,como sabemos ,ha hecho de la documentación,
la reflexión , el archivismo y la imagen
sus principales herramientas .
Es muy conocida la expresión de Baudelaire de
que cada tiempo tiene su gesto, su sonrisa y su mirada. La concordancia entre
los artistas, críticos o pensadores con la época que les ha tocado vivir es uno
de los fenómenos más inquietantes de la cultura moderna. Todos estamos sujetos
a la caducidad que imponen las modas y tendencias en el arte contemporáneo. Debido a ello hemos
tenido que soportar soporíferas sesiones
escogidas por la crítica moderna en las que la obra más interesante, era en un documento fílmico que recogía como un palestino cruzaba el paso
de Erez en Gaza para regresar luego a su domicilio, por ejemplo.
Ahora, por el vaivén de las circunstancias, hasta los
críticos más reacios a considerar el poder de la forma, los surgidos del
antiguo círculo de Santa Mónica que les
sentó como una patada en las ingles la elección de Adriá, ya no están en guerra
y han hecho críticas respetuosas hacia la triple exposición que ha propuesto el
actual director del MACBA Bartomeu Marí. Estas muestras son el reconocimiento de que en el arte, la
FORMA Y LO INTELIGIBLE deben ir de la
mano siempre.
El equilibrio entre medios y fines, entre el tema y el
sistema de ejecución de la idea, nunca debe perderse. La obra contemporánea
debe mantener el “musterion” griego, el enigma que permite una interpretación afectiva y respetuosa. Para
ello, el concepto no es aislable de su producción material, se manifiesta en el
acto de la realización, es decir en el momento de su epifanía, de su aparición,
el momento sublime en el que la sagrada forma aparece con su poder, la debemos
celebrar como un éxtasis estético.
ARTE Y TRANSFORMACIÓN
09 Abril, 2009 07:42
Artículo Publicado en el suplemento Cultura´s de La Vanguardia Nº 354 1 de Abril 2009
Cuando el poeta H. W. von Kleist y Henriette Vogel se suicidaron el 21 de noviembre de 1811 en un pinar, junto a un lago cerca de Postdam, se pusieron los cimientos del arte contemporáneo.
Se inauguraba un modo
de entender el arte que nada tenía que ver con el pasado. Nunca nadie, hasta la
llegada a la escena del movimiento romántico, había convertido la desdicha y la
desgracia individual en motores del arte. No fue un momento, ni un episodio,
fue la apertura hacia el sentimiento interior, la lamentación y la melancolía.
De ese baúl recién abierto por los dos amantes, salió lo más doloroso de la
condición humana y, desde entonces, no puede existir la noción de arte sin que
aparezcan los conflictos en torno al conocimiento de todo lo que nos perturba:
la identidad, el cuerpo, la forma, el amor o la muerte. Desde hace 200 años hemos oído hablar de
esteticismo y decadentismo en el siglo XIX, de pesimismo existencialista en el
XX, de la crítica freudiana que pronunció su profecía sobre el malestar y las
pulsiones íntimas, hemos atendido a los corrosivos augurios nihilistas de
Cioran. Más recientemente, Harald Szeeman, en la Fundació Miró (2004), propuso
el dilema: La belleza del fracaso... el fracaso de la belleza,muestra en la que
hizo fortuna la frase del artista croata Jokanovic: "Si buscas el infierno
pregunta al artista dónde está...".
En estos últimos
años, se ha llegado al cenit del progreso postindustrial, a la cima de la
complejidad conceptual y, sin embargo, casi sin darnos cuenta, la revolución
cibernética convive con el dolor y la crisis; hoy, ya no se habla de la tan
anunciada muerte del arte, sino de la muerte en el arte. Es indudable que los
artistas son seres lúcidos que de un modo privilegiado captan los sutiles
indicios del malestar, tal como se afirma en un momento de la película de
Scorsese sobre el genio de Minnesota: "La poesía de Bob Dylan nace de una
dolorosa conciencia de la tragedia que subyace en la condición humana contemporánea".
Cuando el arte se
emancipó de su función mimética o ideológica, los artistas encontraron su
auténtica naturaleza, se recuperó la figura del artista tal como había sido en
el principio, es decir, como alguien que poseía claves sobre la existencia y un
extraño poder. Desde las lejanas acciones dadaístas de Duchamp pasando por las
performances del grupo Fluxus o por Joseph Beuys, nos hemos encontrado con unos
modelos de artistas que la crítica de arte no ha dudado en calificar de
chamánicos y ha empezado a plantearse que estaba ante un fenómeno nuevo que no
aceptaba las sofisticadas estrategias del pensamiento lógico.
Las obras de Antoni
Tàpies, Evru y Gabriel, aun siendo muy diferentes entre ellas, poseen la
intuición como valor, un instinto que actúa siempre sobre algo que les sucede y
nos afecta. Un don augural que periódicamente los lleva a exponer al mundo sus
hallazgos sobre cualquier aspecto de la vida que invocan con nombres, palabras
y gestos formales enigmáticos, ejecutados con precisión. El arte contemporáneo
se funda sobre el dolor, pero, a su vez, posee el antídoto eficaz que se
encuentra en su propia práctica, augura renovación y felicidad.
Hay algo común a los tres citadosy es que ninguno de ellos discrimina ente la inteligencia formal y la inteligencia conceptual,ahí se encuentra parte del remedio de sus obras, porque han sabido encontrar la expresión correcta, una concordancia exacta entre instrumento y fin que multiplica el efecto, además conocen la manera adecuada de hacer inmanente lo trascendente. Sus caminos no se detienen en la mera contemplación quietista, sino en un modo de vivir esforzado, austero, que les permite una actividad constante para hacer visibles sus intuiciones. El artista hace, resuelve, toma decisiones, yeso le da fuerza para resistir.
En el caso de Tàpies su palabra plástica, su intuición creativa, confirman la ilusión que ha tenido siempre: ser útil a la sociedad y a las personas. Tàpies, con su actitud y con su obra, nos ofrece señales que, si se saben interpretar, se convierten en guías ejemplares de comportamiento. El esfuerzo y la voluntad es algo común a los buenos artistas, pero es especialmente relevante en alguien que a su edad manifiesta una vitalidad constante, la voluntad de continuar en el camino como el que tiene algo que quiere compartir o una misión que cumplir. Tàpies reconoce que quiere hacer un arte útil en una etapa de su vida en la que él mismo dice que "está desnudo de prejuicios y con más ilusión que nunca" y que "nunca se ha sentido tan libre". En este estado de necesidad, aparece el artista como alguien capaz de actuar sobre la realidad, capaz de cambiarla y ser útil, capaz de transformar y transformarse, y por qué no, incluso de curar.
Evru, con sus tres mutaciones en vida, Porta / Zush / Evru, se ha propuesto algo así y nos anuncia desde su instalación interactiva en la Fundació Suñol (2009) que el arte "te cura". El escultor Gabriel, por su parte, va más allá del pensamiento dominador de la razón de especie; la publicación de su libro Ultra la forma autárquica (2003) fue un hito en el que demostró que hay que superar el significado convencional del arte, más allá del pensamiento común, buscando siempre efectos y transformaciones profundas. La vigilia y la concentración son estados previos a la creación, una liturgia personal que les permite una máxima y atenta concentración que también aplican a su modo de vivir. Tàpies, el mayor de los tres, vuelve a ser útil, vuelve a ser un modelo y nos enseña que, con la misma actitud de naturalidad que tenemos ante la aparición de una nueva vida, debemos celebrar su inevitable ausencia, que todo es efímero y que es posible la transformación a través del arte.
ESTER PARTEGÀS:EL EFECTO REBABA
04 Mayo, 2009 11:29
Artículo publicado el 29 de Abril 2009 en el Nº 358 de Cultura´s de LaVanguardia de Barcelona.
Un austero cartón gris oscuro en el que tan solo aparece la palabra:”Rebaba”, el nombre de la artista, y poca cosa más, anuncia una nueva presencia en Barcelona de Ester Partegàs (1972)
La economía estética en la tarjeta de presentación domina en toda la exposición.Vemos una nueva versión de su escultura árbol Eclipse del 2007, que empezó siendo de color y ahora está carbonizado y del que penden unas bolsitas de té usadas. Una estructura de madera enmarca y delimita el espacio en una de las esquinas de la galería, formada por una video- instalación y unos metacrilatos pintados. Todo confirma que Ester Partegàs, nos vuelve a proponer unas cuestiones que ya aparecen en obras anteriores como: “Yo Recuerdo” (2003) , “Civilisation is overrated”(2004) en las que mostró una clara preocupación hacia el exceso de consumo y la Fisura que hemos creado entre naturaleza y artificio.
Al lector, le puede sorprender la contradicción de que Partegás ,queriendo hacer una exaltación de la naturaleza, utilice para su trabajo, los materiales más emblemáticos de la sociedad industrial, los más contaminantes : vinilos , acetatos , polyestirenos, esmaltes ,sprays, pigmentos de impresoras o metacrilatos. Pero aquí, reside la propuesta de la artista que nos propone que aceptemos la contradicción en la que vivimos: por un lado, el reconocimiento de esa Fisura que nos separa dramáticamente del entorno que maltratamos y por otro, la urgencia de valorar los residuos que genera la vida cotidiana , los excedentes de todo lo que necesitamos para vivir.
Para salvar esta contradicción, nos propone que junto a la revisión del modo en que vivimos, aceptemos aquello que nos perturba y le demos un valor; debemos otorgar categoría estética a todo lo que poluciona y oscurece nuestra vida y ello crea el efecto Rebaba.
La Rebaba alude a algo que ha sido valioso y que después se mezcla con otras cosas que, aparentemente no lo son. Así, crean Rebabas la madera al cortarla, los ladrillos al adherirlos o el oro de los orfebres al limarlos, son los restos, que hay que filtrar, depurar para recogerlos y volverlos a utilizar. Esa es la estética de la Rebaba, la belleza que se encuentra en los colores de los residuos pintados con rojos, negros y azules sobre metacrilato, o en una charca putrefacta en la que se refleja una paloma al vuelo, (vídeo Fantasma 2009).
Ester
Partegàs demuestra la infinidad de
objetos superfluos que se imponen sobre lo necesario. Con nuestra impertinente
ambición de conquistadores urbanos , despreciamos los valores de lo menor, de
lo sencillo y próximo. No nos damos cuenta,
de que en el horror que hemos producido, en lo pobre ,quedan destellos
de belleza ejemplar, como cuando
alguien confecciona un vestido con los
restos de las ropas de los cadáveres que se queman en el Ganges, cerca de donde
bueyes y personas, liban con agua turbia sus cuerpos y sus almas.
