INDICE AVATAR 2010
1BARBAFORMOSA:PERFECTA
IMPERFECCION
25 Enero, 2010 20:14
2ANKE BLAUE:
ARTE Y FELICIDAD
05 Febrero, 2010
18:10
3ROBIN RHODE
:VERDAD Y APARIENCIA y LAS NEURONAS ESPEJO EN EL ARTE.-
08 Febrero, 2010
22:40
4OUKA LEELE:
DE MIRADA INÉDITA Y MISTERIOSA
11 Febrero, 2010
08:46
5NATURALEZA Y
COLOR EN VICTORIA CAMPILLO
25 Febrero, 2010
12:28
6ROMANTICISMO
Y ARTE CONTEMPORANEO
25 Febrero, 2010
22:48
7III NIT DEL
GALERISME.PREMIS GAC
26 Febrero, 2010
17:32
8MERY CUESTA Y
EL TAM TAM DE LA CRITICA DE ARTE
02 Marzo, 2010 19:38
9MARTI ANSON
EN LA MASSANA
04 Marzo, 2010 09:35
10EL CALCETIN
DE TAPIES:ODA A LA NECEDAD
06 Marzo, 2010 18:31
11ARTE Y
NARRACION: BECAS DE ARTE CAJA MADRID EN LA CAPELLA.
26 Marzo, 2010 16:46
12CYRIL
LEVAN:RES DUPLICATA
15 Abril, 2010 21:04
13TAPIES: NI
PURO/NI IMPURO
21 Abril, 2010 15:49
14LA ARMADURA
DE MARCEL.LI ANTUNEZ
24 Abril, 2010 09:24
15GONZALO TENA
versus GERTRUDE STEIN
26 Abril, 2010 11:52
16BILL THOMPSON
EN MIGUEL MARCOS
12 Mayo, 2010 12:53
17RESILIENCIA
ESTETICA:JOAN FONTCUBERTA
20 Mayo, 2010 14:06
18EVA HESSE EN
LA FUNDACION TAPIES
07 Julio, 2010 22:05
19CRITICA DE
ARTE EN LA TRINCHERA
08 Julio, 2010 07:26
20SAATCHI I EL
DESCARADO
12 Agosto, 2010 08:50
21JOSE LUIS
BREA: LA MUERTE DE UN CRITICO SIN FECHA NI LUGAR
07 Septiembre, 2010
19:33
22ROBERT
LLIMOS :LOS EXTRATERRESTRES Y EL ARTE RELIGIOSO.
21 Septiembre, 2010
09:33
23CARLES HAC
MOR Y LOS CRITICOS.
22 Septiembre, 2010
08:58
24PABLO
VALBUENA .PARA-SITES: DEL ARTE COMO FINGIMIENTO
22 Septiembre, 2010
16:31
25HUMBERTO
RIVAS:INEDITOS Y VINTAGE EN MICHEL SOSKINE INC.MADRID
22 Septiembre, 2010
16:50
26CRITICO
INDEPENDIENTE
24 Septiembre, 2010
17:43
27EL EFECTO
MUGURUZA-HIDALGO EN EL APOLO
03 Octubre, 2010
15:44
28GONZALO TENA
EN TORREON FORTEA. BEING
09 Octubre, 2010
09:32
29LA TRISTEZA DE DAVID MALJKOVIC
28 Octubre, 2010
19:48
30BURROUGHS: A
MAN WITHIN
31 Octubre, 2010
22:09
31ACCA: VI
SIMPOSIO INTERNACIONAL DE CRITICA DE ARTE
12 Noviembre, 2010
21:56
BARBAFORMOSA:PERFECTA
IMPERFECCION
25 Enero, 2010 20:14
En esta exposición, Barbaformosa se propone
un ejercicio moral muy arriesgado. Por un lado, quiere respetar la condición de
la porcelana y despertar su auténtica naturaleza, su perfecta condición, y, por
otro, la quiere someter a la prueba del azar imperfecto, del accidente
controlado. La porcelana es una materia femenina que exige un trato delicado.
Su tacto es el de la piel blanquecina, el rostro perfecto y una alegoría de la inocencia. Quien busca
palabras en la mujer inmóvil suele encontrar: silencio; quien busca el
alma en el interior del jarrón de
porcelana encuentra: vacío. La magia del blanco sobre blanco, hace desaparecer
cualquier macula, es materia inmaculada y es quebradiza, dura y frágil como el
vidrio. La brisa es una sensación inherente a su tacto y desprende luz
transparente cuando la miramos. La perfección y la fragilidad del caolín, su
estructura, contiene la pureza de la atmósfera en las altas montañas, de donde
proviene su nombre, y contiene también la geometría perfecta, la belleza
cristalina y rígida de los tetraedros y octaedros que forman las capas
hexagonales de su suave superficie. Pero ésta, como toda perfección llevada a
su punto más extremo, crea una tensión insoportable. La perfección absoluta
niega cualquier posibilidad de emoción, la materia perfecta es incognoscible,
es autárquica, puede llegar a ser autista y, si no tuviera el contrapunto de la
imperfección, sería fría e inhumana. Por eso, Barbaformosa quiere introducir el
caos de lo indeterminado, el azar, y, en definitiva, introducir las
imperfecciones de la vida en el espíritu perfecto de la porcelana. Esta acción
transformativa la debe hacer sin debilidad, de una manera enérgica, decidida,
incluso con acciones manuales un poco violentas, sacudiendo las piezas, rompiendo
su perfección simétrica, conseguida con la rueda del torno cuando llega al
borde , en la boca, al límite de la pieza de porcelana. Esto explica estos
temblores azarosos y las quiebras propias del movimiento convulso. Es evidente
que, si es cierto lo que dice Gaston Bachelard, autor preferido de
Barbaformosa, en el sentido que somos "pasta primigenia", esta
exposición está hablando de la condición humana, de la necesidad de modelar el
comportamiento y el ser, como estas obras de porcelana, perfectos en nuestra
imperfección.
ANKE
BLAUE: ARTE Y FELICIDAD
05 Febrero, 2010 18:10
Anke
Blaue expone su obra reciente en la Galeria Fidel Balaguer de Barcelona con el
título genérico de: ” Variaciones
sonoras sobre tela”. La artista alemana ha buscado ,desde sus comienzos con la
escultura en 1993, la poética depuradora de la
abstracción estructural de la forma y un orden riguroso que luego ha aplicado sobre el plano de la tela. Eso ha
culminado en un minimalismo lírico que no es frío, ni mental, sino cálido y de
colores vibrantes ya que los tejidos están exquisitamente teñidos y escogidos.
Son obras compuestas con trozos de telas en las que el cosido adquiere la
dimensión de una sutura simbólica propia del manto tradicional del monje
budista que, él mismo, cose con recogida devoción. Aquí todo es de un gusto
extraordinario y hay una ajustada proporción de ingredientes: es espiritual ,
moderna, conceptual, formal y amable.
Anke representa a la perfección, el anhelo de una parte de artistas que no quieren claudicar de los valores
estéticos del arte : calma, armonía y
placer visual . Todo en esta
exposición nos dice que el logro de la
felicidad es posible en el arte contemporáneo y eso irrita a
muchos.
Debo reconocer que su obra pone a prueba
el argumento que desde estas mismas páginas he mantenido de que el arte es una
manifestación del dolor producido por la extrema lucidez y la clarividencia de
los artistas. Eso, lo creo firmemente, pero, nunca he descartado el logro de
una “feliz llegada” como resultado de un proceso de transformación y Anke Blaue
lo ha conseguido.
Lo ha hecho utilizando, como si las
conociera, las leyes de la sinestesia, una noción que ha hecho fortuna en el
arte actual , desde que Kandinsky asegurara que pintaba la música.¿ Anke Blaue,
oye colores o ve sonidos? Esa, si que es una auténtica inter-activación entre
obra y espectador, tal como propone el actual catecismo de lo moderno. La
sinestesia permite asociar números, colores y palabras: el color amarillo
mimosa al número 7, mientras otros perciben la letra A en el color rojo de
garanza. Hay algo mágico en todo esto, es como si el artista tuviera un ojo en
la palma de la mano simbolizando el extraño encuentro de dos sentidos: el del
tacto y el de la visión. Mientras, una afluencia de murmullos, mantras y notas
de guitarra de Thomas Westphalen cambian
profundamente al espectador que mira: lo
hacen más feliz.
Algún exégeta ha asociado la obra de Anke Blaue a la de Rothko; sea por el orden constructivista del espacio, o por como los colores se encuentran en una frontera imperceptible, o porque ambos han relacionado música y pintura tal como hizo Morton Feldman en la Capilla Rothko . Pero hay una gran diferencia entre ellos y es que si bien ambos tienen una deriva espiritual que les ha llevado a adentrarse en las técnicas de meditación de la lejana tierra oriental; Anke ha cosido su “ kesa ” con sencillez y ve las cosas como son, sin afectación, ni artificios, ella ha sabido confeccionar el manto de la Atención y de la Compasión. En cambio, Rothko se suicidó en 1970.
ROBIN
RHODE :VERDAD Y APARIENCIA y LAS NEURONAS ESPEJO EN EL ARTE.-
08 Febrero, 2010 22:40
He
observado que últimamente algunos artistas como Robin Rhode , Matthew
Buckingham o los de aquí: Tere Recarens, Begoña Egurbide en su obra
“Pandora´s” e incluso Quim Monzó en el cartel anunciador de la exposición de
Santa Mónica que están recuperando una antigua inquietud, propia de los inicios
del “optical art” e incorporan fenómenos y efectos visuales a sus obras. Cosas
sencillas , que no tienen que ver con los trucos digitales del 3D,como una
imagen que cambia cuando el espectador pasa frente a ellas o cosas así: engaños
a la mirada. Parece que hay una
inquietud perceptiva que cada vez va a más como corresponde a una época
dominada por la visión que coincide con otra inquietud de signo científico: las
neuronas espejo.
Tengo dos amigos, Daniel y Antonio que hace
tiempo me vienen hablando de las neuronas espejo. Según me han explicado,
parece ser que los humanos tenemos una facultad innata para imitar los gestos ,las palabras y las actitudes de los otros que es muy útil, tanto para conocer como para
reconocernos. Las neuronas del individuo imitan como si la reflejaran, la
acción de los otros: así, el observador
realiza lo mismo que el observado, de ahí su nombre de "espejo". Lo más parecido a este fenómeno lo he encontrado en la
cultura tradicional del Japón donde incluso hay una expresión que lo indica es
“Mitori Geiko” que se podría traducir como aprender mirando atentamente y en
consecuencia imitando los gestos de quien te enseña. Este efecto se encuentra también
en los “bebés” , he podido comprobar que sacan la lengua si tu se la sacas o
sonríen cuando tu sonríes. Según leo en una entrevista realizada a Giacomo Rizzolatti, de la Universidad de
Parma (Italia), el descubrimiento se produjo cuando él, estaba estudiando el
cerebro de monos y descubrió que las células cerebrales no sólo se encendían
cuando el animal ejecutaba ciertos movimientos sino que, simplemente con
contemplar a otros hacerlo, también se activaban. Se les llamó neuronas espejo
o especulares. En una entrevista concedida en Madrid con motivo de su
participación en el simposio: “El Sustrato de la Sociedad del Conocimiento: El
Cerebro. Avances Recientes en Neurociencia” ,decía que : El sistema de espejo
permite hacer propias las acciones, sensaciones y emociones de los demás. Eso
es de gran trascendencia para la
ciencia” y que "La visión es la que proporciona el vínculo para comprender
a los demás".
Cuando me lo explicaron y leí esto me
vinieron a la cabeza varias reflexiones de signo estético. Una es la importancia que se ha dado desde
Aristóteles a la imitación, a la mímesis como fin último del arte. Según esto,
y extremando el argumento de la mímesis bajo la óptica de las neuronas espejo,
al considerar un árbol, un pájaro o un mono como similares, el pintor que imita
la naturaleza, la acabaría comprendiendo, formando parte de ella. Siguiendo
este hilo, aparece el segundo fenómeno muy ligado a las neuronas espejo y que
me preocupa desde mis primeras
incursiones en el alma romántica, un aspecto que me preucupó a partir de
las famosa figuras de G.D. Friedrich que
dan la espalda al espectador pero no con rechazo sino indicando complicidad, un
fenómeno” que T . Lipps estudió cumplidamente en dos sendos volúmenes
traducidos al español en 1928 : “Los Fundamentos de la Estética” en los
que estableció los principios de la
“Einfhülung” palabra que fue
traducida como” “sentir en o con” , también como: “ proyección sentimental” ,
una proyección de sentimientos hacia lo otro. Dicho en lenguaje contemporáneo:
la empatía.
El fenómeno empático es una condición
imprescindible del conocimiento. La empatía para Rizzolatti es una consecuencia
del sistema de espejo, es decir te coloca en el lugar del otro. Te permite
comunicar a un nivel no racional pero si muy sentimental. Worringer escribió
“Abstracción y Naturaleza en 1908 , un libro de cabecera para cualquier
estudiante de arte y que algunos lo
tradujeron por abstracción y empatía. En él, el autor está convencido que su
libro tiene su origen en un día en que pasó junto a él ,en medio de una sala
vacía del Trocadero, el afamado filósofo y crítico berlinés George Simmel…”y
respiro la misma atmósfera”…pasados los años el filósofo fue el primero en
reaccionar al contenido de Abstracción y Naturaleza(Empatía) con una llamada
espontánea y sorprendente.”
Estos
fenómenos de índole psicológica afectan tanto
a las personas como a las cosas. Si
tenemos en consideración el carácter especular y su influencia en
nuestro comportamiento, escogeríamos con mucho cuidado nuestros muebles,
relojes y teteras , también nuestros amigos y conocidos. Diría que si todo
aquello que vemos nos produce un efecto transformativo, la grave
responsabilidad social y antropológica de los artistas aumenta en igual
proporción.
Por
último, diré que el espejo, tal como demostró Jurgis Baltrusaitis en su libro
“Le Miroir”(1978) es el camino más directo para poder reflexionar sobre las
leyes que actúan sobre la visión, pero también sobre sus mentiras.. El engaño a la percepción a través del teatro
catóptrico, como por ejemplo, en la gruta de Tetis en Versalles se ponían los
espejos de tal modo que los motivos
decorativos que solo estaban realizados
aparecieran como si estuvieran completos, descubriendo así grandes posibilidades de engaño al ojo
haciendo aparecer un espacio pequeño como algo grande. (Ver Videos). Si, el
espejo es una metáfora de la existencia, es un objeto de la verdad, de
verificación, pero también la constatación
de que todo es vana apariencia,
engaño y mentira.Por eso, si
deducimos que la realidad que reflejan los espejos es engañosa y las neuronas
actúan como tales, podemos decir que a través de ellas verificamos y aprendemos
mimeticamente pero también somos engañados en lo que no somos capaces de ver.