CHEMA COBO : LA DESAPARICION DEL COLOR
Mayo, 2009 20:43
Artículo publicado en el suplemento Cultura´s de La Vanguardia.Nº 360 13 Mayo 2009
El MNCRS revisará , de junio a septiembre de este mismo año, el movimiento pictórico de la Nueva Figuración de los años ochenta con una exposición comisariada por el crítico Quico Rivas con el polémico titulo de “Los Esquizos”: Alcolea, Franco, Pérez Villalta, Pérez Mínguez ,Quejido, Martín Begué, Molero , Albacete , Gordillo y Chema Cobo. Este título alude al mote que les pusieron los artistas abstractos del grupo Trama (Broto,Grau,Tena,Rubio) en Barcelona. Ambos grupos leían el “Tel Quel” y apostaban por la pintura; los de Madrid con un peculiar uso de imágenes eclécticas , la pincelada abierta y el color; los de Barcelona con la austeridad abstracta de un monje franciscano, la ideológia de un maoísta y la seriedad de un psicoanalista. Por cierto que Trama también tienen pendiente un reconocimiento institucional.
El gaditano
Chema Cobo, se encontraba entre los principales representantes de ese Madrid
neo-figurativo, sus cuadros eran un puro
manifiesto pictórico de la movida culta y
posmoderna. Desde entonces su obra se ha caracterizado por los planos
superpuestos, el zig-zag,los laberintos, espejos, senderos, objetos convertidos
en palabras de un lenguaje jeroglífico y
colores acrílicos e intensos.
Ahora,
expone una serie de obras dominadas por una decoloración absoluta, en la que la
pintura o mejor dicho el color postula
su desaparición. No como género pues la pintura sigue muy viva, sino que en
estos cuadros, el color se ha hecho “duchampianamente” infra-leve como el polvo
o el vapor y se ha convertido en grisalla con diferentes tonos de gris, blanco
y negro.
El uso del óleo crea una atmósfera de ligereza y misterio en el que las pinceladas parecen recoger el temblor de algo que esta aconteciendo. Su obra ha derivado hacia un esencialismo pictórico que lo aproxima al sueño abstracto o a la bruma. Se ha constatado un progresivo despojamiento de la acumulación barroco-manierista que ya se intuía en algunas obras de exposiciones anteriores, para derivar a unas imágenes concretas , absolutas que ocupan la totalidad de la tela y casi siempre enfatizan el re-encuadre poniendo un sutil límite a la imagen, justo antes de llegar al final de la superficie de la tela, tal como sucede con el cuadro “The Doors of Heaven”, 200 x 250 cm. (Arco2009)el perímetro, el reencuadre convierte la imagen en una mención fotográfica, ese margen blanquecino también es pintura al óleo y la re-enmarca, alude al tiempo, al sueño o al recuerdo.
Cobo trata en este cuadro, uno de los grandes iconos de lo que fue la Nueva Pintura Posmoderna. Me refiero al conocido fresco del Manierista Giulio Romano en el “Palazzo del Tè” y en el que se ve el derrumbe de las columnas de un templo que se interpretó en los “ochenta”, como el tránsito de la seguridad y certidumbre de las ideologías fuertes a una etapa nueva hecha de movilidad , cambio y alegría. Este tema vuelve hoy a la palestra, ahora ya no hay diversión, sino una nueva premonición del momento actual, augurando zozobras y temores: el color ha desaparecido.
RAMON HERREROS: STUPOR MUNDI
27 Mayo, 2009 10:5
La última exposición de Ramón Herreros se llama:”El encaje de los tiempos”. Una vez más, ha hecho honor a su derecho de artista, es decir, a la capacidad de buscar y encontrar, de equivocarse o seguir.
En esta exposición ha ido aún más allá de lo que nadie podía imaginar; ha reconciliado dos tiempos, el primero que todo el mundo recuerda con nostalgia y alabanza, dominado por una abstracción poética y geometrizante de hace dieciséis años, y el segundo, en la que la figura del árbol y la mujer se convierten en arquetipos simbólicos. El pintor ha hecho un largo periplo en el que partiendo de la abstracción, ha derivado a la figuración, apelando al derecho del artista a hacer lo que le da la gana. Ahora, Ramón Herreros ha encajado tiempos en el momento conveniente y ha vuelto a crear un “stupor mundi”. Nos ha vuelto a sorprender.
La expresión “ estupor del mundo” es una expresión que se utiliza para nombrar al emperador Federico II Hohenstaufen (1194-1250) personaje de carácter excéntrico, heterodoxo y extraordinariamente culto para su época.
La fascinación de
Ramón Herreros por este personaje le llevó a visitar su tumba en Palermo y
dedicarle una de sus obras de la antigua época y también de la nueva que se
llama Jesi (1993-2009) y que aquí reproducimos. La citación culta no extraña en
este artista que no limita sus intereses intelectuales a la pintura, como a
demostrado a través de la edición de la revista Arc Voltaic y que siempre ha
estado rodeado de amigos cultos que celebran, se interesan o cuestionan sus
hallazgos.
En la actual
exposición nos muestra nueve obras, en las que la mujer-modelo comparte el
espacio con formas-modelo. Un reencuentro en el que la síntesis permite ver a
la figura como abstracción y a la abstracción como figura. En ambos casos nos
encontramos ante modelos. La mujer está aquí posando en lo que podría llamarse
“arquetipos posicionales” es decir una forma de recogerse sobre sí misma en
cuclillas o en mirar hacia el suelo de modo ensimismado, en inclinar
melancólicamente la cabeza, en tocarse un pie o en acariciarse el pelo. Estas
mujeres calladas son tan herméticas como las propias formas abstractas que las
acompañan. Este momento de síntesis, es el auténtico encuentro entre figura y
forma. Entre forma y símbolo. Este artista ha convertido a la mujer en una
portadora de secretos y silencios, la ha convertido en la depositaría de un
secreto que a través de una reservada “anunciación” conoce algo que no revela.
Algo que se guarda y calla. Con igual
reverencia, representa dos octógonos
irregulares unidos en uno de sus vértices de un azul magnífico. Los
perfiles crean límites precisos y diáfanos, los colores bien escogidos crean
belleza y una luminosidad extraordinaria para tratar, tanto en la figura como
en la abstracción, temas muy oscuros de alta significación simbólica.
Ramón Herreros hizo
una exposición en la René Metrás 2008 de
la que ya he hecho referencia en ese año , pero ahora quiero recuperar ese
texto pues considero que ambas exposiciones se dirigen con el mismo rumbo a un
lugar que a través de ocho cuadros nos lleva
al LUGAR DE LA FELIZ LLEGADA. Como se puede suponer, de inmediato, ese título
me llevó a pensar en el reposo, en el encuentro con la felicidad última, el
regreso a un lugar celeste y definitivo y sobre todo en LOS CAMBIOS. En un
magnífico texto de tono personal y reflexivo, Ramón Herreros reconocía que el estado anímico que los había
generado, no era un estado de alegría sino que, reconocía que : " está mucho más cerca de una reflexión
sobre la muerte. La muerte como misterio último, no dramática, más bien serena
y conectada con un desconocido intuido de un modo esperanzado" El título
alude a la traducción del término griego Eleusis, como: El lugar de la feliz
llegada".
Ramón Herreros ha
cogido el lado femenino del misterio Eleusino, y ha hecho aparecer unos cuerpos
de mujer junto a elementos diversos que dialogan con la figura y que según el
mismo artista reconoce, contienen misterios estremecedores que le han hecho
cambiar la comprensión de muchas cosas. La mujer aparece aquí, como en la
ciudad de Silvia de José Luis Guerin, como la portadora del secreto
inalcanzable.
Sobre Ramón Herreros
se han escrito muchos textos interesantes: Antoni Marí, Jorge Wagensberg,
Eugenio Trias y sobre todo los hermanos Felix
y Jordi Ibáñez Fanés. Cada uno de
ellos, a su manera, se han acercado a la obra de Ramón Herreros, pero entre
todos ellos por lo que tiene de alusión mistérica recuerdo lo que escribió Félix Ibáñez Fanés
sobre Ramón, cuando éste se encontraba en el apogeo de su etapa abstracta para
un catálogo de la Galería Alejandro Sales, en ese momento nadie dudaba de la
calidad y la belleza abstracta de la obra de Herreros y Félix escribió un
comentario magnífico frente a la tela
:"Le Lion Vert" en el Otoño de 1988.Un texto con clave literaria que acababa de un modo inesperado: Dos amigos se encuentran después de mucho
tiempo, pasean por la ciudad, un grupo de titiriteros danzan y bailan, de
repente uno de ellos se dirige a una mujer del grupo y le da dos fuertes
puñetazos, ante la sorpresa de todos, los espectadores y los dos amigos se van,
continúan su paseo y más tarde los vuelven a encontrar, comiendo en una
taberna, uno de los dos amigos, no puede evitar su rabia cuando vuelve a
encontrarse ante el autor de la agresión y sin poderlo evitar, señalándole con
el dedo amenazante, le pregunta: ¿Por qué le has pegado? A lo que el
titiritero, de un modo sorprendentemente culto, contesta: el entorno se mueve,
nosotros permanecemos quietos, ¿el que no nos movamos, el que continuemos
siendo los mismos, significa que es eso lo que queremos o es que, quizás, no
somos capaces de ser de otra manera? No tener respuesta para esta pregunta me
saca de quicio ¿y por eso has pegado a la mujer? El hombre se encogió de
hombros y dijo: "A veces me parece que
ella tiene la respuesta y no quiere dármela".
Esta terrible reflexión sobre el secreto que posee la mujer
sobre la naturaleza de la permanencia y el cambio cobró rabiosa actualidad,
cuando unos ocho años más tarde, hacia 1995 Ramón Herreros dio un giro
inesperado que sorprendió a todos los amigos
que asistimos a su estudio de Horta, a la nueva deriva de su acción
artística: la aparente sustitución de una gramática de formas abstractas, ya
asumidas totalmente por el artista, hacia una nueva figuración en la que las
claves simbólicas sustituían al poder de la forma fue una sorpresa mayúscula
para todos. Yo incluso pensé que era una broma inteligente. No era así, el
camino iniciado por Ramón Herreros era deliberado y honesto, aunque no fuera
del agrado de todos. El autor es soberano y decide en cada momento lo
conveniente.
He aquí el prodigio,
mientras la etapa abstracta generaba discursos crípticos, del hermano oscuro,
la nueva etapa aparentemente críptica descubría símbolos explícitos de
diccionario hermético del hermano claro. Entre ambos, el artista escribe en su
última exposición una imagen extraordinaria, dice: "Ahora yo también he
pasado a ser un espectador más de mi propia obra. Como les sucede a algunos
animales, para los que en un preciso instante sus hijos dejan de serlo y pasan
a convertirse en otros animales, así sucede con mi trabajo. Sin saber porqué en
determinado momento mis cuadros dejan de ser mis cuadros." La
extrañeza, la perplejidad ante la naturaleza de lo cambiante crea desasosiego y
un agobio invisible y falso, actúa sobre aquellos que creen que debiendo
cambiar no lo hacen. Creo que una de las claves del conocimiento consiste en
comprender la auténtica naturaleza del libro de los cambios y como estos se
producen de un modo suave e involuntario, se producen cuando debe ser, pasando
a ser espectadores de nuestros propios eventos y derivas.
EL CRITICO DE MODA
30 Junio, 2009 16:42
Uno de los
problemas más graves que afecta al arte contemporáneo es la tiranía epocal.