Las cosas que no vemos que no apreciamos por la visión y que no podemos imitar
pero que están ahí, también juegan un papel relevante en nuestra comprensión de
la realidad. Un puente eficaz hacia la abstracción pura.
https://youtu.be/dkTP7fkeIU4
https://youtu.be/9cVHtwuAm0E
OUKA
LEELE: DE MIRADA INÉDITA Y MISTERIOSA
11 Febrero, 2010 08:46
Artículo publicado en el suplemento Cultura ´s nº 399 el 10.02.2010 del periódico La Vanguardia de Barcelona
Ouka Leele ha vuelto a Barcelona treinta
y dos años después de que aquí, mostrara sus primeras fotografías , ha vuelto a
la ciudad en la que vivió en 1978, la ciudad que la vio pasear junto a Barceló
,Mariscal, Ceseepe o el Hortelano. Ahora , regresa con 64 fotografías inéditas,
en las que el blanco y negro convive con sus últimas obras digitales plenas del
colorismo que la identifica.
El
paseante se encuentra, en la entrada de la exposición, ante el rostro en blanco
y negro de una mujer joven de mirada profunda, ingenua e interrogativa. Sus
ojos van directos al corazón. Es un retrato de la artista :“A working class
heroine” (1985), en el inicio de todo, cuando en su camino aparecían dudas e
introspecciones: “Autorretrato de fotógrafa”(1978) ¿A dónde irán?(1977) o “Quiero saber quien soy” (1982) , todas
estas fotos están impregnadas de una melancolía que ahora, después de tantos
años se intensifica por la ausencia del color.
¿ quién es ella y qué no puede contar? Debido al paso del tiempo, estas
fotografías de una Ouka Leele inédita y sin color, acrecientan el sentimiento
nostálgico que produce el recuerdo y la memoria de las fotografías antiguas
encontradas en una caja de madera. El
cuerpo femenino aparece en algunas obras como en “Generoso encuentro con la
belleza”(2007), en “Destella su piel” (2006) o en “La Menina liberada”(2006); el cuerpo se
presenta como un enigma que hay que conocer, como el sustento fenomenológico de
las emociones, como el ser físico que en
cualquier momento, como le sucedió a ella, puede dar la vida o la muerte y solo
obedece a sus propias leyes.
De Ouka Leele se suelen destacar el nombre y
los apellidos que enmascaran su alter ego: Bárbara Allende y Gil de Biedma, esta mención no es una
demostración de linaje, sino la afirmación
de que para ella son muy
importantes sus amigos y lo demuestra con retratos de todos ellos , su familia,
su hija, le interesa la experiencia vital
de lo cercano y están repletas de entrañable amor y amistad. Desde siempre, ella, ha querido sublimar lo
cotidiano, convertir lo cercano en algo mágico
y por eso se declara a favor de una mística doméstica, en la que lo
ordinario se transforme sin dejar de ser lo que es: “Un lugar precioso para un
retrato de familia”, un rostro, una
flor, un muro o su propio nombre. La vida es imprevisible como la misma Ouka
Leele y Bárbara lo sabe.
En varias ocasiones he visto a Ouka Leele
acercarse a un muro calentado por el sol
y poner sus palmas sobre él. Se ve en el documental que acompaña a la
exposición, en el paseo por la Segovia de sus recuerdos , se ve en la película
de Rafael Gordon, el comisario de la exposición
y director de la película “La Mirada de Ouka Leele que opta a los
premios Goya de este año ,cuando se enfrenta ante el muro que pintó en
Ceutí(Murcia) en el que iba a representar una serpiente inmensa y acabo pintando una “floraleza”. Esas manos
que palpan el muro buscan con piel sensible, constatar la realidad y a la vez descubrir su trascendencia
misteriosa. Un tintineo de cimbalo
anuncia que estamos en el final de la exposición, allí en un
manifiesto de estilo simple, directo, tal como ha demostrado en su obra poética: “De la embriaguez desnuda”,
la artista se reafirma en la idea, ya manifestada en otra ocasión , de que la
cámara o la pintura son un pretexto y que lo importante es el amor; nos dice
que ella esta aquí, con voluntad de ser pero no de causar fricciones ni
desconciertos, que busca belleza y sonrisa .
Ouka Leele pertenece a ese raro grupo de personas que hemos hecho de la reflexión sobre la muerte algo natural y cotidiano. En frase rotunda, asegura: “ la muerte es una maestra”. En el documental de Rafael Gordon,” se ven unos insectos, las lápidas de un cementerio antiguo y flores de mil colores “oukaleelianos”. Un insecto ha caído en el agua y absuelto de su agonía, recupera el vuelo de la mano de la artista : en un instante todo cambia. El bicho sigue dando “la vuelta al círculo de la vida” que es lo que significa Ouka Leele en una extraña y lejana lengua.
NATURALEZA
Y COLOR EN VICTORIA CAMPILLO
25 Febrero, 2010 12:28
Victoria
Campillo, como era de prever, sigue con su proyecto interminable. (consultar en
este mismo blog. el artículo que publiqué en el suplemento Cultura/s 297 de
La Vanguardia , Miércoles,27 febrero 2008).
En esta ocasión ha dirigido su mirada escrutadora
hacia las flores. El mismo modelo que utiliza siempre para sus series, ahora,
nos da la espalda. La propia autora dice que esto debe interpretarse como un
gesto de negación similar al que el ser humano ejerce con la naturaleza. El
pretexto de la naturaleza le ha permitido explorar el color que es
uno de los aspectos que la definen como artista. En sus series la
búsqueda nominal de las referencias a los artistas o el propio tema escogido
hacen que el espectro cromático pase, a
veces, a un segundo plano. Ahora
deja claro que este es un tema central en su trabajo. Todas sus series están
planteadas como una progresión cromática, como un estudio propio de una paleta
de pintor en donde se colocan, académicamente, los colores del óleo o del
acrílico en un orden preciso.Los tratados clásicos de la técnica de la pintura
como el de Cennino Cennini , Pacheco o
el de Palomino son fundamentales para la iniciación a la técnica de la pintura.
Palomino, por ejemplo, en el capítulo V del tomo II, describe la colocación de
los colores en la paleta del siguiente modo:
Habiendo, pues, de ponerse el principiante, habrá de poner primero su paleta de colores, las cuales es menester, que sepa con qué orden se han de colocar, y será en esta forma: por encima del anillo de la paleta comenzará el bermellón, después el blanco, luego se seguirá el genúli, después el ocre claro, luego el obscuro, después la tierra roja, luego la sombra de Italia, después el carmín, la ancorca, el verdacho, o tierra verde, el negro de hueso, negro de humo, o de carbón, añil o esmalte.Puestos en este orden los colores, y prevenido el secante, y los aceites en sus escudillas….
Los
restauradores saben que Rubens utilizaba la paleta del blanco de plomo al negro
marfil, pasando por Oro pigmento naturalOcre amarillo ,Laca amarilla, Laca de
Garanza, Bermellón, Ocre Rosa Azul ultramar, Azul de Alemania, Tierra verde o
Tierra de Verona, Malaquita verde, Verdigris. Tierra de Siena tostada hasta el
Negro de marfil. En esta exposición el color toma las riendas de las analogías
y Victoria Campillo aplica criterios colorísticos. Sus series fotográficas
,como sucede con las de Charles Frèger ,se fundamentan en criterios que parecen
propios de la pintura.
La
naturaleza y las flores han sido uno de los temas más tratados de la historia
del arte, el mismísimo René Magritte se ganó la cena pintando unas rosas
magníficas sobre papel de pared en época de escasez. Todo el mundo conoce la
deriva hacia las flores de Georgia O´Keefe pero como otras referencias son más
crípticas,en esta ocasión, en la galería, se ha puesto a disposición del
visitante, un documento esclarecedor. En él, podrán comprobarse los puntos de
partida con los que ha trabajado Victoria Campillo para hacer su trabajo,
verificar de donde salen los verdes de Ola Kolhemainen, los coloridos
orientalizantes de Wang Jin, Takashi Yasumura, Murakami, o Rinko Kawauchi, el
exotismo nigeriano de Yinka Shonibare o las espectaculares amapolas
de Pipilotti Rist, por ejemplo.
Por último, al margen de las imagenes que acompañan este comentario sobre la última aportación de esta artista, quiero llamar la atención del lector sobre el vídeo que he colgado a propósito de una de las series más espectaculares de Victoria Campillo en la que se establece un parentesco estremecedor entre Manolo Escobar y Elvis Presley, pasen y vean.
ROMANTICISMO
Y ARTE CONTEMPORANEO
25 Febrero, 2010 22:48
Artículo publicado el 17 de Febrero 2010 en el nº 400 del suplemento Cultura´s de La Vanguardia de Barcelona
Número
monográfico dedicado al "Romanticismo que viene" .Ilustrado con la
serie de obras de Angel Jové: Versus Limbus.
LOS
ABALORIOS DE UN COLLAR ENSANGRENTADO
Cuando en un lejano año de 1776, en Alemania, se estrenó la obra “Wirrwarr ” (confusión,desorden,caos ) de Maximilian Klinger se auguraba el laberinto sin salida en el que el sujeto romántico entraba de la mano de los jóvenes del “Sturm und Drang”. El ataque a todo lo establecido, convirtió el tranquilo oasis de la racionalidad práctica kantiana en una borrascosa tempestad, en una tormenta donde dominaba el afán, la inspiración, el ímpetu y el deseo de la diferencia.
La
conciencia de la diferencia es una de las causas más profundas del drama
romántico y el principal definidor del arte contemporáneo. Ya nada sería como
antes. En Alemania , allí donde
Winckelmann y tantos otros, habían recuperado la virtud y la belleza del orden
clásico se mostraban, ahora, unos personajes que iban contra la cultura,
estrafalarios, descalzos y a pecho descubierto, reclamaban su derecho a ser
considerados manifestaciones de la
genialidad, un espontáneo soplo de Dios.
La búsqueda de la poesía y de la verdad, el encuentro con la palabra
dirigida al corazón, junto a la pregunta sobre la auténtica naturaleza de las
cosas que propiciaba la mirada sobre el ser interior, fue la raíz y el origen
del arte contemporáneo. En ese lugar y en ese momento, el hilo de la tradición
romántica empezó a ensartar los abalorios de un collar ensangrentado que aun no
ha concluido.
El principio de originalidad en los
comportamientos y en la creación, propuso que frente al tiempo extenso de la
tradición clásica se opusiera el tiempo fragmentado, el instante como momento
“pregnante” de la emoción, una nueva definición del gusto y la fascinación
hacia cualquier tipo de ruptura o transgresión, poniendo la semilla de la
vanguardia europea que fructificó a principios de siglo XX. El modernismo
recuperó la figura heroica del caballero medieval, el fauvismo saco de la jaula
a la bestia, el expresionismo hizo de
los celos y la muerte temas de la
pintura, el dadaísmo y el surrealismo se atrevieron a plasmar los sueños de la
noche romántica , el expresionismo abstracto y el informalismo hicieron del
gesto único un trazo del inconsciente manifestado, la locura y el arte “bruto”,
las performances autodestructivas de los
accionistas vieneses , los excesos vitales de los jóvenes artistas de final de
siglo han llenado la historia de prematuras necrológicas.El arte contemporáneo
propiciado por el romanticismo es un fenómeno de ruptura profunda con casi todo
lo anterior. Digo casi, porque lo que propone el romanticismo es el reencuentro
con el primer motor de lo artístico, con la magia ignota del sacrificio y
de lo sagrado. Dicho de otro modo: la
genuina ingenuidad poética del primer
Goethe romántico, está más cerca del chaman oscurantista, guía intuitivo
del alma humana que del docto profesor
de Weimar.
El romanticismo diferenciador, dio nacimiento
a la noción de sujeto extrañado que consideraba todo muy raro, propuso el
asombro del niño, la perplejidad del que no entiende, antes que la certidumbre
de lo seguro. Por eso, el romántico observa desde su retiro convaleciente la vida
, el comportamiento ficticio y falsamente
culturizado de los que le rodean y que le hablan en lenguas que no
comprende. En esos protocolos dolorosos
del yo, se encuentra la diferencia como
una de las causas más importantes del desasosiego. El artista contemporáneo al igual que sus nobles
predecesores románticos vive preso de
temores, dudas y obsesiones identitarias.
El
conflicto es permanente, se hace inevitable y así aparece un modo dramático de concebir las cosas. No
obstante entre la tradición y la vanguardia, entre el yo y el nosotros, entre
lo mesurable y lo inconmensurable se ejemplifica una voluntad de encontrar la
equidistancia entre la quietud de la identidad y el entusiasmo trepidante de la
diferencia. Después de lo sucedido en el viaje al infierno, todos debemos
buscar la calma que Goethe encontró al final de su intensa vida, tumbado en su
“chaise long” y protegido del sol mediterráneo con una elegante y fresca pamela
de paja.
III
NIT DEL GALERISME.PREMIS GAC
26 Febrero, 2010 17:32
Breve justificación de una huída, para Rocío S. C y Victor C.
No es objetivo de este intérprete, ni tampoco del Blog. entrar en cuestiones “mayores” como son los temas que afectan a las Galerías, las oscilaciones del Mercado , la conveniencia de que Barcelona tenga una feria propia o no, si en ARCO había mucha o poca gente, ni si el CONCA hace una buena política cultural y reparte bien la “pasta”.
Este
Blog no se mete en esa harina blanca que para muchos es la base del pan del
arte. Por otro lado, sé que lo que mueve opinión y te hace ganar un lugar en la
escena artística barcelonesa es “la comidilla” de hacer ver que sabes lo que
hay que hacer y opinar airadamente. En realidad, nadie lo sabe, pero eso, no es
necesario, si se utiliza el tono adecuado, tienes una plataforma de opinión y
se está en el lugar conveniente. En este Blog no interesa nada de aquello que
se encuentra fuera de la práctica artística. Tan solo el hecho activo del arte
y los avatares de los artistas.
Como
ha manifestado el escultor Gabriel en una entrevista mantenida con Rafael
Argullol en el catálogo de su exposición:”Plectopos”, hay en su obra y en la de
todo artista fundamentado, una exploración “estricto sensu” de la idea del
arte, al margen de las contingencias de tiempo y espacio que sitúa a la obra
más allá del consenso político, de la gestión del arte o de la dimensión
cultural que legitima las obras de arte.
Sé que este puritanismo, puede parecer falso
y que no conduce a ninguna parte, que es
fácil cargárselo por ingenuo, denunciar
las contradicciones que conlleva porque
las cosas son como son y tal como el difunto Jean Pierre Guillemot me decía descaradamente en tantas ocasiones :
“El arte es el mercado, y por eso yo voy a crear un supermercado del arte.”