Quiero decir que cada época tiene sus artistas “DE MODA”, pero también sus
críticos de moda que deben aprovechar ,con
exceso de celo, la oportunidad que se les presenta. Los más despiertos
saben que es así y cuando aparece una
oportunidad definitiva, la aprovechan o miran de ubicarse en el mullido sillón
de alguna institución que los acoja como asesores o directivos.
Si no es así, pasan a una segunda división artística donde reposan los que no aprovecharon su oportunidad. Esta tiranía que se da cada diez años aproximadamente, es justa e injusta, como todo. Es justa, en el sentido en que los jóvenes críticos saben captar, con antenas privilegiadas, lo que le sucede a la sociedad en un momento determinado. Lo que acontece, lo que está en el aire. Frecuentan grupos de influencia, asisten a fiestas y aquelarres en donde se habla de unos y se ningunea a otros y sobre todo tiene la ilusión de que ellos podrán cambiar todo aquello que les parece. Son los “protas”. Y es injusta, porque el crítico que lo es por auténtico afecto al arte, tiene una curiosidad sobre la causa del arte que no caduca nunca. Eso le lleva a estar presente en todos los eventos que crea conveniente para seguir alimentando la llama.
En este sentido, creo que existen unos prejuicios en nuestro entorno que quema críticos y artistas con una inusitada combustibilidad. En el contexto anglosajón y más concreto norteamericano esto no es así. La crítica y la opinión se van considerando más y más con los años, solo es importante la calidad o el acierto de un comentario u otro.
Acercando el ascua a mi sardina, diré que yo también tuve mi década prodigiosa, mi edad de oro pero en el fondo, lo que pretendo es aproximarse al arte contemporáneo con la discreción del que no acepta esa dictadura epocal.
Para
acabar, no pondré nombres del mundo del
arte, sino de la música popular , de la música de mi época y diría que estoy
muy cerca de aquellos que como: Arthur
Russel, Daniel Johnston, Brian Eno, Jonathan Richman, Shannon Wright o John
Martyn no son tan conocidos como U2, pero su calidad, introspección musical y
acierto no necesita de espectaculares
golpes de bombo y platillo ,gustan a unos pocos y solo han caducado con su
muerte o su locura.
ORIOL VILAPUIG: ARTE Y ENSAYO
05 Junio, 2009 06:43
Artículo publicado en el suplemento Cultura´s de La
Vanguardia. Nº 363 .3 de Junio 2009
Oriol Vilapuig (1964) trabaja desde hace tiempo bajo la influencia filosófica de Michel de Montaigne y por ello ha titulado su actual exposición con el nombre de las famosas reflexiones de este filósofo escéptico: "Essais".
Los "ensayos" son aproximaciones
que permiten la equivocación, la experimentación ,el extravío y la duda. Esta
palabra alude al legítimo camino de búsquedas provisionales que lleva a cabo
este artista inquieto, también menciona al dibujo con lápiz o tinta que siempre
tienen algo de prueba circunstancial, de ensayo efímero.
La
contradicción, la duda, las tímidas afirmaciones y el escepticismo son algunos
de los valores de la obra y de la actitud de Montaigne, pero, también, son
cualidades de la obra de Oriol Vilapuig.
Su trazo
infantil le permite argumentar a favor de la espontaneidad frente al trazo
adiestrado de la mano adulta y ,tal como hacen los niños y Montaigne, puede
negar y afirmar a la vez: asumir todas las contradicciones. De mirada traviesa,
discreta y algo melancólica, Oriol, se mueve entre una aparente mente ingenua y
desinformada y la perspicacia del máximo refinamiento intelectual. En su
imaginario conviven Artaud con Catherine Zeta-Jones, Dreyer con Kafka o Búster
Keaton con Goethe.
Desde su posición
de artista se suma a aquellos que, como el diseñador Milton Glaser, creen que
dibujar es una manera de ejercer el pensamiento. Una especie de reflexión
activa situada en la punta del lápiz. (Drawing is thinking.2oo8)
Siempre he
mantenido y escrito que Oriol Vilapuig es radicalmente fenomenológico, que su
fe icónica le lleva a querer visualizarlo todo, incluso sus lecturas. Ilustra
la palabra con la imagen y trata con igual sensibilidad la letra como la imagen
y a través del ejercicio del oficio artístico obliga al espectador a ver y a
leer. La mirada culta y académica del espectador queda desarmada y se vuelve
dionisíaca e infantil, se llena de ímpetu, fuerza vital, arrebato impulsivo,
instintiva y algo orgiástica.
Con su mano, los
aforismos de Zürau de Kafka se convierten en unas líneas borrosas sobre fondo
negro. Un mapamundi perfectamente cartografiado esta garabateado con el
garabato vigoroso e instintivo de un niño. La imagen de un mártir cristiano es
revivida a la manera románica en el siglo XXI y recoge la idea de Tarkovski del
vínculo entre pasado y presente. La citación a Aby Warburg y su "Atlas
Mnemosyne", le permite coleccionar imágenes a manera de memoria cultural y
tal como hacía Warburg con su archivo general de imágenes, justifica vínculos,
establece asociaciones inverosímiles entre los dibujos que son muy diferentes
entre ellos.
Sea por Bergman o por Montaigne hay un pesimismo latente en su trabajo y en él, sobrevuela la noción de que no hay nada permanente, un elogio a la provisionalidad de todo aquello que consideramos como fijo e inamovible. Oriol Vilapuig utiliza la estrategia del pensamiento inconcluso, todo se mueve en su obra y sus dibujos tienen la categoría del óleo sobre lino pero con la modestia del que sabe que en el arte y en la vida todo es frágil: un ensayo perpetuo.
18 Junio, 2009 18:27
Ayer por la noche asistí a una boda anunciada.
Me encontré con Lourdes y me comentó que en el “Electric” se iba a celebrar un
evento secreto, una boda furtiva entre la música del grupo “aixonoéspanic” y el “reactable” ,ese ingenioso invento
lumínico-sonoro desarrollado por el grupo de tecnología musical de la UPF.
Cervecita en mano me dispuse a ser arrollado por la locomotora sónica que suma
el clarinete eléctrico de Victor Nubla, el bajo
ingenierizado de Albert Guitart y la bateria “a pelo” de Quicu Samsó.
Todo era una amalgama de música sintetizada, emociones eléctricas que
dialogaban con el aire percusivo y
analógico lanzado desde los parches de la batería y los címbalos de Q.S.
En
la primera parte, el invitado tuvo un claro protagonismo en el climax de
libertad e improvisación que suelen exigir los
músicos contemporáneos.
La Reactable es un instrumento musical electrónico, una especie de mesa redonda para celebrar una “Güija” sonica en la que el músico llevado por espíritus desconocidos mueve las fichas de diferentes tamaños por la superficie de la mesa iluminada. Marca trayectorias sobre el círculo y cada decisión de los espíritus convocados crea movimientos, genera sonidos y distorsiones muy sugerentes. En el entreacto una chica quería mirar lo que había tras el faldón que cubre la mesa, seguramente con el ánimo de descubrir la trampa, con la intención de demostrar que allí no había convocatoria de espíritus sino algún artilugio que era la causa de aquellos sonidos extraños.
El invento del Reactable lleva la firma de Sergi Jordà, Marcos Alonso, Günter Geiger y Martin Kaltenbrunner. En esta ocasión no pude saber quien era el interprete, supongo que Sergi Jordá que es uno de los miembros más activos del grupo Reactable, aunque, bien mirado, podían haber estado los cuatro o más porque este “instrumento” esta pensado para poder intervenir de modo colectivo.
El encuentro de un clarinete eléctrico con
una mesa de distorsión de sonidos, junto al bajo y la bateria creaban una atmósfera muy densa que añadido
al calor sofocante de la pequeña “sala” del Electric me hacían estar flotando
en una nube tóxica y feliz. De hecho fue la primera boda a la que asisto en la
que en lugar de comer y engordar, perdí unos gramos de peso por deshidratación.
Y eso es raro. ¡Viva los novios!
ACCNEO EN LOOP
18 Junio, 2009 21:44
De
las muchas referencias que se podrían poner del reciente festival Loop 2009 en Barcelona he escogido la
instalación ”deaf struggle” que realizó el grupo incívico ACCNEO en el espacio
SETBA. Se puede ver en www.accneo.com
.Allí tambien estan colgados los trabajos preparatorios en “La Fábrica”.
Podemos ver como crean las miniaturizaciones de los dos miembros del equipo,
unos personajes "virtuoreales" y
superincivics que aparecen en más de dieciocho micro videos colgados en
Youtube. Una sensibilidad mito-galáctica que los emparenta con la tradición
barcelonesa de los trabajos del v ideo
artista Joan Pueyo o del celebrado Marcel.li Antunez.
CÔCLEA X JB / S.T : RECORDANDO A JORDI BENITO
15 Julio, 2009 08:58
Al
atardecer la nave visiosónica Côcleaica
se encontraba asentada sobre un campo de tallos de cebada recién cortados. Si
se observaba con atención se podían ver, en medio de numerosos amigos y
conocidos, a dos de los seres que habitan ese singular artefacto: Clara
Garí y José Manuel Berenguer . Ellos
generan energía proteica por sus cuatros costados. Si alguien pretende seguir
sus pasos es imposible. La aceleración es máxima, sus actividades se superponen
las unas sobre las otras. Andan sobre nubes de electrones acústicos de máxima
potencia y eficacia. El caos y el orden se suceden en intervalos mínimos y son capaces de proponer un recuerdo a Jordi
Benito( X JB ) junto al inicio de su
XVII Festival de Música 13 ( S.T) una propuesta hipercosmopolita en medio del Empordà. Mientras, aun con luz ,
dos estelas de humo de avión dibujaban una X en el cielo.
El verano pasado, pude ver, en La Laboral de
Gijón, la obra-instalación de J.M.Berenguer llamada “Lucie”. Una nube de
pequeños destellos electrónicos que creaban una galaxia al alcance de la mano.
La primera inspiración para esta obra la
encontró en el Amazonas, donde pudo observar como las luciérnagas creaban un
maravilloso espectáculo lumínico-sonoro.(ver vídeo).
Creo que dentro de la cosmología creativa de
estos dos seres lo más próximo y lo más lejano coinciden en idéntico plano,
pero sobre todo, como sucede con “Lucie”, lo que hacen es tejer una maraña
hipermultiplicada donde infinidad de micro puntos acaban teniendo relación entre si formando una gran metáfora del todo.
Eso es Côclea.