Dada
esta realidad , a pesar de todo, y aunque me toque hacer el papel de un jarrón
chino que complementa los colores de la alfombra del salón, conviene que
alguien juegue ese necesario papel estético en la escena crítica y yo lo quiero
asumir con mucho gusto. Como si las circunstancias no afectaran a la materia
prima, al núcleo duro del arte. Como si el que interpreta la obra de arte fuera
un Hermes alado, inocente y puro que tan sólo ayuda a comunicar a los dioses
con los hombres.
La porcelana es una materia femenina que exige un trato delicado. Su tacto es el de la piel blanquecina, el rostro perfecto y una alegoría de la inocencia. Quien busca palabras en la mujer inmóvil suele encontrar: silencio; quien busca el alma en el interior del jarrón de porcelana encuentra: vacío. JMC.
MERY
CUESTA Y EL TAM TAM DE LA CRITICA DE ARTE
02 Marzo, 2010 19:38
jmc tocando la batería de jazzMery
Cuesta y yo tenemos tres cosas en común: somos críticos, tocamos la batería y
la tercera es que una extraña coincidencia del destino nos hizo compartir
espacio en las páginas del suplemento
especial de Cultura´s dedicado al
Romanticismo que viene.
De ella se dijo, en la presentación del programa “Silencis” de TV3 , que: “La comisaria de arte no se muerde la lengua ni calla ninguna crítica, pero es que además le pagan por hacerlo. Es crítica de arte, curator y organizadora de todo tipo de eventos culturales y surrealistas. Es uno de los personajes más estrambóticos del underground de nuestro país.” Dicho de otro modo, corto y raso: es nuestra Paloma Chamorro de los años 2.000. La persona adecuada para “épater les bourgeois”, para crear un impacto, un contraste tan fuerte con lo establecido que al agredido y al agresor les acaba gustando la sensación. Esta expresión fue inventada en pleno apogeo post-romántico y pre dadaista pero aun hoy en día hace fortuna en artistas e intelectuales. Recuerdo cuando nuestro premio Nobel don Camilo decía en entrevista televisiva que podía sorber una palangana de agua por el trasero y se ofrecía para hacer una demostración allí mismo.
Es cierto que el orden del discurso institucional, como ya mencionó de modo preclaro Michel Foucault en su día, tiene unos mecanismos sutiles para neutralizar aquello que le perturba. Hay dos que actúan de un modo muy eficaz: el rechazo y la aceptación. El rechazo es el más expeditivo, pero propio de otras épocas más ideologizadas. Hoy, que aun estamos bajo los epifenómenos de lo posmoderno ,actúa mejor el eclecticismo de la aceptación. La estrategia de la inclusión no se asusta ante ninguna contestación radical, es más, las incluye y las premia.
A mi lo que me gusta de Mery Cuesta es que delira y arriesga. Yo que soy un envidioso me maravillo ante tales atrevimientos críticos y soy muy receptivo y solidario ante esta actitud. Lo que digo no es solo una buena intención , sino que lo escribí y publiqué en un artículo de mi primera etapa en La Vanguardia llamado EL DELIRIO DE LOS CRITICOS el 3 de Mayo de 1983. A partir del discurso teórico de Achille Bonito Oliva impulsor de la Transvanguardia italiana, analizaba en ese artículo su posición y la de los críticos de arte, que generalmente se muestran alarmados ante las incógnitas y que escriben abrigados por la certidumbre de lo seguro, sin mucho riesgo frente a los fenómenos artísticos contemporáneos.Es decir, que el artista arriesga mucho y el crítico muy poco. En este caso, en el caso de Mery Cuesta, me encuentro ante alguien que dicho de un modo rápido, arriesga más que cualquier artista-concepto-gestor - archivista de nuestra época y Mery La Crítica, al hacer sonar su TAM_TAM anuncia con los tambores en su máxima potencia que está dispuesta para armarla.
Del texto mencionado, quiero destacar unos fragmentos que pueden servir para entender algunas posiciones actuales, herederas de una condición posmoderna que abrió la caja de Pandora de donde han salido algunas ruidosas actitudes críticas contemporáneas como Fernando Castro Florez, José Luis Brea o Mery Cuesta.
Decía
entonces:
(FRAGMENTOS)
La misión histórica de la crítica artística ha consistido, desde el S. XVIII, en ordenar y dar sentido a las diversas propuestas que sucesivamente han ido apareciendo sobre la mesa de la cultura. Sin embargo, en muy pocas ocasiones, la teoría artística ha sabido corresponder en igualdad de condiciones al desafío creativo de las nuevas tendencias. ¿Quién no ha tenido la sensación de que el artista arriesgaba mucho en esa mesa de juego, mientras el crítico como «croupier » aventajado y viejo, se quedaba a la expectativa de la apuesta y siempre en defensa de los intereses de la «casa»?
Me
parece que el desafío del discurso del profesor Bonito es similar al lanzado
por sus pupilos, quienes en igualdad decondiciones en el riesgo, han abierto
una serie de brechas profundas e interrogantes de toda índole que afectan a la
propia labor crítica.¿Acaso la crítica está a salvo de la anunciada crisis de
lo Unitario?¿está libre del eclecticismo que define las nuevas tendencias?
¿tiene remedio para el nihilismo?
Esta
serie de interrogantes me recuerda que los críticos, viciados por la ideología
o por las buenas intenciones, se han dedicado con empeño a alejar toda
inseguridad y duda de la práctica artística, consiguiendo incluso el
reconocimiento de los propios artistas, quienes después de la tormenta creativa
vuelven a encontrar en el discurso crítico el sosiego de lo cierto, el relax de
lo seguro.
Sí, la práctica artística ha cambiado la
mirada unitaria por el fragmento y el delirio, ha sustituido la certeza por la
semejanza y la pluralidad. De igual modo la crítica debiera hacer un ejercicio
similar y adecuar su discurso teórico a la realidad y al método de la
Pos-modernidad.
Ese nihilismo no es trágico, sino más bien aquel que se desprende del reconocimiento de la duda. Recordemos los interrogantes básicos que, según Savater, caracterizan la actitud nihilista: ¿es posible actuar?¿en nombre de qué? ¿qué debe hacerse? El discurso crítico debiera adecuar su aletargada conciencia al protagonismo de la pasión como instrumento de conocimiento y de opinión. La pasión crítica comporta ese riesgo que reclama todo acto creativo, a pesar de que el error esté al acecho. Error apasionado e histórico, como el que cometió el crítico Albért Wolff en «Le Fígaro» del 3 de abril de 1876 con motivo de la segunda exposición de los Impresionistas en la galería Durand-Ruel, cuando definió a los miembros del grupo de «dementes perdidos» y de «peligrosos delincuentes que: “como toda banda furiosa incluye a una mujer: Berthe Morizot».
La crítica debe aceptar ese desafío individual, y prescindir de los códigos universales en favor de los particulares. Del mismo modo que han hecho los Transvanguardistas, debemos encontrar un lugar para la teoría y de la historia que por medio de la analogía y la metáfora nos permitirá establecer relaciones diversas y heterodoxas que son la base de todo eclecticismo y que permite perder el respeto a la división entre los estilos artísticos. Esa libertad contamina deliberadamente la historia y va contra el propósito de clarificación de la misma, no se utilizan modelos en su pureza inicial sino manifiestamente adulterados, pues ya no existe la confianza en esa voluntad ordenadora de la crítica.
Otra cuestión paralela al fenómeno transvanguardista es que al prescindir de la unidad del discurso, aparece un discurso fragmentario de amplio alcance cuyo único propósito es vivir a la deriva, en palabras del profesor A.B.O.: «la vida unitaria asegurada por una ideología dispuesta a, explicar todas las contradicciones y las antinomias se sustituye por una posición abierta, dispuesta a vivir a la deriva». Debe entenderse que el discurso crítico debe ser un perpetuo cruce de caminos, en el que con toda naturalidad se impone la idea de fragmento como sustituto de la coherencia, haciendo honor a aquellos que como Heráclito, Nietzsche o los hermanos Schlegel edificaron su pensamiento sobre el criterio de la pluralidad y el fragmento. Esa óptica fragmentaria y estrábica, permite trabajar sobre un sinfín de lenguajes a la vez, sin temor alguno a la contradicción; dado que no existen parámetros verdaderos, no debe temerse la utilización de referencias irreconciliables entre sí. Evidentemente debe existir algún factor que aglutine esa dispersión. Ese factor es la ironía que, como se sabe es el alejamiento o la distancia que propicia el nihilismo y garantiza un mínimo de objetividad en el proceso de conocimiento. La sabiduría en conjugar pasión e ironía posibilitará los nuevos comportamientos críticos, bien entendido que la ironía no es incapacidad sino una estrategia del conocimiento
MARTI
ANSON EN LA MASSANA
04 Marzo, 2010 09:35
Martí Anson es un artista visual y un currante. Hoy ha dado una magnífica explicación de su trabajo en la sala de actos de la Escola Massana de Barcelona con el título de : Producción, Exposición y Comunicación. El lector que lo conozca pensará de inmediato que la conferencia podría haber versado sobre sus obras recientes como: Martí y la fábrica de harina, 2009, o Fitzcarraldo. Cincuenta y cinco días trabajando en la construcción de un velero Stella34 en el Centre d ´ Art Santa Mònica. Pero no, nada de eso. Ha venido a hablarnos de su faceta como montador de exposiciones artísticas.
La sensación que he tenido es de interés y desconcierto que son los mejores estímulos para escribir
sobre arte. Yo iba con el pre-juicio del que cree saber lo que va oír y en
lugar de eso, mi sorpresa y curiosidad
han ido en aumento. Al principio todo
parecía que iba por el camino de lo esperado, de lo que ya me imaginaba y que es propio del grupo de artistas y críticos con los que
suele alternar: Ignasi Aballí, David G.
Torres, Antonio Ortega, Eduardo Perez-Soler, David Armengol, Montse Badia,
Martí Manen , Frederic Montornes : producto,pasta, gestión, institución y
comunicación, saber Inglés, etc, casi todos ellos vinculados a la escola
Massana.
Pero poco a poco ha ido apareciendo un
discurso muy descriptivo, formalista, casi diría: de máxima precisión
fenomenológica que concordaba perfectamente con la tradición material de la
escuela Massana . En primer lugar ha mencionado la servidumbre del montador de
exposiciones a otros artistas o comisarios, incluso me ha parecido verle currar
con clavos y martillo; aquí aparecía la primera lección:! un artista
sacrificando su proverbial egolatría al servicio de otro proyecto que no es el
propio!. Eso ya vale un primer gesto de reconocimiento. Una ligera inclinación
d ecabeza. Luego unas lecciones de orden y sentido común aludiendo al hecho de
que una exposición se debe plantear como si fuera un libro, con un orden de
lectura, con una presentación y el mejor de los recorridos posibles. Para ello,
es necesario conocer las alturas variables y adecuadas a la que se van a colgar
los cuadros. Parece ser que la mejor es 1,47. Todo debe ser claro como el que
tiene un libro en las manos y lo abre. El texto son las obras y el espectador
su lector. El montador organiza el espacio de un modo razonable y económico.
Este aspecto de ahorro de material parece interesarle especialmente y una
exposición debe ser barata, fácil de hacer y ajustarse lo más posible a las medidas
de las maderas para aprovecharlas al máximo y además, acomodarse a las ideas del comisario. Los muros estándar son
de 3, 66 m. En la conferencia, todo era un elogio de la precisión, el cálculo y
el ahorro. Las exposiciones temáticas
son más fáciles porque tienen el hilo conductor de una narración, mientras que
las de arte contemporáneo puro y duro se presentan más complicadas por la
aleatoriedad del trabajo de los artistas. Esta humildad y economicismo están dominadas por los
números, porque según él mismo afirma: todo es matemáticas. Mi asombro iba en
aumento, creía estar ante un neo pitagórico defendiendo la bondad de lo
correcto, la conveniencia y la proporción exacta y armónica de todas las cosas.
Hasta ese momento aparecía el lado razonable del arte en el que la búsqueda de
la bondad, la verdad del material y la belleza parecían los principales y
únicos argumentos.
Mr.
Hyde
Pero de repente como si se tratara de
un Dr. Jekyll transformándose en Mr.Hyde
nos ha mostrado el núcleo duro y verdadero de su trabajo a través de una
maqueta de su celebrada exposición en la galería Toni Tápies: “El apartamento”
del 2002. En esta obra, aparentemente, veíamos las mismas acotaciones, las
precisas medidas que habíamos visto en sus trabajos de montaje de exposiciones,
pero aquí todo estaba alterado con espacios imposibles, con comunicación entre
habitaciones absurdas y con un pasillo que era
un camino sin salida, la entrada conducía al baño, la cocina es la
antesala de un dormitorio. Es decir, todo lo que hasta el momento parecía una
lección de orden, decorum y
funcionalidad extrema propias del hijo desconocido de Walter Gropius: quedaba
reducido a la nada de lo imposible. Este derecho a ejercer libremente lo que el
artista necesita hacer, aunque vaya contra el sentido común, le condujo al
límite del absurdo en el año 2007 con su
proyecto delirante Fitzcarraldo. Estuvo construyendo con sus propias manos ,sin
parar, pero descansando como todo currante los fines de semana, estuvo 55 días de trabajo de construcción de
un barco Stela 34 en el CASM y
luego lo destruyó porque no pasaba por la puerta de salida. La economía de medios, el cálculo
preciso, el respeto a la medida y la máxima función ,el libro razonable del
arte mostraba a través de este acontecimiento y a modo de ejemplo, la otra cara
de las cosas. Todo se convertía en el punto extremo del sin-sentido, en el que
el derroche y el despilfarro de esfuerzos y materiales servían para mostrar el
lado más oscuro del ser humano, el espacio misterioso desde el que siempre se
manifiesta eso que llamamos Arte.
EL
CALCETIN DE TAPIES:ODA A LA NECEDAD
06 Marzo, 2010 18:31
Creo que no existe nadie más devoto que yo de la obra escrita o visual de Antoni Tàpies. Cada dos años espero con impaciencia la exposición que con el título “Obra reciente” expone en la galería de su hijo Toni. Por eso me reconforta que finalmente se haya hecho justicia y se haya reparado el grave daño que se produjo a la consideración y respeto sobre su obra con la estúpida discusión pública que se dió en 1991 sobre su enorme escultura Mitjó(Calcetín) cuando tan sólo era un proyecto. Ahora en el 2010, con la reapertura de la Fundación, se han planteado unas visitas comentadas al edificio y a la escultura-calcetín con una hora de duración. Espero y deseo que durante esas explicaciones se mencione la estulticia humana que se produjo entonces con una polémica imprópia de un país civilizado. En aquel momento se desconsideró gravemente a alguien que lleva toda su vida buscando lo esencial, que ha luchado tanto contra él mismo y que ha fundamentado la practica artística en un proceso de transformación profunda del ser.