Ese hipervínculo energizante y caracolado,
permitió, en una noche de privilegio, la coincidencia de personas haciendo
música, audiovisuales, danza, poesía y acciones, tales como: Olivia Silver,
Carles Hac Mor, Antoni Mercadé, Lluisa
Climent, Manel Guerrero, Teresa, Joan Pueyo, Agustí Fernandez, Mariona Sagarra,
Benet Rosell,Vicenç Viaplana, Rosa Queralt, Josep Parera, Vicenç Altaió i
Joaquim Pibernat o Francesca Llopis
entre otros compartiendo homenaje y plato de cena con total naturalidad. La música avanzada de
Agusti Fernandez, compartía lugar con un “blues” cantado “a capella” por Clara
Gari. Olivia tocaba por primera vez sus canciones en un piano de cola Steinway, cuando llegó
Evru estaba saliendo una luna esplendorosa. Y Joaquim Pibernat hacía el segundo
poema visual de toda su vida. Como se
leía en la web de Côclea, se trataba de participar de cualquier manera pero con
alguna excepción : ”Podeis participar con lo que se quiera La participación
está abierta a todos y a hacer cada cual lo que considere oportuno: danza,
performance, música, poesía, prosa, canto, vídeo, palabras…excepto con obra
plástica destinada a colgar en los muros o esculturas. Las aportaciones
plásticas deberán ceñirse a las posibilidades del libro blanco (se pueden
insertar dibujos, pinturas, textos, collages, partituras, etc.) “
Carles Hac Mor de
modo ingenioso y divertido, dio nuevamente en el clavo, cuando en su
intervención dijo que él mismo , había inventado unas acciones ficticias de JB
que sesudos universitarios citaban como ciertas y también que Jordi Benito, no
sabía nunca qué hacer: ¡que faig! Exclamaba a menudo. Y que esa era
precisamente su principal virtud. La negación de la intención lo convertía en
un ser imprevisible en materia artística.
Cuando marchábamos, tras dejar nuestro recuerdo en el libro blanco que quedará abierto durante el mes de Julio, me vinieron unas imágenes confusas a partir de las iniciales del acto: X JB. Estas siglas me sugerían varios enigmas en la misma X que habían dibujado los aviones en el cielo, en JB, ví las iniciales de Jordi Benito y una botella de whisky , también una señal masónica con el mismo nombre: JB, vi el efecto Stormbird X JB System de uso electro acústico para DJ´S de discotecas, aunque la cima de los guiños herméticos lo consiguió el cartel que anunciaba el festival de música. Una S, un corazón con cruz o con un T que podía entenderse como S.T., sin título, esa expresión que tanto gusta a los artistas o quizá una alusión críptica a los jesuitas que en el siglo XVI rivalizaban en poder hermético con los rosacruces. O una simple indicación de devoción mariana al Sagrado Corazón de Jesús ¿quién lo sabe? !
GALERIA
TONI TÀPIES.MANIOBRAS:ARTE Y MATERIA
18 Julio, 2009 16:57
Dead Star Michel de Broin Pilas, uretano y poliestireno 59 x 35 x 33 cm 2008
Artículo publicado en Cultura´s del periódico la Vanguardia de Barcelona
Nº
369 15 Julio 2009
La comisaria y crítica Natasha Hébert presenta en la Galería Toni Tàpies una selección de artistas canadienses o de adopción: el Grupo BGL, Catherine Bolduc,Michel de Broin, Jérome Fortín, Ed Pien y Jana Sterback. La muestra es un manifiesto a favor de la inteligencia formal en el arte y una apología poética del absurdo, una exaltación de lo imposible. Las obras expuestas son una buena muestra de la tendencia actual en el arte que reivindica la cualidad material, unas obras que imponen su condición física para elaborar misteriosos arte-factos.
Las Mani-obras de estos jóvenes artistas
nacidos en los años setenta, vienen a sustituir el afán gestor, documentalista
y archivero de la generación anterior que aun está presente en la Bienal de
Venecia de este año. Al artista archivista le ha salido alguien que le
construye, con destreza artesanal, un archivo de madera que es absurdo porque no
puede abrirse. Los materiales utilizados son
reciclados, sencillos sin pretensión de exceso ni lujo: papel, tinta,
unas pilas usadas, un enchufe, un árbol de vinilo, un ventilador, dos
fotografías y un DVD.
Cuando
el artista usa la mano, aparecen, inevitablemente, conceptos que parecían
repudiados u olvidados en las ultimas manifestaciones artísticas. La propia
comisaria ha escrito en su texto de presentación que estas obras son el
resultado de una acción física comprometida
que requieren los valores clásicos del arte: destreza, habilidad,
disciplina y concentración, a medio camino entre el concepto y el bricolaje.
En esta exposición domina la antigua querella entre Forma y Función. Se podría pensar que nos encontramos ante una recuperación del objeto dadaísta, pero aquí el elemento dominante, no es el concepto sino el objeto. Lo imposible y la crisis de función son evidentes en las obras del grupo BGL que presentan una fotografía en la que podemos ver el nombre de un barco misterioso “Nowhere 2”. En esta exposición, como indica el nombre del buque, hay obras que n os dan noticias de ninguna parte, de un lugar inexistente y real a la vez, en el que existe una bicicleta que echa humo, o una moto de gran cilindrada que va por la calzada impulsada por unos patinadores, unos altavoces de los que no salen sonidos, ni música solo aire; Jérome Fortín ha hecho dos cortometrajes que no son otra cosa que unas tiras fijas de papel reciclado, el armario perforado de Catherine Bolduc genera con sus puertas cerradas destellos lumínicos y ruidos tormentosos en su interior; aunque la contradicción máxima, el shock de sentido, se da en la obra de Michel de Broin, en la que el agua brota del interior de un enchufe de la pared, una paradoja extrema, una metáfora límite del conflicto y el riesgo al poner en relación agua y electricidad. Estos artistas se han puesto manos a la obra, porque saben, tal como afirmaba Bartomeu Marí, en la presentación de las nuevas incorporaciones a la colección del Macba, que no hay arte sin materia.
RALPH
BERNABEI Y LA GALERIA HORIZON EN COLERA
23 Julio, 2009 13:20
Ralph Bernabei expone su “Recent Work” en la Galería Horizon de Colera desde el 4 de julio al 30 de julio 2009.
Galeria d’Art Horizon Francesc Ribera 22 17496 Colera Girona T. 972.389.185 info@galeria-horizon.com
Desde
hace algunos años, me impongo, entre las tareas de mi veraneo Empordanés, la
visita a la Galería Horizon de Colera.
Horizon es un proyecto compartido entre una galerista belga Silvy
Wittevrongel y el artista nacido en
NuevaYork Ralph Bernabei. A dos horas de Barcelona y diez minutos de la
frontera francesa, en la población de Colera, que no se parece en nada a
Cadaqués, Ralph y Silvy han conseguido tener un lugar en el mapa de la cultura
artística empordanesa , catalana y universal. Galería, estudio, casa y huerto
componen la base de su modo de vida. Si el visitante tiene curiosidad , podrá
entrar en un lugar reservado a la amistad y la conversación a la sombra fresca,
al aire libre, tal como me imagino que sería
la casa de un filosofo griego. Allí, es posible que el visitante vea al artista
trabajando en su estudio, a la galerista tomando un té en el salón de su
casa o que encuentre sobre la mesa la
recién escogida cosecha de tomates de su
huerto de verano. Todos estos indicios indican que Silvy y Ralph quieren vivir de otra manera. No fuera del
sistema, pero sí en la frontera y por eso están cerca de un melancólico
Portbou, allí donde reposa el gigante iluminado Walter Benjamín , allí donde se
halla su magnífico cenotafio.
La
Revista en el Horizonte-
Como
digo, todos los indicios indican que
ellos quieren, por un lado vivir instalados en el tópico “Carpe diem” que significa” cosecha
cada día”, esa máxima grecorromana tan propia de la cultura mediterránea que
aconseja vivir el momento , disfrutar la cosecha de tomates recién cortados,
gozar de lo que tienes en ese momento
, así
reivindican que debemos aprovechar cada instante de nuestra vida con
intensidad. Es el lado meridional de Ralph.
Pero,
por otro lado parece que buscan algo que va más allá del poder del instante,
algo más planeado, más proyectado y que por eso han utilizado la fuerza convocadora de la palabra
“Horizonte” para nombrar su galería y como título de su magnífica revista de
arte y filosofía : “Outer horizons” que se encuentra tanto en Colera como en
Nueva York.
Un horizonte es algo nunca alcanzado, es la
visualización plástica de una intención nunca satisfecha, de un anhelo al final
de un camino. Como las cosas más secretas del mundo, el horizonte, desaparece a
medida que te acercas, ellos saben que además del horizonte oficial que hace
avanzar a las sociedades hacia delante, existen “otros horizontes” no menos
importantes a pesar de ser alternativos.
Desde la presentación hace cuatro años del
número cero de esta revista trilingüe se sabe que a sus editores les preocupa
tanto cualquier suceso de impacto humano y social como la compleja obra del
escultor Gabriel,la vida en las ciudades como la obra de Uclés, Bourgeois o
Viaplana, arte y humanismo definen el clima general de esta revista que
mantiene desde sus inicios la sobria y magnífica maquetación diseñada por
eStudio Calamar.Creo que el sentido último de esta revista se encuentra en un
mini manifiesto De Ralph Bernabei en el número cero, allí hacía una comparación
entre la obra “La parábola de los ciegos” de Brueghel y la obligación de los artistas
de conducir los pasos de la sociedad ,estimular conciencias guiándolas hacia
OTROS HORIZONTES.
La obra de Ralph Bernabei.-
Ralph
Bernabei vive en Cataluña desde hace veinte años. Siempre me ha gustado la
imagen de un Salvador Dalí viajando de Port-LLigat al centro de Manhattan.
Empiezo a pensar que es una costumbre muy ampordanesa, es lo mismo que hace mi
amiga Lluisa entre Llança y Nueva York, Alex Gifreu desde Figueres o Ralph
desde Colera hacia todo el mundo. Ralph
ha expuesto su obra en diferentes lugares: Nueva York, Conneticut o Chicago, en
Europa en Bruselas, Copenhague y más recientemente en el Japón.
Los que sigan mis crónicas se habrán dado
cuenta de que soy amigo de los términos en oposición, de la dialéctica entre el
vacío y el lleno de la existencia. Por esta razón me ha gustado esta exposición
de obras recientes en las que la superficie pictórico-caligráfica se integra
con armonía en los volúmenes escultóricos creados por Ralph Bernabei. En sus
picto-esculturas que sobresalen de la pared o en ocasiones se encuentra
exentas, reposando sobre unas peanas, se intuye una geometría oculta e
irregular, un armazón, un esqueleto invisible hecho de madera de roble viejo
aprovechado de barricas de vino antiguas que quedan totalmente ocultas y renovadas
al ser envueltas por numerosas capas de papel japonés. El sudario envuelve el
cuerpo de la obra y en la superficie de esta materia tan singular traza caligráficamente, con tinta, numerosos
gestos informales que contrastan con las estructuras de la cristalografía
invisible que las sustenta. Entre el negro y el rojo se va produciendo una
dialéctica elemental entre lo orgánico y dinámico del trazo vivo del artista y
la inmutabilidad de sus estructuras irregulares.
Hecho una ultima mirada sobre la pared
blanca de su jardín, entre la calma de Silvy y el ímpetu de Ralph, en lo alto ,
fuera de la mirada ordinaria, marcando otro horizonte solo visible para quien
quiera mirarlo, veo la estructura desnuda de una forma, que en su simplicidad
irregular me parece altamente misteriosa. En el fondo del jardín sombreado, veo
los restos acumulados de cerámicas
rotas, fragmentos de platos y recipientes que me sugieren que Ralph tiene una
memoria personal, que pertenece a una tradición antigua hecha de cálculo y medida de la que no quiere olvidarse.