Espero
que en el anecdotario histórico, al que somos tan proclives, no nos quedemos
con lo superficial que fomenta el desconocimiento de lo realmente importante.Un
chirrioso murmullo cotilla que se ejerce , incluso, desde sectores
supuestamente especializados como crítica , galerismo y público en general
.Debido a una injusticia histórica propiciada por la injustificada presencia de
políticos en los órganos de gobierno de instituciones culturales de 1991, pudo
hacer que un gran artista, quedara para muchos ignorantes como: “aquel del
calcetín”. Cuando los que vean esta
obra, al margen de su significación en el conjunto de la obra de Antoni Tàpies,
deben comprenderla como el recuerdo de una injusticia cultural y una enorme crítica a la ignorancia y a la
estulticia humana.
ARTE Y NARRACION:
26 Marzo, 2010 16:46
Lucía Antonini, Patirke Arenillas y Nerea de Diego, Matías Costa, Patricia Esquivias, Francisca López y Santaella presentan en Barcelona sus trabajos que han sido seleccionados para la convocatoria Generación 2010 de las Becas otorgadas por Caja Madrid este año y que ahora se exponen en La Capella hasta el 2 de mayo. Hospital, 56 junto a la Escola Massana.Sigo con curiosidad las diez ediciones que llevan otorgándose las becas de Caja Madrid. El año pasado las pude ver en la Casa Encendida y allí conocí el trabajo de Patricia Gómez y Mª Jesús González que próximamente expondrán en la galería Raiña Lupa de Barcelona. Me interesa detectar el pulso del arte recién salido del horno, porque indica tendencias, aspiraciones colectivas y este año no ha sido un excepción.
CYRIL
LEVAN:RES DUPLICATA
15 Abril, 2010 21:04
Artículo publicado en el suplemento Cultura´s de LaVanguardia. Nª 408.14 de Abril 2010
Res Duplicata es el titulo de la exposición
que en el año 2008 hicieron los artistas Cyril Hatt y Cyril Levan. Ahora, uno de ellos, Cyril Levan(1970)
expone en “Ego Gallery” que se está
convirtiendo en un lugar de referencia para constatar como la fotografía
se ha erigido en un arte de última generación. Este artista francés, duplica la realidad como hacen los
fotógrafos pero en vez de quedarse con la imagen plana del papel emulsionado,
crea un objeto escultórico y ocupa el espacio. Así, reconstruye, a escala real:
un coche de emigrantes cargado hasta los
topes, una rueda, unas zapatillas de deporte, una televisión y diferentes
cazadoras deportivas de marca que aluden a un mundo en el que el consumismo
crea un fuerte contraste entre el deseo de “glamour” o el anhelo de vestir una marca que tienen los
jóvenes en los barrios periféricos
y la pobreza, la exclusión o la
desigualdad en la que viven. Estos objetos
parecen castigados por el uso y las experiencias limite y en ellos, el deterioro y cada una de las
grapas del cosido se convierten en suturas imaginarias de las heridas físicas o
sociales de sus portadores.
Magia.-
Los objetos de Cyril Levan están en la sala
:vacíos e inmóviles, son imágenes y semejanza de otras cosas que allí no vemos
.Eso inquieta. El artista transita del volumen al plano y nuevamente al volumen creando una
redundancia , una “res duplicata” en la que la insistente dualidad despierta la conciencia del espectador .
El fotógrafo se convierte en un demiurgo
que quiere crear realidades a través
de las tres dimensiones. Esta ilusión del fotógrafo viene de lejos. La imagen estereoscópica es un
método que crea un efecto mágico que ya sedujo al espíritu científico de Dalí
que la cultivaba como si fuera algo secreto y misterioso. Levan construye sus esculturas como
contenedores vacíos de espíritu pero con la misma esperanza que aquellos que haciendo un muñeco de barro
o un monstruoso Frankenstein recompuesto ,lleno de suturas , quieren darles
vida insuflando el aliento vital sobre su rostro.
Estos “Doppelgängers” objetuales son alter
egos fantasmáticos de la realidad que
nos lanzan una provocadora pregunta sobre la esencia, sobre
la verdad y la apariencia, sobre lo mismo y lo otro tal como se encuentra en toda buena reflexión filosófica o religiosa que indague sobre el origen y la auténtica
naturaleza de las cosas.
Fotos: Guille M.Lucas.
TAPIES: NI PURO/NI IMPURO
21 Abril, 2010 15:49
Ya he dejado bien claro en un post. anterior que considero a Antoni Tàpies como parte viva de mi biografía intelectual. Desde que saltó la noticia, en Barcelona, todo el mundo comenta lo inoportuno que sería que el artista aceptara el Marquesado que se le ofrece desde la institución monárquica. Desde la honrada y emotiva carta de su amigo personal Antoni Llena en el Avui hasta la ira de los necios, todos se han cebado en el hecho con un inquietante ataque masivo. Hoy mismo en un acto al que asistía, un laureado doctor universitario ha hecho una intervención pública en la que parecía exigir una respuesta ante el comportamiento poco ético del artista. Yo, me he levantado y he contestado con algo escueto y algo críptico que ahora quiero explicar. Mi defensa ha consistido en recordar, por un lado , citando a Goethe, que: Sólo un hombre de ochenta años puede juzgar a otro hombre de ochenta años". El otro argumento ha sido citar un celebrado cuadro de 2002 que se llama “Dietari num.3, y en el que aparecen escritas dos frases: NI PUR/ NI IMPUR.
Esta obra la expuso en la Galería Charles Lelong con
motivo de su ochenta aniversario, y tiene el significativo título de una
confesión íntima: “Dietario” , la obra se convierte en una especie de libro abierto en el que se
anotan los debes y los haberes de la conciencia: En ella, un espeso contenido
gris circunvala el perímetro de la obra,
en el centro y con un fondo negro el “grattage” de una figura con los brazos
hacia delante y las manos extendidas parece orar o reverenciar.
En ambos lados del cuadro escritos
en blanco, como la cruz central que lo preside dos frases: NI PUR/NI IMPUR.
Dukkha(1995) Prajna=dhyana(1993) o la que acabo de citar, por ejemplo son obras
que confirman algo que sabe todo el mundo desde que Lluis Permanyer divulgara
en su libro” Tàpies i les Civilitzacions Orientals” (1983) la influencia
reconocida del budismo y del taoísmo en la obra del artista y su lucha
permanente contra el dolor. Por poco que se sepa de estas influencias
filosóficas se debe saber que ,tal como escribe Tàpies en su cuadro: NI
IDENTIDAD del 2003 , hay algo fundamental para aproximarse adecuadamente a su obra, tan solo hay que considerar lo
siguiente: Ni identidad permanente, ni
idea de persona, ni de ser viviente, ni de un tiempo de existencia. Bodhidharma ,uno de los filósofos preferido
de Tàpies escribió en un texto llamado
"Sobre la contemplación de la
mente" : Cuando un gran bodhisattva ahonda profundamente en la perfecta
sabiduría comprueba que los cuatro elementos y las cinco sombras carecen de un
yo personal. Y comprende que la actividad de su mente cuenta con dos aspectos :puro
e impuro. A causa de su naturaleza, ambos estados mentales están siempre
presentes. Se alternan como causa o efecto dependiendo de las condiciones, la
mente pura se complace en las buenas acciones, la impura piensa en el mal.
Aquellos que NO SON AFECTADOS POR LA IMPUREZA SON SABIOS. Trascienden el
sufrimiento y experimentan el gozo del nirvana. Todos los demás , atrapados por
la mente impura son mortales" Quiero decir con todo esto que cuando una
persona persevera por el camino del Dharma budista, y Tàpies lo ha hecho, es
fácil que lo que la mirada común entiende por contradicciones, no sea otra cosa
que el cumplimiento riguroso de un mandato filosófico: la superación de toda
dualidad al encuentro del camino del medio.
Hay muchos fragmentos atribuidos a
Bodhidharma que podrían complementar esta reflexión, por ejemplo: Cuando
aparece la mente mortal, desaparece la budeidad. Cuando desaparece la mente
mortal, aparece la budeidad…quien sepa que nada depende de nada, habrá
encontrado el Camino” Por eso, la polémica continuará hasta el agotamiento,
porque no hay entendimiento posible entre aquellos que juzgan las cosas desde
el conocimiento racional, positivista, hecho de códigos binarios de si y no, de
amigo-enemigo, de conmigo o contra mi
propios de la vida mortal y aquellos que al aceptar un honor saben que
nada depende de nada. Y quien sepa entender la respuesta de alguien que ha
superado esta dicotomía es que se encuentra, como Dalí en su día y Tàpies ahora
en otra dimensión. Lo puro o lo impuro, ni existen ni no existen: es lo que se denomina el Camino del
Medio al que llegan los artistas que consiguen ir más allá.
https://youtu.be/iw2dhHrRBNg
LA
ARMADURA DE MARCEL.LI ANTUNEZ
24 Abril, 2010 09:24
GONZALO
TENA versus GERTRUDE STEIN
26 Abril, 2010 11:52
Begin being ready to find the human mind, 2007 Acrílico, collage sobre cartulina 18,5 x 70,5 cm.
GONZALO
TENA, (Teruel 1950) es pintor, escritor
y expuso con el título "The
relation of Human Nature to the Human Mind" sus trabajos en la galería Fernando Latorre de Madrid hace
un par de años. Nunca ha dejado de trabajar en torno a la obra de Gertrude
Stein, entre otras cosas,
Gonzalo Tena formó parte del grupo de
"Trama" en los años setenta con Broto , Xavier Grau ,Javier
Rubio, fueron apadrinados por Tàpies e
hicieron sendas exposiciones en la Galería Maeght de Barcelona y en la Fundació
Miró, el grupo tuvo una actividad tan intensa en el debate sobre conceptualismo
y pintura-pintura que, en Barcelona, aun se recuerda la polémica. Yo creo que
los de Trama era tan conceptuales o más que los otros, la diferencia es que se
manchaban las manos. En Trama se daban
confluencias intelectuales radicales muy diversas desde el marxismo-leninismo
al psicoanálisis, de ese momento tan fructífero
que se desarrolló en Barcelona en los setenta existe un estudio
completísimo en dos gruesos volúmenes con más de ochocientas páginas escritas por
el psiquiatra y coleccionista Javier Lacruz.
Gonzalo Tena ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas y compagina su trabajo artístico con la escritura y el estudio de algunas obras clásicas de la historia de la pintura, como muestra hay que citar su libro "Bruegel en La Torre de Babel" (2005) cuya presentación fue en el Museo de Teruel y corrió a cargo de Juan Manuel Bonet, exdirector del Museo Nacional Reina Sofía, crítico de arte y comisario de exposiciones. La exposición que se presenta ahora está basada en 50 obras de pequeño formato que forman series incidiendo en fragmentos de la escritura y forma de pensar de Gertrude Stein.quien en 1935 publicó : "The Geographical History of America or the Relation of Human Nature to the Human Mind ". En los últimos años su trabajo está influenciado por la escritura y el pensamiento de Gertrude Stein.
La obra y la actitud artística de Gonzalo Tena es muy compleja, por la brevedad que me he auto impuesto en el Blog. quiero tratar someramente algunas facetas del poliedro de su obra. Una de esas facetas es la que el mismo Gonzalo llama:"la tarea del entomólogo crítico" ,es decir la capacidad que tiene este artista por percibir los minúsculos detalles de la vida y aplicarlos a su arte que exige máxima atención a lo menor. Cuando hablas con él, te das cuenta del valor que le da a una mirada o a un gesto, la importancia de la memoria y de las anécdotas. Cuando leí el estudio de Gonzalo Tena sobre Bruegel me dí cuenta que en ese libro se pone énfasis en la importancia de la mirada en detalle sobre las obras de arte, una mirada que exige concentración, conocimiento y la capacidad interpretativa del entomólogo crítico para enfrentarse a las formas y a la vida. Solo personas como él o como el escritor e ingeniero Juan Benet son capaces de determinar la importancia de que el crecimiento formal de la Torre de Babel de Bruegel sea de orden helicoidal o telescópica y que en eso resida un aspecto fundamental de esa obra. Por este motivo, podríamos suponer que G.T es un entomólogo de la forma que hace un arte cientifista basado en evidencias y análisis objetivos, pero no, no es solo así, desde la precisión y la exactitud como debemos aproximarnos a su obra.
Cuando pienso en la obra de G. T me
viene a la cabeza una frase ambigua de uso popular que dice: "verde y con
asas". Esa frase alude a lo evidente, a lo objetivo, a lo claro, a lo
diáfano, a lo que no ofrece duda alguna, podríamos decir una obviedad
científica, sin embargo es una frase críptica, cerrada, hermética porque nadie
sabe definir de una sola vez que puede ser eso que es verde y con asas. Por
otro lado en esa afortunada expresión se reúne la palabra, el objeto y el color
y ahí se encuentra el otro lado de la moneda de G. Tena que esta llena de
franjas y turbulencias formales, de actividad energética constante y de
palabras que teniendo sentido lo pierden en el conjunto y ahí es donde yo veo su proximidad al mundo Steiniano.
Gonzalo Tena obliga al espectador a definir un nuevo tiempo y un nuevo espacio,
obliga al sujeto percibiente a establecer un vínculo no causal con la obra , no ilustra conceptos,
ni frases, obliga a una percepción simultánea
de los dos cerebros: el que es capaz de inteligir y el que es capaz de ver,
todo ello en frases que salen de lo lineal temporal de la escritura para
convertirse en fragmentos, en detalles energéticos más que de sentido. No hay
progresión lineal hay coexistencia espacio temporal. Y así, sin pasado, sin
futuro nace el instante, el momento pregnante del sentido. Las frases de
Gertrude Stein también enfatizan esa voluntad de momento. Con la obra de Gonzalo Tena hay que
dejarse llevar sin obsesionarse por el sentido, no hay que descifrarla
necesariamente por el hecho de que existan unas palabras escritas, como tampoco
queremos descifrar el entramado complejo de un garabato sígnico lleno de
energía. En este aspecto y por mi deriva hacia lo japonés diría que Gonzalo Tena , además de a Gertrude Stein, se
acerca en su obra a esa sensibilidad oriental en la que corazón(Human Nature) y
cerebro(Human Mind) forman parte de la misma expresión poética en la que la
palabra es la que es, pero en la que el sentido se muestra abierto y a menudo
cerrado.
BILL
THOMPSON EN MIGUEL MARCOS
12 Mayo, 2010 12:53
Artículo publicado en el suplemento Cultura´s nº 412 (12 Marzo 2010) de La Vanguardia de Barcelona.
El
artista norteamericano Bill Thompson presenta su primera exposición en
Barcelona y la ha nombrado con el título de una de sus pinto –esculturas de
pared :”Duende” .Esta obra de color morado ,tiene un resplandor extraordinario,
igual que las otras diez ,parece buscar una luz primordial. Todas ellas son
monocromáticas, de colores vivos como
Split, Stinger o Pageant. Son
unos volúmenes de mediana dimensión que están pintados con uretano acrílico
sobre bloque de poliuretano lo que les da una luz brillante, intensa e
industrial que contrastan con otras nueve obras de acrílico sobre papel,
opacas, resistentes a la luz y que
crean el contraste de la nocturnidad.