VICTORIA
CAMPILLLO: "AMEN" EN SITGES
05 Agosto, 2009 22:18
Este
es un post. recordatorio para alertar a los que estén por la localidad estival
de Sitges que no duden en pasar por el Mercat Vell, junto al Ayuntamiento. Allí
encontrarán una escogida muestra de las series que Victoria Campillo ha hecho
en estos últimos años y que muestra en
este singular espacio con el nombre genérico de “Amen”. La exposición durará
hasta el 6 de septiembre y ha sido
comisariada por Ricard Planas; con este motivo se ha editado un extraordinario
catálogo en el que el lector podrá recorrer varias sendas de aproximación ,
podrá caminar por la obra de esta artista a través de dos artículos de
presentación y una extensa entrevista que yo
le realicé recientemente y en la que expone muchas reflexiones
interesantes sobre su obra y sobre la historia del arte contemporáneo.
La
pieza principal consiste en los bodegones con naturaleza muerta, “alusivos a la
Santa Cena, en los que un mismo personaje vestido con polos Lacoste de
diferentes colores hace con las manos
gestos santificados y bendice alimentos diversos ante unos recipientes
,sobre este fondo aparecen superpuestos los nombres de los artistas: Jim Dine
sobre la sonrosada textura de un corazón de vaca , un pollo desplumado, a punto
de entrar en el horno, alude a Rindo Kawauchi, Damián Hirst a una magnífica escórpora roja, un pan
integral al demiurgo transformador de
materia de artista Piero Manzoni, todos ellos con un fondo de polo rojo con
algunas excepciones como Zachary Zavislak que tiene una gran calabaza ante unas
manos en oración con fondo de Lacoste Amarillo y del que dudamos si es el
verdadero o el falso. La alusión al artista como marca es obvia. En la obra de
Victoria Campillo se alude también al
exceso de documentación nominal sobre arte contemporáneo que cada vez es más extensa, debido al gran
número de artistas emergentes, que están sobre la palestra, y aunque es
incierto su pase a la inmortalidad, las listas no cesan de crecer y la lista de
Victoria los recoge y utiliza.”
He puesto comillas en el párrafo anterior porque corresponde a una crónica que hice de su trabajo en un artículo publicado en el suplemento Cultura/s 297 de La Vanguardia/ Miércoles,27 febrero 2008 con el título de PROYECTO INTERMINABLE, y que el lector puede encontrar entero en este Blog. con buenas ilustraciones. Su proyecto interminable no deja de crecer y en su blog personal “ IDEM”, Victoria ofrece sus nuevos hallazgos, sus nuevas series de manera continuada, allí se pueden ver con buena definición la mayor parte de las obras de esta exposición fotografiadas y permitidas por la propia artista.
Por último, me ha resultado curioso el
contraste entre las imágenes del mercado antiguo que adornan la parte superior
de las enormes paredes y en las que se
ven productos nutrientes y frescas verduras de temporada en un añejo color
oscuro con las imágenes de la Santa Cena
en las que Victoria ha fotografiado nítidamente y a todo color: conejos,
pescados o pollos desplumados. El tiempo y el arte contemporáneo han convertido
la pura y dura materia nutriente en metáfora y símbolo. Aquí hay tomate.
MANUEL
BORJA VILLEL Y EL NUEVO REINA SOFIA
01 Septiembre, 2009 17:25
Manuel
Borja Villel ,nuestro hombre en Madrid, la está armando. Mientras los
articulistas desde Barcelona lo argumentan y defienden, los que le pagan, desde
Madrid, lo critican.
Creo que unos y otros hacen lo que se
esperaba. Nuestra cultura da signos de pobreza intelectual cuando actúa por
“topicazos”. Ante la nueva presentación de la colección, ya se suponía que iba
a pasar lo que esta pasando. Unos que si y otros que no. Los articulistas que
no suelen hablar del hecho concreto, de la materia expuesta del arte, se
apresuran a generar opinión, pensando equivocadamente con otro tópico de
nuestro mundillo que asegura que tu comentario se engrandece por la importancia
del tema tratado y si puedes escribir sobre
la filosofía expositiva de una gran institución, siempre será mejor que
no hablar de un artista que no conoce nadie y que te ha llamado la atención
porque expone en una pequeña galería de enfrente de tu casa. La materia
fundamental de lo artístico queda a salvo de tantos “dimes y diretes”.Nada
perturba la soberanía de lo artístico. Nada perturba su auténtica naturaleza.
A
mi me gustaría contribuir con una pequeña noticia, con un dato fascinante y es
que el REINA SOFIA SERA GRATIS ENTRE LAS
7 y LAS 9 HORAS DE CADA DÍA LABORABLE.
Esas dos horas de visita pueden crear una
adicción fascinante a los interesados en el arte contemporáneo. A dosis
pequeñas, tal como deben verse los grandes museos, sin “panzadas” de propuestas
complejas que se acaban atragantando al más sensible de los especialistas que
tras una mañana entera de visita ya no piensa en su cabeza sino en lo
adoloridos que tiene los pies.
Me
imagino a jóvenes furibundos, amantes de Matthew Buckingham o de cualquier otro que visitan una y otra
vez las salas en esas horas ya vacías de curiosos turistas que no saben porque
están viendo lo que ven. Se producirá un proceso de redefinición del tiempo y
la experiencia de lo artístico que sacarán al museo de la memoria histórica y
lo redefinirán como un nuevo generador de
emociones furtivas. Con la misma intensidad que alguien se cita entre las siete y las nueve con su amante
secreto, el visitante tendrá una nueva visión de lo artístico, su percepción ya
no estará condicionada por la prisa y podrá constatar una nueva experiencia del
tiempo. Podrá ir un día a una obra y otro a otra, con lo que construirá también
su propia historia del arte compuesta de modo fragmentario, más allá de las
criterios, fechas y recorridos impuestos por los comisarios. Y además, porque
no, en esa nueva experiencia de tiempos y fragmentos pueda coincidir, a menudo,
con alguien que comparta sus propios gustos y emociones, serán los amantes furtivos
del arte entre las siete y las nueve.
KREA II ENCUENTRO INTERNACIONAL DE CREACION Y
DIFUSION SONORA
03 Septiembre, 2009 09:13
Hoy día 3 de Septiembre se inaugura :Silencio,
KREA II Encuentro Internacional de Creación y Difusión Sonora. Esta es una confirmación más de que el arte
electrónico, el arte sonoro debe ocupar un lugar de privilegio en las prácticas
artísticas contemporáneas. Ya no se puede demorar más su plena incorporación a
lo medios críticos y a la prensa de arte. Dentro de este encuentro esta la
presencia de un “rompehielos”en este campo como es Jose Manuel Berenguer y en Vitoria-Gasteiz presenta su instalación
sonora Autofotóvoros en la Sala Araba.
http://www.kreared.com/es/actividades/muestras-exposiciones/autofotovoros-instalacion-sonora-de-jose-manuel-berenguer
Presentación
Del
3 de septiembre de 2009 al 13 de septiembre de 2009 • Sala Araba • La Paz, 5 - 1ª planta (Centro Dendaraba)
01005 Vitoria-Gasteiz • +34 945 16
23 81 'Autofotóvoros’ es el nombre de la propuesta sonora que presentará
Berenguer, Premio ARCO-Beep de Arte Electrónico 2008. En palabras del propio
autor, el espíritu de la instalación “radica en el interés por la organización
espontánea y la aparición de fenómenos emergentes complejos. Ello acostumbra a
ocurrir en colectividades integradas por estructuras individuales de
características funcionales idénticas y elementales que se organizan en red”.
Para ello, trabaja con autofóvoros, unos dispositivos electrónico-mecánicos
dotados de fototaxia positiva, la habilidad de dirigirse por sus propios medios
hacia las fuentes de luz más brillantes de su entorno.José Manuel Berenguer
(Barcelona, 1955) es director de la Orquesta del Caos y del Festival Música 13,
fundador de Nau Côclea, miembro de la Académie Internationale de Musique
Eléctroacoustique de Bourges y Presidente de Honor de la International Conference of Electroacoustic Music
del Consejo Internacional de la Música de la UNESCO. Ha sido objeto de premios
y distinciones otorgados por instituciones como Internationale Ferienkurse de
Darmstadt, Gaudeamus foundation, Prix de Musique Electroacoustique de Bourges,
Concorso di Musica Elettronica. Fondazione Russolo-Pratella, International
Rostrum of Electroacoustic Music del CIM-UNESCO, Festival de Músiques Contemporànies de
Barcelona, Radio Nacional de España y Premio de Video de Castilla-La Mancha.En
los últimos años, ha tendido a expresar su pensamiento artístico por medio de
la instalación y los dispositivos de computación en tiempo real, con la
reflexión acerca de la filosofía y la historia de la ciencia, los límites del
lenguaje, la ética, la vida y la inteligencia artificiales, la robótica y el
metabolismo de la información, los límites de la percepción y la comprensión
humanas. Sus trabajos más recientes incluyen instalaciones como, por ejemplo,
‘Silenci’, ‘Trànsfer’, ‘la Casa de la Pólvora’ o ‘Mega kai Mikron’. Su pieza
‘Luci, sin nombre y sin memoria’, ganó el premio ARCO/BEEP 2008 de Arte
Electrónico.
Miguel Alvarez-FernándezSeminario Los espaciotiempos del sonido. Una aproximación a la práctica del arte sonoro04/09/09 17.00-20.00 La palabra en el espaciotiempo del arte sonoro05/09/09 10.00-14.00El sonido en el espaciotiempo del arte sonoro05/09/09 17.00-20.00La imagen en el espaciotiempo del arte sonorohttp://www.kreared.com/es/actividades/cursos-y-conferencias/seminario-de-arte-sonoro-impartido-por-miguel-alvarez-fernandez Miquel BernatConcierto de percusión de músicas electroacústicas05/09/09 20:00Aula Fundación Caja Vital Kutxa Aretoahttp://www.kreared.com/es/actividades/musica/concierto-de-miquel-bernat-percusion-y-musica-electroacustica KREA Expresión Contemporánea, proyecto cultural de la Obra Social de Caja Vital KutxaColabora : Asociación Sinkro Más información en www.kreared.com
JOAN
NAVARRO: ESCULTOR QUE BUSCA VERDADES
04 Septiembre, 2009 09:24
La
Galería Simon fue inaugurada en
Ishikawa-cho, Yokohama, en octubre de 2006 y expone todo tipo de obras de
arte, artesanía, imágenes,
fotografía, y joyería.
En
la cafetería anexa, se puede disfrutar de un té de hierbas orgánicas, así como
los diferentes proyectos y eventos, incluyendo exposiciones relacionadas con
talleres, conciertos y representaciones como espectáculos de danza.
Entre los artistas que han expueso se encuentran Kouji Ohno, Izuru Takebuchi, Teruko Chiba, Hanamaro, Youichiro Furuya, Takashi Watanabe, Masao Sato, Kenji Matsumoto, Ikuyo Shigeno, Hisanao Aguni, Noriko Kitamura, Masahiko Furuichi, Kenji Kojima, y Junko Amauchi y Joan Navarro.