La pintura norteamericana ha sido pionera en la experimentación pictórica, nunca han dejado de investigar con nuevos materiales y nuevos formatos. Recientemente he podido comprobar como Steve Silver en Brooklyn- que ha pintado sobre poliespan durante treinta años- ahora, investiga con pintura “interference colors” sobre “mdf” que cambia con la luz tal como sucede con la carrocería de algunos coches; el resultado es un brillo extraordinario similar a la laca industrial que aplican Gloria Cot, Wilhelm Mundt o el escultor Gabriel, en todos ellos, sus obras alcanzan una potente luminosidad cercana al esplendor solar o a la luz del origen.
Las obras de Bill Thompson son aparentemente amables e incluso decorativas, pero él, les otorga un valor añadido cuando establece una relación entre el hecho físico, concreto ,de la luz, la forma y el color brillante de estos cuerpos luminosos creados para la visión y los relaciona con un ente invisible: el duende.
Del duende se dice que habita en algunas personas como algo misterioso e
inefable, pero aquí ,se atribuye este don al color y a la forma del objeto y así,
de modo plenamente fenomenológico, un color anaranjado crea
una tensión que no deja indiferente a nadie. La relación entre luz, brillo y potencias
invisibles ha dado pie a lo largo de la historia a establecer un amplio
repertorio místico de ocultos significados de lo divino: ”y vieron una clara
luz”. El universo simbólico se nutre de las diferencias entre los imperios de
la luz y de las tinieblas, o acaso, ¿ no es ese el sentido de lo taurino o de
la transformación de un pedrusco en un costosísimo brillante?
El vínculo extremo entre luz y duende se
encuentra en la película: “El resplandor” dirigida por Stanley Kubrick , basada
en la novela de Stephen King, ahí se
explica muy bien esta relación cuando
vemos o leemos que algunos de sus protagonistas
poseen un don que les permite detectar espíritus ,ver el pasado y el futuro
y que ese poder visivo se asocia a la
luz , una especie de cladividencia
que llaman: el resplandor.
Las obras de Bill Thompson convierten la
actitud distante y crítica del que mira en un fogonazo y así sus obras se
manifiestan como algo más que pura forma o color cristalino , el esplendor, tal
como sucede en tradiciones antiguas, deviene símbolo profundo de la manifestación del
Conocimiento.
RESILIENCIA
ESTETICA:JOAN FONTCUBERTA
20 Mayo, 2010 14:06
Artículo
publicado en el suplemento Cultura´s Nº413 del periódico La
Vanguardia(19/Mayo2010)
RESILIENCIA
ESTETICA.
La Galería Mayoral ha vuelto a
sorprendernos con sus nuevas estrategias expositivas que concilian la oferta
del fondo histórico con las intervenciones de artistas del presente. Solo la
inversión ,la imaginación y la colaboración pueden proyectar las galerías hacia
el futuro. Así, lo hizo Mayoral con la magnífica exposición “Arquitecturas”
(2008), con “Cien mil pares de ojos” de Ignasi Aballi “(2010) y ahora con
“Resiliencia”: un proyecto de Joan Fontcuberta.
El artista ha tenido ”Carta blanca” para que en esta exposición diez piezas de su serie “Googlegramas” dialoguen con obras de Antoni Tàpies, Juan Genovés, Josep Guinovart, Antonio Saura, Equipo Crónica, Rafael Canogar y Manolo Millares.
Las propuestas de Fontcuberta siempre esconden algo más de lo que vemos, los significados ocultos reverberan como ecos en su interior. En esta ocasión los objetivos y los criterios de búsqueda en el Google de su imaginario han sido numerosos, desafiantes y complejos. Por un lado, se ha propuesto establecer las paradojas entre las mentiras de las fotos sobre el falso arsenal nuclear de Irak y las verdades de las imágenes publicadas de las torturas a los prisioneros de Abu Ghraib en Internet, por otro, ha conseguido establecer analogías, vínculos formales entre las imágenes que ha escogido de esas torturas y las obras de denuncia de la violencia y el terror de la dictadura que hicieron algunos artistas vanguardistas, dando a entender, si acaso, estas obras fueron eficaces o no.
También se ha preguntado, si no existe banalización del sufrimiento humano al ver esas imágenes horrorosas hechas de miles de fotografías “googleadas” o si al contrario nos perturban profundamente.
La Resiliencia estética.-
Joan Foncuberta ha puesto a la exposición
el título de una de sus obras: “Resiliencia”; en ella se ve un charco de sangre
y vestigios de tortura en una celda de Abu Ghraib, una imagen abstracta que
dialoga con una obra de Tàpies. No es la más perturbadora, las otras también lo
son, y nos ha hecho varias preguntas: ¿nos afecta el espectáculo de los
sufrimientos de los demás a través de la televisión o del periódico? Si es así:
¿Existe la posibilidad de que el arte nos
transforme? Y en el caso de una afección profunda, por la presencia
insoportable de una imagen que nos causará un profundo dolor ¿tendríamos los
instrumentos adecuados para nuestra recuperación emocional?
La noción de Resiliencia la ha puesto en
circulación el etólogo, neurólogo y psiquiatra francés Boris Cyrulnik y se refiere a los mecanismos de recuperación que el ser
humano tiene tras un impacto emocional profundo. Eso parece urgente y necesario
en la vida real, pero es una novedad que Fontcuberta lo plantee en relación al
artificio de lo artístico o en la recepción estética. Quizá es de los que creen que se producen
efectos extremos, devastadores en la conciencia de quien hace una obra o la
contempla.
Aquí, Fontcuberta parece reconocer que una obra
de arte tiene esa capacidad transformativa y que en el caso de que existieran
efectos insoportables y que
estas obras nos causarán un profundo dolor, tendríamos que encontrar el bálsamo
adecuado a través de técnicas de resiliencia, con tal de salir fortalecidos,
transformados y conseguir que tras el impacto
emocional y estético, el “murmullo de los fantasmas “deje de
atormentarnos.
EVA
HESSE EN LA FUNDACION TAPIES
07 Julio, 2010 22:05
Artículo
publicado en el suplemento Cultura´s de LaVanguardia nº 420(7-07-2010)
ARTE DEL NO Y LA NADA
La Fundación Tàpies recupera, tras la
reforma, el tono expositivo que se espera de ella. Lo ha hecho con una
magnífica muestra de la artista germano
americana Eva Hesse (Hamburgo1936-NY1970) que murió prematuramente, pero que
vivió lo suficiente para dejar una obra emblemática hecha a base de materiales
ligeros , dúctiles como el látex, la fibra de vidrio, el papel maché o los
cordeles. Hesse utilizaba estos materiales sabiendo que por sus características
estaban destinados a un progresivo deterioro
y con el paso del tiempo, incluso a su
desaparición. Pura alegoría de su propia existencia.
Esta exposición se llama “Trabajos del estudio” pero no son ejercicios
preparatorios , la expresión “obra en proceso” tiene en esta artista su máximo
significado, porque su aspiración no era otra que transformar lo menor; no son obras provisionales a la espera de
conseguir resultados mayores o definitivos, sino que son obras con valor en sí mismas. La ligereza y
la provisionalidad son sus grandes virtudes y como demuestran las fotos hechas
desde 1965 hasta su muerte, su estudio de Manhattan y su mesa de trabajo eran una muestra fiel de
su obra, eliminando el límite y expandiendo el modo de vivir al modo de hacer.
A pesar de que Bill Barrette quisiera presentar a Eva Hesse
como escultora en su catálogo razonado
de 1989 , estas obras no quieren definirse como objetos, ni pintura, ni
escultura, son algo más e incluso, como ya dijo la propia artista, no quiere dar significados, ni interpretaciones
a su obra:” mi preocupación es ir más allá de lo que sé y de lo que puedo
saber” . Sucede que cuando una obra se
niega a ser interpretada, aparece con más fuerza su poder matérico y sus
cualidades morfológicas y por eso,
acciones menores como: acumular, arrugar o perforar la materia se
convierten en indicios fiables del sentido y están muy presentes en la obra de
Hesse.
Hacer nada. La doble
negación.
Sus obras están hechas con el
espíritu de la negación y de la nada, se
convierten en una alegoría de la caducidad inevitable de todas las cosas, de
todas las personas.
Por eso ,aquí lo único interpretable es su propia actitud al querer
hacer lo mismo con su vida como persona que como artista. Su particular sacrificio debido a su
procedencia judía en los tiempos trágicos y
su enfermedad, la convertían en una persona frágil y en progresivo
deterioro, tal como era su obra, y eso es algo que no supo comprender su amigo
Sol Lewitt que en los años sesenta la animaba incesantemente a “hacer más” y
dejarse de preocupaciones personales como
dudar, temer , sufrir , dejar de mesarse los cabellos o rascarse la
espalda. Sol Lewitt no comprendió que el oxímoron “hacer nada” es la clave de la vida y de la
obra de Eva Hesse.
El arte del no-no, de la doble negación coloca a esta artista en la
misma dimensión estética de las obras en potencia que jóvenes como Antoni
Llena, Angel Jové ,Silvia Gubern, Jordi Galí y Albert Porta llevaron a cabo en
la misma década de los sesenta en Barcelona.
Eva Hesse se acerca al vació como cualidad primordial de la expresión
artística, una sensación que embarga al visitante cuando se encuentra ante el
gran espacio expositivo de la fundación con cuarenta y siete rastros mínimos, una pura exaltación de la
negación y la nada.
CRITICA
DE ARTE EN LA TRINCHERA
08 Julio, 2010 07:26
Este artículo es un respuesta al comentario que un lector hizo de mi post sobre Eva Hesse.
Benvolgut
amic: en tu comentario aludes al
concepto de crítica postmortem ligada al calendario del circuito cultural
internacional y en detrimento de todo aquello que se hace aquí y ahora en
nuestro entorno más cercano en nuestra casa.
Yo estoy de acuerdo y lo estoy tanto que en
mi propósito crítico se encuentra lo que denomino crítica de trinchera. Con
esta expresión me refiero a que si bien es loable un artículo sobre Joan Miró o
incluso Barceló eso no tiene tanto interés y mérito como enfrentarse cara a cara a las exposiciones de
galería, de día a día, de primera línea en un ejercicio sin referentes
esclerotizados por la información histórica. Esa es entonces una crítica
desnuda y arriesgada que en lugar de pensar que la crítica es más importante
cuando más importante y conocido sea de
quien se habla, apuesta por el encuentro, el hallazgo y la sorpresa. Reconozco que ese es un vicio que afecta
las programaciones de la prensa especializada, en la que los críticos hacen una
escala de valores con una ecuación falsa en la que se cree que se puede
conseguir más espacio e imágenes cuando más conocido e importante es el artista
de quien se habla. Eso es un error.
Todo ello no es una posición teórica sino
que el muestrario de mis objetivos crítico lo demuestran: Ignasi Aballí,
Aleksandra Mir, J.C.Bracho, Cornelia Parker, Cyril Levan, Charles Freger,
Victoria Campillo, Pablo Valbuena , Tadanori Yamaguchi, Oriol Vilapuig, Gonzalo
Tena, Marti Anson, Gabriel, Ester Partagás, Anke Blaue , Bill Thompson o David
Levinthal, y muchos otros y en esta ocasión, incluso, Eva Hesse una artista muy
poco conocida en nuestro país.
Un aspecto derivado de esta reflexión es que también me he propuesto acabar con la dictadura epocal que consiste en un vicio de opinión que considera que cada época tiene sus críticos de moda que son los que recepcionan la obra de generación a generación. Es decir que un arte de artistas de treinta años necesita críticos de la misma edad. Mi interés por al arte de la época que me ha tocado vivir permite que mi dedicación no obedezca a prejuicios generacionales. Así se va forjando la crítica de trinchera, la critica de vanguardia.
SAATCHI
I EL DESCARADO
12 Agosto, 2010 08:50
Iñaki Ellakuria ha publicado en La Vanguadia de hoy 12/08/10 un interesante artículo sobre los dos libros recientes publicados por Charles Saatchi(Irak 1943) Uno es “Me llamo Charles Saatchi y soy un arteholico (Phaidon) y Question (Phaidon). Del artículo he destacado las declaraciones del rey de la publicidad y del mercado del arte actual que en cuatro palabras nos aclara por donde van las cosas en su reino.
“Soy
un "adicto al arte". Soy un
Arteholico “
“En
este negocio hay mucho dinero y egos muy
grandes".
"No
hay consejos ni normas para comprar y coleccionar arte".
“Sólo
pasión, dinero, intuición y una pizca de suerte”.
“Me
dejo llevar por mis gustos: adoro aquellas obras que "no se parecen a algo
que ya he visto 100 veces antes”
“
Me gustan las obras que son visualmente muy agradables o particularmente
repelentes".
“Detesto las pinturas que contienen
"calaveras y muñecas".
"Los
coleccionistas somos insignificantes, lo que cuenta y sobrevive es el arte”
“Yo
sólo compro el arte que me gusta para exhibirlo y luego, si me da la gana, lo
vendo y compro más".
"Los artistas necesitan muchos
coleccionistas, todo tipo de coleccionistas, comprando su arte".
"Los
ricos siempre estarán con nosotros",
“Los
marchantes, mayoritariamente son unos
"pomposos" que prestarían un mejor servicio a la sociedad en
"las puertas de los nigth-club" decidiendo quién entra o no aquella
noche. "Muchos de ellos se creen que controlan el mercado, pero cuando un
artista hace vibrar la escena con sus obras, este ya es incontrolable".
“los
comisarios poseen generalmente un gusto caduco y alejado del pulso de la escena
artística ya que están "demasiado preocupados en ofrecer una y otra vez a
sus 250 devotos la misma exposición del día de la marmota”
“exhibiciones
de ojos muertos y sin alma dominan hoy el paisaje del arte".
"Ser
un buen artista es el trabajo más duro que puedes elegir y tienes que estar un
poco loco para asumir ese destino: los amo a todos".
“Damien
Hirst. es mi niño más mimado entre los young british artists, pero "está un poco fuera de forma".