Joan Navarro ha expuesto su obra “Rice and Fall” en esta galería durante los meses de Agosto a Septiembre de este año. La instalación de esta exposición está hecha de granos de arroz y madera. Pude hablar con el artista y me dijo que quería mencionar al arroz como símbolo de Japón y que cada pieza aludía a diferentes ciudades y a la densidad poblacional que existe en las metrópolis que ha visitado en sus cuatro viajes a Japón. Este argumento elemental ha dado como resultado unas obras mucho más complejas en las que actúan nociones estéticas propias del Japón como son la simplicidad minimalista adecuada a las características del espacio expositivo, la sutileza del color blanquecino del arroz con la madera que son dos fundamentos de la nutrición y la arquitectura japonesa, junto a nociones formales de gran arraigo en nuestra tradición estética occidental, tales como la escala, la proporción, la acumulación, el ascenso y el descenso. En estas obras se ven algunos vínculos con otros escultores como Isabel Banal o el difunto Ramón Guillén Balmes quienes han trabajado con la idea de miniaturización , escala y agrupación de elementos dispersos: semillas, pigmentos, arena…etc.
La acción de
Agrupar los granos de arroz en torno a la madera es como reunir elementos
dispersos que tienden a la expansión y concentrarlos en torno a seis estructuras geométricas simples: Línea Vertical, Horizontal, Cruzamiento,
Líneas paralelas de una escalera en el
suelo, paralelepípedo convertido en mesita y una obra de escala que hace unos
años, de la mano de Chari Mur en lugar de arroz ,hubiera contenido clavos,
espinas y pétalos de rosas.
En
este sentido sacrificial me permito una digresión interpretativa en torno al
nombre de la galería. Como he leído el nombre de la galería sin “h” intercalada
lo he relacionado inmediatamente con un nombre de la tradición cristiana: San
Simón. Es curioso que en el santoral cristiano
a San Simón se le representa siempre junto a San Judas Tadeo. Ambos nombres
, igual que el término “Shimón” para los budistas significan valores asociados
a la verdad ,según dicen en su nota de presentación sobre el nombre de la galería, el término
"Shimon" se refiere a las cuatro puertas hacia la verdad, en el sentido
budista, lo que implica el deseo de la galería de que sea un lugar para la
expresión de los artistas que buscan la verdad de la actividad creativa y la intersección transversal de varias
prácticas artísticas.
San
Judas Tadeo otorga favores , Judas significa en hebreo "alabanzas sean dadas a Dios" y
Tadeo quiere decir: "valiente para proclamar su fe".Simón significa:
"Dios ha oído mi súplica". En la búsqueda de la verdad , San Judas
Tadeo escribió una de las Cartas del Nuevo Testamento. En la misma, ataca a los
gnósticos y dice que los que tienen fe pero no hacen buenas obras son como
nubes que no tienen agua, árboles sin fruto, y olas con sólo espumas, y que los
que se dedican a los pecados de impureza y a hacer actos contrarios a la
naturaleza, sufrirán la pena del fuego eterno. La antigua tradición cuenta que
debido a la proclamación de estos principios de su fe cristian a San Simón lo
mataron aserrándolo por medio y, a San
Judas Tadeo, cortándole la cabeza de un hachazo.
Al
margen de esta deriva sobre el nombre de la galería quiero resaltar el puente
efectivo que se ha establecido en este Yokohama – Barcelona Art
Session 2009 de la mano de Joan Navarro
que es profesor destacado de la sección de escultura de la Escola Massana de
Barcelona y buscador de ver dades.Shimon.
JULIAN ALVAREZ:ENTRECRUCES.EXPOSICION
RETROSPECTIVA
08 Septiembre, 2009 09:34
Entre
el 23 de Julio y el 31 de Agosto se realizó en León, la exposición
“EntreCruces” de Julián Alvarez en el Centro Leonés de Arte y en Instituto
Leonés de Cultura. Esta exposición ha generado un libro-catálogo razonado de su
obra.
Poco
a poco se va haciendo justicia con los pioneros del medio audiovisual en
España. Julián Álvarez lleva treinta
años como video-creador,y ha sido en su
lugar de origen, Leon, donde se le ha rendido homenaje con una retrospectiva y
el catálogo que la complementa de 244 páginas. Se suele decir con razón que lo
que queda de las exposiciones es el catálogo y este es una buena muestra de
ello y una ocasión para conocer en profundidad la obra de Julián Álvarez ;en él
han intervenido con diversos análisis de su obra: Javier Panera, Josep Mª
Catalá, Antoni Mercader, Claudia Gianetti, Pere Alberó, Alfonso Levy y Jesús Martínez Clará. En el libro se
encuentran lo que Julián denomina Itinerarios, más sus producciones escénicas,
instalaciones, intermedias /multimedia, fotográficas y un resumen de textos
teóricos del autor.
Creo
que cuando se hace la producción de una exposición sería conveniente no
dilapidar el esfuerzo y aprovechar para una posible itinerancia que permitiría
hacerle justicia en Barcelona , lugar en el que vive y en donde ha llevado
acabo su obra en estos treinta años. La lucha continua.
CARLOS
PAZOS:ROBADOS EN GALERIA RAIÑA LUPA
02 Octubre, 2009 19:57
Artículo publicado en el suplemento
"Cultura´s de La Vanguardia 30 Septiembre2009
CARLOS PAZOS:SER NADA
En 1978 , Carlos Pazos quería dejar sus
huellas grabadas en el suelo de la fama (The floor of fame,1978), quería
hacerse una estrella (1976) y estaba convencido de que conocerle era amarle
(1977) .Buscaba lo que la prensa rosa llama fotos “posadas”, descendía de
grandes coches ante la expectación de todo el mundo, se había propuesto ser el
sujeto de su arte, ser ,él mismo, una obra de arte y su premisa era:”la técnica
no me interesa, mis constantes son yo y más yo. El ego por encima de todo”. En
1980 conoció a madame melancolía y desde entonces, siempre con la mano en la
mejilla o en la barbilla , tal como hacen los buenos artistas, no ha dejado de
trabajar sobre los conflictos y derivas de su propia identidad.
En la exposición “Robados” se pueden ver
151 fotografías colocadas de un modo informal en las paredes de la galería y
sobre tres mesas de trabajo, el conjunto es una
selección de las fotos robadas hechas a Carlos Pazos en Bali por Joana
Roselló. El artista es vigilado, controlado, perseguido en diferentes
situaciones y momentos de ese viaje por una “simulada” paparazzi que quiere
conseguir la “instantánea”, el robado perfecto. Ante este afán perseguidor,
Carlos Pazos se oculta, mira furibundo a la cámara y tal como enunciaba en su
exposición retrospectiva en el MACBA(2007) no quiere que le digan nada.
Hace treinta años el artista, como todos
los artistas jóvenes, construía su identidad con arrogancia , ilusión y una
buena dosis de supuesta frivolidad. Se deslizaba sobre la superficie de las
cosas pero aplicando una mirada atenta y se podían intuir propósitos
trascendentales en todas sus obras. Sin embargo, en sus últimas exposiciones ,
ya se apreciaba un rechazo, una revisión de la condición exitosa y los logros
del artista con títulos como “Penúltimo Grito(2007) y “Se acabó la Ilusión(2007) .Pazos explora de un modo dramático el efecto del
paso del tiempo y constata como las ilusiones no alcanzadas forjan un carácter
agrio en el que resuena como fetiche de comportamiento impertinente el famoso
improperio lanzado ante las cámaras por
Fernando Fernán Gómez: !A la mierda!
Para aquel que se hizo retratar hace
treinta y tres años con el máximo "glamour",ahora, solo existe la
decepción y el rechazo de la fama. Como un artístico Sallinger que ha hecho de
su esquivez toda una leyenda, Pazos se esconde y quiere pasar del ser al no
ser.
El día de la inauguración lo encontré entre
amigos y conocidos, mucha gente que como dice el título del libro de artista
publicado con texto de Ramón de España, lo siguen con “Fidelidad Total”(2007). Estaba como se
dice,“todo el mundo” entonces me pareció ver escrito en su amplia frente el
texto que él mismo publicó en el “flyer”
de su exposición retrospectiva : "Atacado de descreimiento absoluto, el
arte es sobre todo mi espacio de resistencia ese espacio, abierto o cerrado en
el que puesto que no puedo dejar de ser, casi consigo ser nada". Vi un
artista confundido entre el público, sin señales evidentes de su poderío, una
persona humilde, queriendo no ser nada y a la que no había que decir nada. Pero
el destino y el éxito le persiguen y a pesar de su nueva actitud reservada y
discreta no puede sustraerse al gran espectáculo del arte.
CARLES
TACHE QUIERE HABLAR CONTIGO. DISSABTES D´ART
| 03 Octubre, 2009 10:20
Esta
es la frase que miles de artistas quisieran oír al menos una vez en su
vida. La primera vez que la escucha un
artista adquiere un tono ilusionante, se llena de expectativas: ¡por fin, me ha
llegado la hora!. Si la frase se escucha o se lee después de la primera exposición, incorpora
una duda: ¿será para algo bueno o será para reprocharme un primer fracaso? .Si
la frase se recibe después de un tiempo de colaboración con el galerista,
adquiere un tono de incertidumbre ante el futuro y augura algún cambio .
Sea
como sea, lo cierto es que esta frase anuncia una idea muy original.Propone un
encuentro, durante dos días,el 3 de Septiembre y el 7 de Noviembre de 10 a 22
horas ,unas sesiones maratonianas, entre
el influyente galerista y el público en general dentro de las jornadas
“Dissabtes d´ Art a Barcelona” que se
celebran durante el otoño barcelonés .
CCCB
SONIDOS DEL PODER/ESCUCHAS DEL MIEDO.CAOSSONOSCOP.ZEPPELIN 2009
03 Octubre, 2009 12:08
Zeppelin 2009 Sonidos del poder / Escuchas del miedo . Convocatoria de obras sonoras electrónicas
Sons
del poder / Escoltes de la por . Convocatòria d'obres sonores
electròniquesSounds of Power / Listening of Fear . Call for electronic sound
works Abierta la convocatoria de obras sonoras electrónicas para Zeppelin 2009
- Sonidos del poder / Escuchas del miedo. Dedicamos Zeppelin 2009 - Sonidos del
poder / Escuchas del miedo a la reflexión acerca de cuestiones que nos vienen
rondando insidiosamente desde hace tiempo. Nos preocupan los signos que podrían
indicar que retrocedemos en logros y libertades de naturaleza social e
intelectual, todos hechos realidad con gran esfuerzo. Acerca de esta
preocupación hemos elaborado una serie de preguntas que, parcial o totalmente,
deseamos que inspiren las piezas presentadas a esta convocatoria.