“Entre
los que menos me gustan: Basquiat, "su arte me pareció siempre decorativo
y poco original"
“
Rothko –"no creo que sus obras evoquen el infinito"–,
"La primera vez que vi obras del nuevo
arte chino pensé que era horrible, y la mayoría del arte que te parece horrible
al principio lo continúa siendo"
"En
la última década la especulación infló los precios y no creo que la burbuja
vaya a estallar en breve”
JOSE
LUIS BREA: LA MUERTE DE UN CRITICO SIN FECHA NI LUGAR
07 Septiembre, 2010 19:33
Hoy día siete ,justo en el momento en el que una fuerte tormenta con rayos y truenos está cayendo en el Alt Empordá, miro el correo y recibo la noticia de que el dos de Septiembre del 2010, apenas hace cinco días, falleció el Crítico de Arte José Luís Brea. La aportación teórica y crítica de José Luis Brea está fuera de toda duda y ha sido y será ampliamente loada. Yo quiero destacar que lo conocí en Barcelona cuando empezaba su carrera crítica y parecía más un músico post-punk invitado a la Eda de Oro de Paloma Chamorro que un filósofo. Yo lo invitaba, cada vez que había ocasión, a dar alguna que otra conferencia para la fundación a la que entonces asesoraba. Confiaba absolutamente en él. Sabía que vivía en Barcelona, conocía la compleja trama conceptual que elaboraba constantemente, seguí su marcha a Cuenca , Madrid y su SalonKritik pero nunca supe ni la fecha, ni el lugar de su nacimiento.
Su timidez había construido una muralla de
palabras que era infranqueable en primera lectura pero que le permitía
defenderse de los insidiosos. Creo que puedo decir que conozco la labor teórica
de José Luís Brea y su empeño en construir lo que el llamaba “criticidad”
contemporánea, pero nunca he sabido ni
la fecha , ni el lugar de su nacimiento, ni tampoco lo que protegía su
fortificada muralla.
ROBERT
LLIMOS :LOS EXTRATERRESTRES Y EL ARTE RELIGIOSO.
21 Septiembre, 2010 09:33
Christian Schad (1894-1982)Retrato del Dr. Haustein, 1928Óleo sobre lienzo. 80,5 x 55 cm Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
Robert Llimós "Fortaleza"
Robert Llimós expone en el Espai Volart de
la Fundació Vilacasas hasta el mes de Diciembre sus obras recientes que son el
testimonio visual de su contacto con seres extraterrestres.
Sí, han leído bien: extraterrestres. Este
tema se puede tratar de varias maneras: una, calificando de loco a Llimós,
pasar página y no escribir ni una línea, otra creyendo lo que dice y la tercera
aprovechar su exposición para reflexionar sobre el arte actual. Yo obviamente
he escogido esta última.
La exposición tiene como título “Fortaleza” que es un lugar de Brasil en el que a principios del año pasado entró en contacto con los seres de otros mundos, tal como explica él mismo y que de un modo literario escribe Eduardo Mendoza en el texto del catálogo. Por cierto, a nadie le extrañó que este escritor tratara el tema de los extraterrestres en “Sin noticias de Gurb”, como a nadie sorprende que se trate en el cine (Wells) o en los cómics como, por ejemplo:
”
Los celestiales” que son una raza ficticia del universo de Marvel Comics. Pero
la pintura es otra cosa, el prestigio intelectual amenaza a los artistas que
consideran que entrar en este tema es una concesión comercial, frívola y
barata. Nadie se ha atrevido a manifestar tal grado de alucinación alienígica a
través del arte hasta que Llimós arriesgando su reputación a la “mofa” y a la
“befa” lo ha hecho. Esta audacia merece
un primer reconocimiento.
Y así, casi sin quererlo, esta exposición se convierte en un manifiesto radical a favor de la tradición de la Pintura religiosa tal como se ha considerado en occidente desde el arte paleocristiano hasta las vanguardias del siglo XX.
El arte religioso obligaba al artista a
ejercer su oficio con exigencias y
normas rotundas. La primera era el oficio. Aquí, Llimós reivindica los procedimientos clásicos del oficio de
pintor, y se puede ver en esta exposición :óleos sobre tela y sobre papel,
aguafuertes con resina, linóleums, acuarela y lápiz, sobre diferentes soportes
e incluso esculturas de resina y poliéster patinadas,todo un repertorio de técnicas tradicionales que
parecían en desuso y que estaban destinadas al desván del arte, una gama
completa de casi todas las técnicas propias de su oficio.
La segunda es que el arte religioso
siempre ha desconsiderado la abstracción a favor de la representación
figurativa y Llimós con su obra figurativa puede visibilizar y dar constancia
de su contacto con los seres de otros mundos. Mendoza , en su texto, alude al escaneo que los extra terrestres hicieron a Llimós para neutralizar cualquier
aparato fotográfico que pudiera
verificar su existencia. No sabían que
Llimós era pintor y que no necesitaba cámara, tan solo memoria visual para
representar su presencia en la tierra.
Obviamente que Robert Llimós vuelve a plantear con su obra un tema que catedráticos de estética y teólogos se han preguntado desde siempre, me refiero a la relación entre misticismo y sacralidad y sobre la posibilidad de representar a través de imágenes la divinidad.
Este
tema es especialmente interesante hoy en día en el que la desacralización
occidental contrasta con el fundamentalismo religiosos cada vez más poderoso en
medio-oriente y más allá. Eugenio Trias que es sin duda el filósofo que mejor interpreta pensamientos y tendencias contemporáneas
y también Victoria Cirlot y Amador Vega
una pareja especialista en la mística medieval europea y en el arte
contemporáneo están interesados por el papel de la estética y la religión en la modernidad.Los tres brillantes
profesores de la Universidad Pompeu Fabra pueden darnos algunos indicios sobre
"la cosa".
Eugenio Trias, con la eficacia de su pensamiento
ilustrado ha explicado, de un modo
brillante siempre, todos los momentos fundamentales de la historia de las
ideas, de la filosofía de tantas y tantas variantes del movimiento moderno del
que él mismo se considera parte , de una modernidad crítica en la que hay que
incluir tendencias tan diversas como el psicoanálisis o el marxismo. Trias se
ha propuesto reconciliarse con su origen, con su primera y espontánea tendencia
hacia la metafísica. Cuando leo un libro suyo siempre me llama la atención que
en la solapa se recuerda que su primer
estudio conocido, sobre otro filósofo, fue una tesis sobre Santo Tomás de Aquino. Eugenos (bien nacido)
Trias ha derivado su curiosidad intelectual
hacia los pensamientos que se encuentran en el límite y uno de los que
se encuentra en el limite del abismo es la búsqueda de lo sagrado, la verdad de
la mística y la verdad del arte.
Trias, como hombre que se mueve entre la
razón y el enigma se encuentra entre tres fuegos de llamas bien distintas, en
el primer fuego las llamas dibujan una lucha mental, interiorizada y
conflictiva de alguien que quiere explicar razonadamente todo y que de
repente, se encuentra en la misma
reflexión con dos miradas teológicas distintas.
Por un lado, lo que he oído decir a Victoria Cirlot , especialista en el
sentimiento religiosos de la cultura medieval sobre este tema, es que ella está
mas cerca de la visión Catafática que la que mantiene Amador Vega que es una
posición Apofática.
La Catafatica propone una visión teológica
positiva que presupone la posibilidad de conocimiento de Dios . En lenguaje “ufológico”
sería admitir la posibilidad de acceder al conocimiento de aquello de lo que no
tenemos experiencia. Esa posición la debe compartir Robert Llimós con sus
propuestas pictóricas por hacer cognoscible lo que nadie ha visto. Por otro
lado la posición de Amador Vega que mantiene una posición apofática o de
teología de la negación supone la imposibilidad, de llegar a la naturaleza
incognoscible de Dios. Esta posición la mantienen, como no podría ser de otro
modo, los escépticos en materia ufológica.
El arte de Llimós es religioso porque la Iglesia siempre ha dado su confianza al arte como verificador testimonial de lo invisible a pesar de que nadie ha visto la frondosa barba blanca de Dios, ni las alas de los ángeles frente a aquellos que consideran que el mundo invisible tan solo puede representarse como una atmósfera blanquecina o un gas azul y nebuloso. Por último creo que es una exposición de arte religioso porque en ella, igual que en la iconografía cristiana se hallan la muerte y el sacrificio y quizá la esperanza de un reencuentro celeste, pero eso solo Robert Llimós con su dolor lo sabe.
CARLES HAC MOR Y LOS CRITICOS.
22 Septiembre, 2010 08:58
Carles Hac Mor es un poeta, con
camisa roja, que se ha propuesto reclamar para el arte su condición de enigma
irresoluble, su condición autárquica y su dignidad. C.H.M quiere reivindicar la
insumisión y el caos como la única manera fiable de aproximarse al arte . Según
él mismo escribe: su principal objetivo son los "criticarros
interpretadores que después de liarse y liarnos con clasificaciones y concomitancias sensatas, siempre mal
demostradas, concluyen que tal obra o tal otra, dicen tal cosa o quieren decir
tal otra" .
Al leer esto, ninguno de nosotros queda
redimido, todos nos sentimos aludidos ante tamaña acusación, ningún exégeta, ni
el más honrado hermeneuta queda a salvo de su ira contra interpretadora. Para
los iconoclastas del sentido, para los que solo creen en el arte, este libro
de Carles Hac Mor: “Enderroc i Reconstrucció” es un auténtico
manifiesto, un pozo de sabiduría insumisa. Una ocasión única para fortalecer la
des-identidad positiva y aniquilar el
ego racionalizador en beneficio de un caos positivo. Los vapores
contra-mercurianos de la contra-interpretación del No-Crítico Carles Hac Mor alude al arte silencioso de
los artistas y argumenta que sus obras no necesitan muletas , que es lo que son en sí misma y que
cualquiera que lo intente puede caer en el abismo del absurdo. En este libro hay una apología muy bien
armada del no-ser como condición de lo artístico. Paradójica y ejemplarmente,
los artistas confían, cada vez más en C.H.M y le solicitan textos para sus
catálogos y crónicas para los diarios, a
sabiendas de que, probablemente, no esclarecerá el enigma de sus obras; confían
fielmente en alguien que es como ellos y que se aproxima a sus obras con la delicadeza de un amante.
No hay duda que Enderroc i Construcció (Derribo y
Construcción) es un libro imprescindible , un ensayo fundamental para situarse
en el núcleo del arte contemporáneo como manifestación de lo inexplicable.
El 3 de Junio de este mismo año a
las 7,30 me encontraba puntual y dispuesto a asistir a la presentación del
libro de Jordi Marrugat “La revolució com a origen de l´escriptura de Carles
Hac Mor i L´escriptura de Carles Hac Mor com a origen de la revolució.” Este
maratoniano título predisponía al asistente a esperar cualquier cosa del acto y
así fue. Presentado por Lluís Calvo y Xavier Garcia estaban previstas
intervenciones de Vicenç Altaió, Laura Borràs, David Castillo, Antoni Clapés,
Valentí Gómez i Olivé, Manuel Guerrero, Carles Hac Mor, Jordi Marrugat, Laia
Noguera, Jordi Nopca, Ester Xargay y David Ymbernon. Yo esperaba una performance tras otra, como
se podía suponer siendo C.Hac Mor el homenajeado. En cierto modo algo “dejà
vu”. Sin embargo el acto fue muy contenido y ese aspecto formal lo convirtió en
altamente singular por dos razones. La primera era la ausencia del
protagonista, del homenajeado, su
compañera, Ester Xargay, anunció que Carles Hac Mor estaba ingresado en el
hospital, ya que el día anterior había tenido una crisis de salud. La noticia
iba acompañada de una duda y es que conociendo su imprevisibilidad a lo mejor
podía aparecer en cualquier momento. Pero no apareció. La segunda cuestión fue
el cuerpo teórico de la larga presentación
que hizo desde una óptica universitaria rigurosa el presentador del acto
que era Lluis Calvo. El apólogo como se espera de un profesor universitario
leyó un discurso muy riguroso de gran altura conceptual que llevaba escrito, en
defensa y alabanza del autor y del sujeto estudiado. Nada de improvisaciones.
El texto obedecía a una convención académica absoluta, ni una frase
desbarrante, ni un gesto exagerado y así, poco a poco, los férreos barrotes de
la interpretación iban aprisionando el sentido de la obra de Carles Hac Mor;
el interprete no dejaban escapar ni un
solo aspecto relevante que no se encontrara en la obra del autor añadiéndose
así al riguroso estudio que el propio Jordi Marrugat hace en su libro . Alguien
que se resiste a ser interpretado caía atravesado por las aceradas lanzas de la
academia. Al repaso historiográfico
le acompañaban numerosas referencias y citaciones a sus textos. Aquello era un
“paraninfo”. Como se sabe el paraninfo es en las universidades un espacio
académico muy importante en los que se
suelen hacer proclamas al estudio con
exaltaciones muy retóricas para
que los estudiosos sigan tras la búsqueda del arca perdida del sentido. Y eso
es lo que estaba sucediendo. Autor, Revolución y Escritura se encontraban
prisioneros del intelecto, de la capacidad de pensar y racionalizar de un modo
socrático. Si consideramos que un aspecto importantísimo de la actitud “Hacmoriana”
, como ha quedado demostrado anteriormente, es el elogio total y constante del
absurdo la cosa era aun más hiriente. Pero, justo ahí se encontraba la clave de
la cuestión. Una vez más, sin quererlo Carles Hac Mor triunfaba en defensa de
lo absurdo, por lo absurdo de la situación misma.
Pero a pesar de esa cruel paradoja
que supone la caza del absurdo a través de la razón, la sangre no llegó al río
.Si la pretensión del exégeta era cazar al autor en las redes de la ortodoxia
academicista ,el único modo de atraparlo y
eso si que hubiera supuesto un grave agravió que hubiera hecho que Carles regresara de
inmediato de la nube del absurdo, de la insumisión y del caos, incluso acudir
renqueando de su crisis de salud, para coger con firmeza las riendas de la
razón, clavar los colmillos de la lógica positiva e incluso la llamada a una auténtica
revolución colectiva hubiera sido la cuestión de la lengua catalana, la lengua
es el instrumento del logos, y el super tema de la identidad nacional. Esas son
las dos asignaturas pendientes que Carles HenandeZ Mor tiene con las
para-ninfas del absurdo.
Por último quiero referirme al hecho de que ambos libros se hayan
editado en el catálogo de Arola Editors. Estos dos monumentos teóricos contra
la interpretación se han publicado en
esta editorial que no deja de progresar desde su fundación en 1998, y
aunque tiene varias líneas de edición, se ha dedicado a publicar los
textos herméticos más importantes de la tradición occidental como :“El mensaje
reencontrado” de Louis Cattiaux, Hermes
Trismegisto, El Origen de la Alquimia, Un comentario sobre el Atalanta Fugiens,
Hermes y la Tabula Esmeraldiana ,la
Belleza secreta o El Buscador de Orden”
del propio fundador de la editorial Raimon Arola, estos son algunos de
los temas que se pueden encontrar en el índice de esta editorial. Las preguntas surgen en racimos: ¿Cómo
estos alegatos HacMorianos contra-interpretadores del arte se han publicado en una editorial
fundada sobre los mismos cimientos de la capacidad por interpretar lo numinoso
que tiene el ser humano? Todos los títulos de esta editorial son anuncios, casi
exhortaciones a la búsqueda del misterio
ontológico que se encuentra detrás de todas las cosas, de toda existencia. Sin
una buena capacidad exegética e interpretadora no se puede acceder a esos
textos, se necesitan unas alforjas llenas de
buena fe, de confianza absoluta en la
la metodología hermenéutica que esta basada siempre en la confianza en
el texto por no decir amor. Sin fe, ni
amor nunca aparece el significado simbólico.
Ante este hecho tan solo existen dos posibilidades : ¿Cabe ubicar los
libros sobre el pensamiento de Carles Hac Mor, como un libro de revelaciones
simbólicas, junto a los de Hermes Trismegisto,
Louis Cattiaux o a los del mismo Raimon Arola, ? ¿O
no? .
Si la respuesta es sí, entonces dispongámonos, con las herramientas
adecuadas a atravesar el cristal sin romperlo, dispongámonos a operar con los
útiles de la interpretación y el sentido para actuar sobre el libro revelado,
sobre los textos de Carles Hac Mor como
si fueran una Biblia, y entonces ,solo a través de la amorosa interpretación y
la actitud adecuada, y la fe, podremos interpretar la contrainterpretación de
sus textos y accederemos a la esencia
del sentido, al núcleo del ser y del no ser que su pensamiento esconde. Si la respuesta es no, la controversia está
servida porque el lobo habría entrado en el redil de los corderos, y entonces
su alegato contra interpretador dejará mudos para siempre a los grandes autores
herméticos, su sentido quedará definitivamente cerrado para todo el mundo. Solo
escucharemos las palabras como sonidos que no comprenderemos pero que nos
producirán profunda reverencia al oír su pronunciación en el aire. Y entonces
se repetirá el argumento con el que iniciaba esta extraña reflexión: Carles Hac
Mor es un poeta, con camisa roja ,que se ha propuesto reclamar para el arte su
condición de enigma irresoluble, su condición autárquica y su dignidad. C.H.M
quiere reivindicar la insumisión y el caos como la única manera fiable de
aproximarse al arte.
PABLO VALBUENA .PARA-SITES: DEL ARTE COMO FINGIMIENTO
22 Septiembre, 2010 16:31
Artículo
publicado en el suplemento Cultura´s de LaVanguardia nº 431(22-09-2010)
La
Laboral de Gijón continúa con la línea expositiva fundacional y sigue fiel a su
propósito de incentivar todo tipo de investigación en el terreno del arte, la ciencia y las
tecnologías avanzadas. Laboral en el programa de este verano ha incorporado la exposición:”Para- Sites” de
Pablo Valbuena(1978) en colaboración con “Matadero. Madrid”.
Las tres propuestas de Valbuena son específicas para este centro expositivo
y se articulan en torno a espacios concretos que vienen
dados por la propia arquitectura del edificio, lugares que él ha escogido y
sobre los que interviene utilizando la
luz como materia y elemento vertebrador , junto al uso del espacio , el tiempo
y el movimiento. Pablo Valbuena determina el sitio de su intervención y crea
unos “para-lugares” en los que la realidad es intervenida, resaltada,
enfatizada a través de unas calculadísimas proyecciones lumínicas que no dejan
detalle por resaltar, como una doble capa de luz las líneas luminosas resiguen
el perímetro de una puerta, los detalles más pequeños y en algunos casos
incluso las aristas de un enchufe eléctrico o el gozne de una ventana. Es
ciertamente un dibujo hecho con líneas de luz que enfatizando los límites,
duplican los pliegues de la realidad y diluyen la diferencia entre espacio real y virtual.
Una primera intervención nos muestra un
espacio de columnas cilíndricas sobre las que la luz proyectada sobre ellas las
hace aparecer y desaparecer, las fragiliza y en algún caso incluso las mueve o
las esconde. La segunda se produce en una habitáculo blanco , una especie de
enorme cámara estenopeica en la que un punto de luz va dibujando al fondo de la
sala todos los limites que encuentra, el perfil va destacando todos los
relieves y luego desaparece. En la tercera hay un plano virtual sobre la pared
prolongándose o recogiéndose a medida que se desplaza el punto en la línea
sobre el plano del suelo que indica el recorrido o punto de vista donde debe colocarse
el espectador. En estas obras el sujeto es considerado como un valioso
observador objetivo, como un cómplice que debe encontrar el punto de vista
correcto desde donde mirar, potenciando, así, el fenómeno de la percepción
expandida.
Estas categorías arquitectónicas las utiliza a modo de ilusionismo visual que favorecen una nueva mirada sobre la realidad. El espacio se transforma de modo absoluto creando efectos propios del más exigente barroco como son el “trampantojo” y las superposiciones por capas pero en lugar de utilizar efectos dorados, volutas y rechonchos angelotes emplea el blanco y el negro que unidos a una depurada estética minimalista crean el oxímoron posmoderno de un estilo minimalista y barroco a la vez. Estas dos nociones estéticas de claro significado opuesto , tal como sería decir :”un clamoroso silencio” ofrecen al espectador la posibilidad de un nuevo sentido fundado en la paradoja.
Trampas al ojo.-
Un arte que quiere ser de desarrollo abstracto y geométrico se resiste a ser interpretado de modo temático más allá de la propia evidencia de sus estructuras concretas de espacio, luz y tiempo. Pero cuando se utiliza la ilusión visiva para simular una realidad que no existe y mediante el artificio se produce un engaño a la percepción, aparece la intención del artista y en consecuencia el espectador encuentra argumento e interpretación.
Este artista-arquitecto construye sin
ocupar el espacio. En ese proceso el espectador
puede llegar a creer ciertas las imágenes y ver lo que no es, lo que allí no se encuentra
y que no es más que una reproducción fantasmatica de la realidad. Esa es la
culminación de un proceso iniciado por
la arquitectura posmoderna de Peter Eisenman cuando se propuso demostrar
que la arquitectura no se encontraba “de facto” sino en su representación
virtual es decir “de iure”, la arquitectura ya no necesita ejercitarse en la
práctica sino como mera representación.
Pablo Valbuena con su obra postminimalista
y tecnológicamente avanzada nos vuelve a
recordar, como es obligado en toda buena propuesta contemporánea, unas certezas
inolvidables. En este caso la intención de tomar como real lo que es pura
imagen está cuestionando la realidad misma sobre la que se proyectan sus luces
como en una imaginaria pantalla en la
que la realidad y la vida son el espacio
de la pura representación apariencial , proponiéndonos en una época de incertidumbres donde se
encuentran los límites entre lo verdadero y lo falso. Una reflexión sobre el
arte como ilusión y fingimiento.
HUMBERTO
RIVAS:INEDITOS Y VINTAGE EN MICHEL SOSKINE INC.MADRID
22 Septiembre, 2010 16:50
Humberto Rivas y María.
Esta
buena foto de Marceli Sàenz fue publicada en El País el día 8 de Noviembre de
2009 era Domingo y el lunes la ciudad de Barcelona le iba a rendir
homenaje entregándole la Medalla de Oro
al Mérito Artístico. Humberto Rivas había muerto. Yo estuve allí y fue un acto
emotivo y pensé que parecía una última voluntad deliberada, parecía un silencio
más del fotógrafo de los silencios. Misterio y silencio se suelen atribuir a la
obra de Humberto Rivas y creo que eso más que una frase es una evidencia cuando
vemos la foto retrato que le hizo Marceli Sàenz . Es una foto que explica: su
rostro en primer plano y en color dialogando con el de su mujer en blanco y
negro ,un retrato de 1979. En esta foto hay indicios que mueven a la palabra,
que encienden la llama de una historia, sin embargo los retratos de Humberto
callan.
Ahora en Madrid desde el 16 de Sept.al 30 de Octubre se pueden ver parte de esos silencios en la exposición: Inéditos y Vintage en la Galería Michel Soskine Inc.
CRITICO INDEPENDIENTE
24 Septiembre, 2010 17:43
Hay palabras, gestos y personas que aparecen en la escena social , están un tiempo y luego desaparecen. Eso pasa con algunas expresiones como: visibilidad, protocolo de actuación, hacer un gestito imbécil con los dedos índice y medio para significar entre comillas, el Carmen cuéntanos de los presentadores de telediario, dabuten, vale, no es de recibo, pasarse tres telediarios, transversal , gestionar emociones, visibilizar o decir políticas en lugar de política etc, etc ,pero la que más me irrita ,con diferencia, por la contradicción que conlleva es: Artista Independiente, Crítico Independiente, Comisario Independiente estas expresiones son habituales en el mundillo artístico y se abusa de ellas hasta la saciedad.
La
facultad de Belles Arts ,antes de Sant Jordi, cuando hace ya unos años, no
muchos, elevó su listón teórico al infinito y convirtió las aulas rancias en
las que había restos de óleo y carboncillo
en pulcras mesas de formica, empezó a generar un ser hibrido, un Frankenstein
de la cultura que lo mismo era capaz de
hacer una reproducción de Tintoretto que un video de textualidad expandida, lo
mismo se desenvolvía en las complejas aguas de la antropología que daba una
clase de historia del siglo XVIII. Y naturalmente podía ejercer la crítica allá
donde le diera la gana y le dejaran. Así surgió la figura posmoderna del todo
terreno que en aras de la supervivencia puede hacer una cosa con la misma
eficacia que otra. Todos tenemos que vivir.
Los miembros de esa digamos Inteligencia Artística Barcelonesa han ido ocupando de un modo muy eficaz instituciones , escuelas y medios. Todos tienen en común hacer gala de ser críticos, también comisarios y además artistas INDEPENDIENTES.
Yo creo que eso tiene que ver con la edad y con una generación,sobre todo la generación nacida en los años sesenta que por actitud y talante se posicionó en el terreno que hasta entonces estaba dominado por los especialistas en materia teórica y crítica. Estos jóvenes que empiezan a tener una edad combinan sus cartas de una manera magistral, cuando les conviene son artistas, cuando les interesa son críticos, si se da la ocasión comisarios, profesores de historia del arte,conservador de museo y nuevamente artistas. Eso si , siempre independientes. He llegado a la conclusión que el calificativo independiente quiere decir que hacen lo que les conviene en cada momento, que no tienen que rendir cuentas ante ningún colectivo profesional que los controle, que en definitiva hacen lo que les da la gana.
Por otro lado: ¿si ellos son independientes, y hacen gala de ello, es que habrá colegas que no lo son? Los que no lo son: ¿de quién dependen? ¿Quieren decir que la crítica universitaria, los diversos comisarios internacionales, los profesores de teoría o de historia del arte no son independientes? O puede ser que se refieran a que no se imaginan a María Corral haciendo una exposición de acuarelas o a Manuel J. Borja- Villel ejecutando una Performance Fluxus en el MNCARS. Recuerdo la sorna respetuosa con la que los artistas de la época se referían al teórico más brillante del arte conceptual catalán y auténtico impulsor de la crítica barcelonesa Alexandre Cirici Pellicer, cuando decían en voz baja que llevaba a cabo una discreta práctica artística, vamos que había cierto cachondeo con sus acuarelas. Lo mismo sucedía con J.E.Cirlot, Santos Torroella y tantos otros, a quienes , como máximo se les toleraba que escribieran poesía , pero no que pintaran, ahora eso ya no pasa con ellos, los de ahora: son independientes .
La verdad es que debe ser que la envidia me corroe .Yo tengo una triste experiencia, he comprobado que cuando la cabeza me funciona a tope, lo poco que pueda o sea capaz, y me veo envuelto entre papeles y libros, de inmediato, se me paraliza la mano, no puedo pintar, ni dibujar, como si fuera imposible llevar una doble actividad: una más teórica y otra más artística. Naturalmente me refiero a una práctica con fuerte componente de oficio, no a un arte procesual y conceptista que entonces todo me va sobre ruedas. Supongo que debe ser una carencia, una limitación de mis dos hemisferios cerebrales o algo así, por eso me pregunto : ¿cómo harán estos que son capaces de actuar facticamente como los artistas, de pensar críticamente sobre su trabajo y el de los demás, como hacen los teóricos y encima comisariando exposiciones ,como los historiadores.
Eso les debe llevar a confusas contradicciones pues:¿ como pueden ser juez y parte? ¿No les sucede nada cuando se escogen a sí mismos como artistas de una exposición de la que hacen de comisarios y además critican a los que ellos no han escogido?.!Que lio!
Por lo que voy escribiendo en este Post DESDE MI TRINCHERA, creo que no debe extrañarnos estas rarezas de hibridación pues no son más que el resultado de la confusión en la que vivimos: por un lado la afirmación del discurso crítico y por otro las dudas sobre su existencia.
EL
EFECTO MUGURUZA-HIDALGO EN EL APOLO
03 Octubre, 2010 15:44
Ayer era Sábado y fue un día rico en
emociones y descubrimientos. Unas cuantas casualidades me llevaron al concierto
de Jabier Muguruza en el Apolo. Debo reconocer que fue un buen hallazgo. No
conocía al canta-autor vasco más que de su intervención en el concierto
homenaje que mi amigo Alberto Manzano
había organizado para homenajear a Leonard Cohen. Hizo una versión muy especial
del “Chelsea Hotel” y “So long Marianne”. De hecho fue el mismo Alberto quien
me invitó a asistir junto a unos amigos. Ahí ya capté el fondo melancólico que
utiliza este músico que junto al acordeón y los ritmos crean una sensación de alta poesía de lo
cotidiano y una sonoridad relajada y opiácea.
Las
mesas estaban dispuestas como en un café-concierto, mesitas redondas una vela
encendida en el centro, semi- oscuridad en la platea y en el escenario Jabier
Muguruza acompañado de dos de sus músicos junto al saxofonista Gorka Benitez. Junto a ellos, sentado en un
cómodo silloncito el crítico musical del País, Luis Hidalgo que igual que Muguruza es de Irún. Se trataba de un concierto singular,
algunos temas del disco Taxirik Ez(2009) más otros anteriores se intercalaban con las
intervenciones del crítico Luis Hidalgo y de las tímidas preguntas de los
espectadores. La situación era muy interesante. De ella he querido sacar
algunas conclusiones superficiales en relación a la práctica artística y a la
crítica en general.
Una , es que muy pocas veces se puede conjuntar: autor, público y crítica en un mismo espacio. Me imaginaba si eso sería posible en el Arte: ver una obra de Barceló, sumando sus comentarios, los del crítico y el espectador.
La
segunda es que actualmente se quiere explicar todo con un excesivo afán
didáctico y los museos de arte
contemporáneo desmenuzan para los escolares y párvulos las terribles obras de
Francis Bacon o las complejas esculturas de Eva Hesse, tal como Muguruza e
Hidalgo hacían con la música y sus canciones.