Son las siguientes : 1. ¿Qué significa recibir y/o dar una orden?2. El vínculo entre los verbos obedecer y oír es bien conocido. Entonces, ¿en qué términos hemos de considerar una sociedad que parece cada vez más presta a obedecer sin detenerse a pensar? ¿Qué significación tiene el vínculo entre obedecer y creer?3. ¿Por qué tenemos necesidad de verdades absolutas, incluso en aquellos dominios donde las sabemos imposibles? ¿Por qué pensamos que ya lo sabemos todo? ¿Es o no es necesario conocer las técnicas? ¿Por qué pensamos que cualquiera puede hacer cualquier cosa? ¿Hay que recuperar el respeto por el hacer? ¿En qué medida el término arte es o no es vigente? 4. ¿En qué sentido hemos pasado de una alienación en el ámbito laboral a una alienación en todas o casi todas las instancias de la vida? ¿Está desapareciendo la consciencia de alienación?5. ¿Qué quiere decir que el control se ejerce en nombre de la seguridad? ¿No nos sentimos seguros? ¿Por qué en nombre de la democracia admitimos lo que denunciaríamos en una dictadura?6. ¿Sociedad del bienestar quiere decir sociedad del crecimiento? (Cage decía: "No sé si la vida se caracteriza por el progreso.") ¿Por qué creemos que vivimos en el mejor de los mundos?7. ¿Cuál o cuáles funciones tienen los sonidos en la sociedad del bienestar y el crecimiento? ¿Inciden en la pérdida de privacidad? ¿En qué medida el vecino de al lado se ha convertido en un nuevo sistema de control en manos del Estado?8. ¿Qué importancia damos al hecho de que nuestros instrumentos para organizar sonidos estén emparentados con los instrumentos que sirven para controlar? ¿Existe relación entre organizar y controlar?9. En un tiempo en el que los términos sufren modificaciones paulatinas hasta que su nueva acepción termina siendo regulada por ley y disentir de los criterios de otros abre la puerta a ser tachado de intolerante, ¿cómo desenmascarar la tergiversación del lenguaje sin que ello entrañe nuevas descalificaciones?
Invitamos a todas las personas interesadas en el sonido a que reflexionen sobre estas cuestiones y nos envíen sus trabajos sonoros.Las piezas serán proyectadas al espacio en un sistema de ocho altavoces los días 10, 11 y 12 de Diciembre de 2009 en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona.
REQUISITOS
Todas
las obras recibidas serán aceptadas siempre que se den las siguientes
condiciones: 1. Las piezas NO deben tener una duración de más de diez (10)
minutos2. El formato de las piezas será WAV o AIFF a 44,1 khz y 16 bits. Se
admiten piezas de una hasta un máximo de 8 pistas. Cada pista deberá llegar
aislada en un archivo de una pista. Así, por ejemplo, el envío de una pieza
para ocho pistas deberá contener ocho archivos de una pista.3. Se debe adjuntar
la siguiente documentación:3.1. Comentarios acerca de la pieza.3.2. Biografía
artística del autor.3.3. Documento firmado por el autor manifestando
autorización o desautoriazación explícita para la difusión de su pieza través
de Internet.3.4. Documento firmado por el autor manifestando su conformidad
para que la pieza forme parte del archivo de arte sonoro de Sonoscop.4. Los trabajos
con la documentación tienen que llegar en soporte CD/DVD antes del 15 de
Noviembre de 2009 a: caos/ZEPPELIN/convocatoriaCentro de Cultura Contemporánea
de BarcelonaC/Montalegre, 5Barcelona 08001España
DAC:ART
UNDER THE BRIDGE FESTIVAL BROOKLYN N.Y.
05 Octubre, 2009 19:47
He llegado a casa con las suaves notas de la trompeta de Chet Baker en los oídos. Acabo de ver “Let´s get lost” un documental buenísimo sobre la difícil vida de este músico. Para algunos una de las mejores películas musicales de la historia dirigida por Bruce Weber. La referencias a N.Y y a Europa son constantes en este documental que acaba con una melancólica canción, de esas que Baker susurraba: “Almost Blue”.Entre el correo me encuentro con un envío postal de Lluisa Climent-e, que me da información fresca desde New York.
Se ha celebrado entre en 25-27 de
Septiembre la 13 edición del festival “Art under the Bridge organizado por el
DAC (Dumbo Arts Center) una organización alternativa de Brooklyn que con el
apoyo de instituciones y fundaciones de la ciudad propone una muestra de los
artistas emergentes que exponen durante
tres días sus creaciones bajo la sombra
del gran puente en un ambiente que quiere ser de participación y una fiesta
para todos, como demuestran los siguientes videos . Gracias Lluisa y Olivia.
Nuestras corresponsales en N.Y.
MISCELANEA:LUIS
RACIONERO Y EL CAPULLO DE JEREZ
11 Octubre, 2009 12:1
Fui a mi librería habitual ,con decisión y amagando la mirada de la dependienta, le pedí que me encargara el libro de Luis Racionero:”Sobrevivir a un gran amor seis veces”. Que va por su tercera edición. Cuando la chica me miró, tuve esa sensación de injustificado rubor que se tiene cuando uno compra el “Playboy” en un quiosco o preservativos en una farmacia. Vaya, vaya…
El libro es muy divertido, recomendable y
solo apto para hombres. Esconde secretos de la relación con el sexo contrario
que ellas no deben conocer. La primera parte es un tratado sobre la condición
humana y la segunda un ejemplario de los numerosos sucesos vividos por el
escritor.
Conocí a Luis Racionero en la UAB, yo era
estudiante de Letras y él venía, con el seiscientos que aparece varias veces en
el libro, desde Barcelona para hablarnos de sus experiencias en Berkeley y
predicar sobre la contracultura americana. Mientras nuestros compañeros
revolucionarios hacían un alto en la lucha para comerse el bocadillo de
mortadela, unos pocos escogidos, nos quedábamos en el aula en ascético estado
de contemplación escuchando la palabra del maestro que vestido con una mítica
americana de terciopelo rojo con estrellitas plateadas se sentaba encima de la
mesa sobre la que unas horas antes estaban los apuntes del catedrático sobre
estructuralismo lingüístico o freudomarxismo, encendía una varita de incienso
tibetano y nos hablaba de Lao Tse ,Watts, y otros atmanes. Desde entonces he
seguido, con afecto cómplice, los sorprendentes giros y avatares por los que ha
transcurrido su vida pública.
El libro es una buena memoria personal de
ese y otros momento de su vida a través de su experiencia amorosa que acaba, y
eso no es desvelar el final de la película, con la frase siguiente: “El
verdadero amor, el amor del bueno, es una paradoja: consiste en estar
totalmente colgado de la pareja y ser a la vez, totalmente desinteresado.
Bellísimo,¿no?, pero: ¿cómo se hace?”
Este consejo final tiene el intenso aroma
del perfume taoísta, el sabor del encuentro de contrarios y toda la sabiduría
de un proverbio chino. Debo reprochar a Luis Racionero que no haya sabido darse
cuenta que la respuesta a su pregunta se encuentra dada por él mismo en su
libro. Este olvido, se parece al viejo cuento que narra la historia de un
hombre que se lamentaba de su mala
fortuna cuando sin embargo llevaba cosido en un pliegue de su vestido, un
maravilloso brillante. La respuesta a la paradoja sobre el verdadero amor se
encuentra en el propio libro de Luis Racionero, cuando dice:.…....con la
actitud del ser liberado que no exige ni desea nada de las cosas, solo espera
que se manifiesten como ellas son y se
desarrollen como les plazca, con el deleite de flores abriéndose al sol de la
mañana” (p.76).
En
la vida todo se manifiesta de un modo
armonioso en la que la verdad y la mentira , el amor y el desamor van siempre
juntos, como la luz y la oscuridad y eso lo sabe bien hasta el cantante hondo “El Capullo de Jerez”
quien en acertado estribillo canta:
La
vida es una mentira. La vida es una mentira. Apágame la luz, enciéndeme la luz.
Canto con el corazón , canto para ti. La vida es una mentir. Apágame la luz,
enciéndeme la luz.
EFFEKTEN
PARA ISIDRE MANILS
05 Noviembre, 2009 15:26
Se
ha colgado en Youtube el video “Effekten”. Es un resumen de la correografía
estrenada por las bailarinas: Blanca Noguerol
y Àfrica Manils con musica de:
Lluís Rueda y Albert Alfaro, con la Video proyección de Pol Penas y Editado por: Nicholas Gruenke. Este
espectáculo se creó con motivo de la exposición sobre el pintor Isidre Manils
en la que yo actué como comisario y de la que ya he dado noticias en el Blog.
https://youtu.be/8PktaSEuc_k
ALEKSANDRA
MIR EN JOAN PRATS: FICCIONES SAGRADAS
05 Noviembre, 2009 21:38
Artículo
publicado en el suplemento Cultura´s de La Vanguardia. Nº 385 4/09/09
The
Dream and the Promise es el título de la actual exposición de Aleksandra Mir en
Joan Prats. En su anterior paso por la galería
ya nos proponía diversas indicaciones al viaje con su instalación “Aeropuerto” (2005),un
trabajo que culminó con su escultura “Plane Landing”(2008) un avión inflable de
20 metros que hizo aterrizar y fotografió desarmado de helio y flácido en
diversas ciudades europeas. No hay
ninguna duda de que a Aleksandra le gusta viajar: nacida en Polonia, ha sido
ciudadana sueca, norteamericana y actualmente vive en Palermo. Su
hiperactividad creativa le ha llevado a trabajar , los últimos quince
años, sobre más de 100 propuestas muy diversas y de compleja realización. En
todas ellas, hay una alta preocupación por cuestiones de índole social ,de
genero femenino, pero sobre todo lo que más le gusta es vivir en la frontera
entre realidad y ficción, entre sueños y
promesas .
En su celebrada obra” Gravity” (2006) empezó a preparar su viaje hacia el universo con una nueva ficción, haciendo honor al pensamiento clásico de que aquello que no podemos poseer, nos lo da el arte. Construyó un cohete de 20 metros durante cinco meses con enormes residuos industriales, un artilugio que nunca despegó y que recuperaba la estrategia posmoderna del juego entre la veracidad y el simulacro. Un territorio que nunca ha dejado de cultivar a través de medios muy diversos: performances, videos, textos, entrevistas, fotografía, libros, dibujos en blanco y negro o como en la actual exposición: el collage. Esta inquietud por la conquista espacial le ha llevado ha realizar la serie que hoy expone con el nombre de “Sueños y Promesas” .Esta serie la empezó en el 2008 ,cuando apuntó la proa de su deseo hacia el cielo estrellado y el espacio exterior con “Aim Stars”, “Declaration for Space” o “Made in Heaven”, unos collages de dimensiones varias, montados con marcos de pan de oro. Su ficción en estas series es mezclar las Promesas hechas a los creyentes sobre la existencia de vida en el más allá , con todo tipo de artefactos provenientes de la tierra creados por los humanos en el más acá. Digamos que quiere demostrar “heideggeriaramente” el benéfico encuentro entre la metafísica y la física. Para ello, utiliza las imágenes de los viajes humanos al espacio como si en realidad se tratara de una búsqueda de la prueba cosmológica de la existencia de Dios y de su corte sagrada. Intenta conciliar los sueños de los humanos por conquistar el espacio exterior y las promesas religiosas de la fe cristiana, haciendo convivir los logros del avance científico en la tierra con los celestes y auténticos habitantes del espacio exterior: ángeles, vírgenes y hasta el mismísimo Sagrado Corazón de Jesús.
Es probable que el espectador quede con una
sensación de duda sobre el grado de convicción o ironía que trasmiten las
ficciones de Aleksandra. Pero conviene saber que la ironía no es otra cosa que
una estrategia del conocimiento humano que nos protege de todo aquello que nos
asusta. Las ficciones de Aleksandra, sus sueños y promesas abordan los
misterios fascinantes, los enigmas sagrados que no logramos comprender.
EVENTS
APOFATICS:CUNNINGHAM-TAPIES
22 Noviembre, 2009 10:58
La semana se presenta movida, quiero decir llena
de movimientos. Hoy he ido a ver “Events”
en el teatro del Mercat de les Flors y entrada la semana iré invitado
por Raimon Avila a ver el taller Piscina (sens aigua), de Mark Ravenhill, a
l'Institut del Teatre. Hace tiempo tuve cierta proximidad al mundo de la danza
contemporánea. Conocí a Cesc Gelabert en la época de su primer viaje a N.Y.
y en ese ambiente ilusionado de los primeros
pasos de la danza contemporánea en nuestro país, nombres como Marta Graham,
José Limon o Merce Cunningham eran profundamente reverenciados. Referencias
obligadas. Cada uno escogía su tendencia, su deriva estética y la seguía con la
fidelidad que se debe a un “guru”. En 1964 Cunningham creó los “Events” que hoy
he visto en el teatro del Mercat de les
Flors. Han pasado cuarenta y cinco años de su ideación y sigue siendo un
ejemplo de audacia moderna. Los movimientos
esquematizados a unos “patterns”
son muy bien ejecutados a dos , a tres o en grupo con una armonización
perfecta, sin caer nunca en mecanicismos. La sutil combinatoria de esquema y
azar se corresponde a la metodología del libro de los cambios, el I Ching, que
tanto agradaba al coreógrafo. Igual que en este libro sapiencial, lo fijo y lo
móvil se van enzarzando de un modo continuo. Sin pausa. Durante setenta y cinco
minutos la improvisación musical de Arnau Sala(perc.), Xavier “Liba”
Villavecchia(viento) dirigidos por Takehisa Kosugi(violin elec.y varios) lleno
de sonoridad electro acústica el escenario mientras los 14 bailarines ejecutaban unos movimientos programados con
una coordinación perfecta. Me interesaba especialmente comprobar como Antoni
Tàpies había resuelto la escenografía. No era la primera vez que el artista
participaba en la creación visual de proyectos escénicos. Colaboraciones con
Brossa, Yusaki Saburu, J.Guimet, también
Josep Costa, el año 1992, concibió la escenografía del proyecto operístico
Cap de mirar (Cabeza de mirar), con música de Mestres Quadreny y libreto de
Joan Brossa aun por estrenar. El año 1999 la Fundació Antoni Tàpies organizó la
primera gran exposición en Europa de la obra de Merce Cunnigham. La muestra
celebraba los cincuenta años de la trayectoria de Cunningham, desde su papel
como primer bailarín en la Martha Graham Dance Company hasta la formación de la
Merce Cunningham Dance Company en el Black Mountain College, el año 1953; desde
su uso de las “operaciones fortuitas” hasta su innovadora obra actual, realizada
con el programa de ordenador LifeForms (actualmente denominado DanceForms) . La
muestra recogía documentación diversa sobre las coreografías, performances,
decorados, vestuarios y músicas para sus ballets, creados en colaboración con
otros artistas como John Cage, Jasper Johns, Bruce Nauman, Nam June Paik,
Robert Rauschenberg, Frank Stella y Andy Warhol, entre muchos otros.
La
escenografía de Tàpies consistió en presentar cuatro obras sobre material
textil (Signes, Cadira, Apofàtic, Cara ) que iban apareciendo y desapareciendo
verticalmente en el escenario y su obra :”Porta” (pintura sobre bronce) que en
un lateral del escenario presidía totemicamente la sala. Todas del año 1991.Me
gusto mucho ver la obra:”Apofatic” en el escenario porque aludía a uno de mis
intereses visuales más profundos. Me refiero a la distinción
teológico-artística entre la visión
catafática o visión de una teología positiva que presupone la posibilidad de
conocimiento de Dios y por lo tanto de su representación y por otro la posición
apofática una visión teología negativa
sobre la imposibilidad de llegar a la
naturaleza incognoscible de Dios. Esa
dialéctica teológica que tanto influyó a la estética Bizantina o Islámica ,
supone el reconocimiento de uno de mis temas favoritos, sobre la imposibilidad
del conocimiento de la esencia de lo artístico
que se evidencia especialmente en los movimientos abstractos de la danza
contemporánea y que enfatiza con “acontecimientos” o “eventos” la diferencia
que existe ENTRE DECIR O SER.
RAIMON
ÁVILA Y POOL (NO WATER) DE MARK RAVENHILL
28 Noviembre, 2009 11:34
Tal como escribí en un post anterior, la
semana ha estado marcada por un reencuentro con el movimiento, la danza, el
gesto y la palabra. Durante cinco días se ha presentado en un taller del
Instituto del Teatro de Barcelona
la versión que Raimon Àvila ha hecho a
partir de la obra Pool(No water) de Mark Ravenhill. En esta versión se ha aplicado de un modo
ejemplar algunos de los fundamentos actorales basados en el movimiento y la
conmoción que desde hace años viene trabajando este profesor del Instituto del
Teatro y que próximamente se convertirán en un libro que se espera con
impaciencia.
La obra trata sobre los limites éticos del uso de materiales delicados, y sobre la legitimidad de la depredación artística hecha tanto por creadores o críticos. Desde el apropiacionísmo posmoderno los límites han dejado de percibirse como problema y ante este panorama aparecen situaciones que se mueven entre lo conveniente y lo inconveniente que son valores que nunca deben perderse de vista.
Tal como se dice en la hoja de mano: “En la era de Internet la creación artística se ha convertido , más que nunca, en un trabajo de rehacer, copiar, transformar o incluso apropiarse de la obra(ola vida) de los demás, con o sin consentimiento. Bill Viola registró en vídeo la muerte de su madre y lo incluyó en el Nantes Triptych. Sophie Calle hizo del correo electrónico de despedida de uno de sus novios en el motivo central de una exposición, o bien graba a escondidas la vida de alguien que acaba de conocer y lo convierte, igualmente, en obra de arte . Mientras , Paul Auster utiliza ala misma Sophie Calle para dar vida a uno de los personajes de su novela Leviatan. Ahora bien,¿ hasta que punto es lícita(o ética) cualquier forma de depredación artística?Piscina (sin agua) trata de un grupo de jóvenes artistas que viven felices creando instalaciones y performances más o menos intrascendentes. De pronto, uno de ellos triunfa cuando utiliza para hcer su obra las vendas y los condones de otro que ha muerto de Sida. Finalmente instalado en la fama, el lujo y la riqueza, invita al resto del grupo a bañarse en su piscina.” Los jóvenes estudiantes-interpretes : Marina Barberá, Laura Fité, Catalina Florit, Davis Marcé, Jordi Sanosa, Marta Santandreu y Eduard Serra se mueven con soltura en esa línea interdisciplinar en el que la danza, el gesto, la palabra y la voz adiestrada por Rosa Cadafalch exigen el máximo de ellos. Reconozco que iba con algunos prejuicios tópicos sobre la inmadurez lógica del aprendizaje. Pero, al finalizar, tuve la cómoda sensación de haber asistido a un verdadero espectáculo escénico más que a un taller del Instituto.
A falta de imágenes sobre lo que ví, quiero añadir este fragmento promocional de la obra de Mark Ravenhill, Pool (no water) realizado por Frantic Assembly. https://youtu.be/IlRSiJWU1tY
CHARLES
FRÈGER AMA CARAVAGGIO
12 Diciembre, 2009 18:48
Artículo publicado en el suplemento CULTURA´S nº 389 del periódico LaVanguardia el día 2.12.09
Quien insista en distinguir fotografía y
pintura, en los tiempos que corren, está sencillamente: equivocado. La
fotografía contemporánea ha roto las cadenas que la obligaban a ser una
excepción alejada de lo artístico. Loan Nguyen, Victoria Campillo, o tal como se ha podido
ver en la magnífica exposición “Not for
Sale” de la Galería Toni Tápies: Cindy Sherman, Thomas Ruff, Candida Höfer,
Elger Esser ,o como sucede con Charles
Frèger, no se sienten deudores de Cappa, de
Avedon, de Cartier-Bresson … no buscan
poses sofisticadas, ni instantáneas bélicas, sino el sentido de la
composición, la forma, el color, la sugerencia pictórica de Van Eyck , de
Hamilton o Caravaggio. Le deben más a la
pintura que a la tradición fotográfica y el espectador contemporáneo ya no discrimina, solo mira ,sin importarle
nada el litigio que alimentan los
especialistas ,ni se plantea si está ante un lienzo o un cibachrome.
Charles Freger utiliza el medio
fotográfico actúa a través del realismo de sus figuras y sin embargo el
resultado es estrictamente plástico. En su primera serie conocida« Pattes
blanches » utilizaba la piel blanquecina de los trabajadores de una lechería
industrial que le parecían ,según confiesa él mismo, como personajes sacados de
cualquier cuadro de la escuela flamenca.
Para fotografiar a sus personajes crea
grupos por afinidades corales: lecheros, soldados, negros, actores de la ópera
china y utiliza un naturalismo extremado
sin artificios: si un joven tiene una espinilla se ve , si un anciano tiene una
arruga aparece .Sus grupos no son selectos ni elegantes como los del recientemente fallecido Irving
Penn que fotografiaba, con muy buen
gusto, a celebridades de moda. Los sujetos de Frèger pertenecen a las bases sociales más comunes,
la elección de sus modelos se encuentran entre la gente que no suelen tener una
presencia brillante que son poco protagonistas de lo social.
Sin intención de lograr ningún tipo de
efectos escénicos, sus proyectos están vacíos de cualquier propósito
psicologista. Suele utilizar la estrategia estética de la repetición, de las
series y a través de la insistencia en lo mismo, consigue que lo igual y lo
diferente se reúnan en un conjunto en el que domina la identidad común: coral.
El sujeto desaparece en el todo, se
convierte en un fragmento formal, en una nota de color que Fréger coloca dentro
de un conjunto o serie de imágenes. El artista tan solo constata la presencia
de unas figuras para convertirlas en
“tesellas” , partes de un gran mosaico de fotografías en las que el tono de los
fondos, si están más cerca o más lejos, si las vestiduras son del mismo tono o
el ritmo mismo determinan el resultado.
En definitiva, todas las estrategias
plásticas se ponen al servicio de un
mural pictórico y figurativo hecho de
colores diversos o gradaciones buscando un efecto claramente estético en el
que a base de realidad detallada
consigue un alto nivel de obra abstracta. Pero ese, es otro cantar.
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