La tercera y última es que todas las
preguntas del público las hicieron las chicas. Yo tuve la tentación de
intervenir por aquello de la paridad. Creo que eso es debido a la superioridad
del cerebro de las mujeres sobre el de los hombres. Es decir que tras la
interpretación musical en el que el cantante conseguía el clima , la
atmósfera pensada para cada canción y
una vez el espectador había puesto en marcha el hemisferio de las sensaciones ,
la audición, la vista. Las papilas gustativas en marcha debido a la cerveza que
iba tomando, las imprecisas intuiciones sobre las palabras en Euskera que no
comprendía pero del que me llegaba su rica sonoridad, cuando todo esto
arrancaba y se colocaba a la altura de vuelo adecuada , ¡zas! se producía un
brusco descenso a las simas de la palabra razonada y los argumentos, a la
orbita de las preguntas, la reflexión y las respuestas con la luz encendida.
Esa montaña rusa de ascensos y descensos bruscos me hizo el cerebro
“fosfatina”.
Se
dice que la mujer puede hacer dos cosas a la vez y el hombre solo una. Creo que
esa fue la culpa de que mi cerebro acabara tan estresado. Yo, como he dicho
subía las cimas más altas de la
sensibilidad musical y caía en picado al suelo de la cruda realidad. Mientras
las mujeres de la sala podían hacer las dos cosas con naturalidad para ellas no
había ninguna dificultad en combinar pensamiento y emoción. Nosotros no
podremos hacerlo nunca y de ahí la diferencia comprobada a través del contraste
entre música y palabra del efecto Muguruza.
GONZALO
TENA EN TORREON FORTEA. BEING
jesusmc
| 09 Octubre, 2010 09:32
Begin Being. Presente Continuo
Tropismos.
Jean Paul Sartre , en 1939, se fijó en la obra de una joven escritora, era la primera de Natalie Sarraute titulada “Tropismes”.La publicó en una época de preguerra y post vanguardia que estaba dominada por una escritura atrevida y experimental. Samuel Beckett, Gertrude Stein y Sarraute ponían los cimientos de un nuevo modo de entender la literatura y la vida.
El tropismo es un fenómeno biológico que afecta especialmente a las plantas, esta estrategia desplegada por la naturaleza consiste en que una planta que por definición se encuentra inmóvil en un territorio, sabe reaccionar de modo adecuado a sus necesidades, ante un estímulo externo , detectando aquellos factores de aceptación o rechazo que le permitan sobrevivir. Este fenómeno es apenas perceptible y muy sutil, así, casi sin darnos cuenta, tímidamente, nuestro “ficus benjamina” se dirige a la casa del vecino asomándose tras la tapia, porque allí encuentra la luz que nosotros no le damos o se retrae cuando necesita sombra.
Igual que sucede con las plantas, los indicios sutiles, los pequeños gestos permiten que las obras de algunos artistas avancen lentamente o retrocedan, se exhiban o se escondan. Un modo de hacer que define no solo una obra sino también una actitud creativa y un comportamiento personal. Por eso el “Tropismo” ha quedado para la cultura como un sinónimo de actitudes creativas fragmentadas, discretas, como el síntoma inconcluso de una acción y como calificativo útil para todos aquellos que como Gonzalo Tena aparecen y desaparecen de la escena del arte y que actúan de modo discontinuo, discreto y perseverante.
La obra de Gonzalo Tena es “Tropista” desde que en 1999 , convirtiera a la escritora Gertrude Stein en su fuente de inspiración , trabajando con : Gertrude (1999), Stanzas (2000), War (2001), The relation of Human Nature to the Human Mind (2007) .Ha ido siguiendo la estela de la escritora norteamericana e impregnado por su espíritu se propone profundizar en la esencia del lenguaje creativo, quiere usar la palabra y la pintura para desvelar y para esconder. A través de textos breves y de imágenes, casi sin acabar nunca, pero empezando continuamente. Tena, se dedica a destacar y escoger las ínfimas manifestaciones del yo, a transformar sutilmente en obra las vibraciones positivas o negativas que recibe del exterior tal como he dicho que hacen las plantas, creando movimientos interiores que calan, sutilmente, en la conciencia del que mira o del que lee.
Como buen creador “tropico”, cuestiona el imperio del discurso único en el arte. Despliega su voz a trozos, utilizando una estética que propicia la repetición y en la que a través de la insistencia sobre lo mismo, favorece el surgimiento de la diferencia. Esa es la cualidad de la repetición, “mantram” cultural que nunca cesa, recordando lo primordial y abandonándose a la pseudo conciencia del conocimiento del mismo modo que un orante hace con una letanía.
LA TRISTEZA DE DAVID MALJKOVIC
28 Octubre, 2010 19:48
Artículo publicado en el suplemento nº 436 de Cultura´s de LaVanguardia. 27.10.2010
Esta instalación, este “gabinete perdido” deja al espectador afligido,
apesadumbrado. Todo alude a la funesta, a la deplorable sensación del fracaso.
Eso lo ha conseguido reproduciendo una
estética fría que ya en los años del triunfo
pronosticaba su triste final, así : la construcción del expositor se ha
hecho con madera de poca calidad, tiene un acabado deliberadamente
deficiente en el que el color blanco
,con rastros de pinceladas y algo rozado, sirve de fondo para sus obras
enmarcadas , unas cortinas deshilachadas cubren la fría luz de unos
fluorescentes, tres ficus polvorientos a ambos lados de la instalación
recuerdan la vida de lujo artificial de la burocracia en los despachos. En las
obras colgadas hay imágenes recortadas con precisión geométrica
de la prensa o de revistas antiguas, un “decollage” que genera la poética de
la ausencia , de lo que ya no está.
También hay añadidos, formas- collage, foto-collage y algunos esbozos de lápiz
sobre papel.
Este es el gabinete de la pérdida, autentica generadora del sentimiento inevitable de tristeza cuando tras
haber postulado la ilusión de la utopia de una vida mejor finalmente
esta acaba con la decepción. Como ciudadano joven de Zagreb, Maljkovic ha
vivido la tragedia del tránsito de la antigua Yugoslavia comunista a la independencia
de Croacia en 1991.Ha visto, en poco tiempo, unos cambios ideológicos tan
bruscos como ningún país europeo podía imaginar con miles de muertes, limpiezas
étnicas y todo tipo de barbarie.
Por estas vivencias, sus obras realizadas en los últimos años utilizan
la revisión de la memoria histórica aplicada al arte, con la intención que la imágenes , los lugares y las cosas impresionen los sentidos y graben en la mente del espectador el aforismo
según el cual: “Aquellos que olvidan su pasado están condenados a repetirlo”.
David Maljkovic en apenas unos años ha constatado como la ilusión del
mensaje comunista que anunciaba salvación y progreso se ha quedado en nada, por
eso, en esta crónica quiero abundar sobre la paradoja de encontrarme ante la
obra de un artista de éxito, emergente y optimizado que sin embargo con su obra
desprende una insoportable sensación de tristeza absoluta definida por la
pérdida y la ausencia.
Sin embargo, no todo es una mirada sobre el abismo del tiempo pasado. En
uno de los collages la fecha original de una envejecida revista de arquitectura
ha sido manipulada y junto a un dibujo en lápiz y un coche del futuro sin
ruedas aparece la aurora de una fecha y un lugar: Zagreb 2067. Estos dígitos
escritos a mano por el artista quizá anuncien, con tímido entusiasmo, el
regreso de una nueva utopia a su país. El renacimiento de una ilusión que debido al ciclo repetitivo del
tiempo y a la perversa obstinación humana, volverá a traer un nuevo e
inevitable fracaso.
BURROUGHS: A MAN WITHIN
31 Octubre, 2010 22:09
La prudencia en el arte.
Me imagino a un espectador maduro, alguien que conoce en carne propia las intensas y emocionantes historias que narra esta película y que cuando regresa a su casa se encuentra a su hijo tirado en una cama revuelta con los rastros de una noche de amor con una desconocida y con el desorden adolescente propio de la vida recién inaugurada, ahí se respira la atmósfera opresiva del tigre en la jaula, se lo encuentra, tal como hizo él hace tantos años, leyendo los últimos capítulos de una nueva edición del “Almuerzo desnudo” con la guitarra eléctrica en un rincón de la habitación. Las escenas de la película vienen de repente aglomeradas a su cabeza, el reguero de sangre y dolor que el “tio Williams” dejó tras sí, y entonces no puede hacer otra cosa que empezar a revisar los cimientos sobre los que se ha construido la mítica romántica del artista como apóstol del exceso, y muy especialmente la vida de los músicos de rock. Entonces llevado del miedo y la compasión se convierte en la encarnación misma de Prudencia: Prudencia : esa mujer rica, vieja y fea que es cortejada por la incapacidad.
Entonces recuerda los conocidos versos de los Proverbios del Infierno de William Blake: Conduce tu carro y tu arado sobre los huesos de losmuertos. El camino del exceso lleva al palacio de la sabiduría. Prudencia es una rica vieja y fea mujer cortejada por la Incapacidad.
El riesgo de la Prudencia es obvio y ya lo sabía Blake en el siglo XVII cuando decía que: aquel que desea pero no actúa alimenta la Pestilencia. Nunca el águila malgastó tanto su tiempo como cuando se avino a aprender del cuervo.
La prudencia y el amor abren el camino del medio. Un camino más adecuado para caminar, a veces lentamente, otras apresuradamente pero sin los sobresaltos autodestructivos propios de la pasión desatada. La esperanza de una vida basada en el amor es de los últimos pensamientos que escribió el tio Burroughs, unas palabras póstumas, un auténtico testamento vital de alguien que al final de su vida añoraba el valor de los valores; la carencia del amor llevó a este joven heredero de una empresa de maquinas de calcular formado en Harvard a vivir constantemente al borde del acantilado. ¿pero acaso no tiene más prestigio la aventura, el suceso frente al nunca pasa nada? Sé que al leer esto un puñado de amigos estarán un tiempo sin hablarme. La poética del exceso es siempre atractiva, tanto para artistas jóvenes como para mayores, la búsqueda de la templanza suena a autoayuda y la calma que los franceses anuncian incluso en las autopistas: “soiyez zen”, un perfecto aburrimiento positivo a la espera de la armonía y el amor.
Un año más , con las lluvias de Otoño, las castañas y los boniatos perfuman la esquina de los cines de la calle Aribau con Universidad, llega el Festival IN-EDIT-Beefeater de cine documental musical de Barcelona. Va por la 8ª edición. El otoño es un buen momento para la nostalgia y cada año tengo ocasión de hacer memoria y poner música a los recuerdos. También es momento de descubrir músicos de los que no conocía absolutamente nada y de constatar hacia donde camina la sensibilidad contemporánea ,es momento de saber hacia donde vamos.
Ayer empecé las sesiones del festival de la
mano huesuda y desnuda de William S. Burroughs. La “beat generation” está
siempre presente en este festival:
Kerouac, Ginsberg o Burroughs acaban saliendo en la pantalla, recordándonos el
horror , el aullido y la muerte desde el que se forja gran parte de la música
contemporánea que nos gusta. En esta ocasión ha sido con el documental de Yony Leyser con música realizada
especialmente para la obra por Patti Smith y Sonic Youth, junto a esporádicas
apariciones de Laurie Anderson, Iggy
Pop, U2, incluso del inocente Sting, todos ellos confirman la adoración que la
cultura musical tiene hacia este maldito escritor. La película documental de 88 minutos es una
“premier” del 2010 y su director ha hecho un repaso impecable, casi didáctico,
por todos los capítulos de la vida y de
la obra del “tio Williams”,tal como él mismo Burroughs se nombra en la
declaración introductoria a su “Naked Lunch” (1959). Un tío que estuvo rodeado
de jóvenes sobrinos hasta el momento de
su muerte en 1997.La gran cola de entrada al cine , así como la juventud del
director, confirmaba el interés permanente de nuevos lectores desde la
publicación castellana de “Almuerzo Desnudo” en Anagrama en 1989, este libro ha
tenido una reedición anual que ha llegado a la veintena de reediciones en la actualidad. En ese rito
periódico, cada año jóvenes y potenciales sobrinos conocen a través de sus
libros el mundo abisal del infierno , un descenso que pueden continuar con
lecturas del respetable anciano como:
Yonqui(1953), Marica(1985), o Las
cartas sobre la ayahuasca que se cruzó con Ginsberg(1963).
Contra Burroughs.
William S. Burroughs deja de ser una curiosidad intelectual cuando más allá de la corrección crítica y de la valoración sobre la importancia de su obra o su modelo de vida, se acaba comprobando que el testimonio cinematográfico nos muestra cómo su vida era un espejo idéntico de su obra. A través de tantos años consiguió ser un yonki superviviente pues ,tal como alguien dice en el documento, siempre era el primero en usar la jeringuilla y mientras los demás sucumbían a lo que el mismo consideraba un invento de laboratorio y causante de la gran peste del siglo XX, mientras su amigos caían rendidos por el Sida, él seguía viviendo como un yonki extrañamente longevo y satisfecho. Coleccionista de pistolas no sólo las tenía, sino que siempre tenía una cargada bajo la almohada por si debía matar nuevamente a sus fantasmas. Matarlos tal como hizo con su mujer al ponerle un vaso sobre la cabeza y jugar puerilmente a Guillermo Tell. La cabeza le estalló como una manzana madura. Sin sentimiento de culpa alguno se dirigió sin escrúpulos a su próxima victima : su hijo Williams Burroughs III que queriendo emular el comportamiento de su padre y buscando la inspiración que le faltaba en la bebida y las drogas murió a los 32 años. Los hijos de la genialidad sufren las consecuencias de la alta creación de sus padres son las víctimas sacrificiales del rito del arte. Sobre esto, hace unos años escribí un poema en prosa que se llamaba : Muerte en Barcelona. Lo escribí como reconocimiento a los excesos del cineasta Jacinto Esteva y como homenaje a la serenidad de su hija Daría:
No quiero olvidar aquel día en el que ebrio de ti, como siempre, disparaste contra el radiador de agua. Tu “magnum” lo destrozó , el vapor se esparció por toda la casa. Aun veo las brumas, sus sombras.Disparaste contra todo. Elefantes, amantes, hijos, cuadros, puertas y radiadores de agua. De tus perturbadas dotes de artista sólo te queda una bolsa del Corte Inglés con las cenizas de tu hijo. Con algunas de sus cosas y la soledad del aeropuerto y el vapor de agua. Sólo he escrito una vez contra ti, contra Jacinto, en un arrebato de ira, en un pensamiento sobre la muerte, y me quedo aquí, admirando la serenidad de tu hija Daría.
ACCA:
VI SIMPOSIO INTERNACIONAL DE CRITICA DE ARTE
12 Noviembre, 2010 21:56
Pep Agut : auras calientes para el apóstol de las auras frías.
La
Asociación Catalana de Críticos de Arte ha organizado el VI Simposio
Internacional de Critica de Arte en un mundo global con el título de :”Alter
Modernidad y Espacio Global”.
En esta ocasión el programa oficial tiene dos partes: la primera el
primer homenaje profesional que se hace al crítico de las auras frías José Luis
Brea y en segundo lugar, el simposio propiamente dicho , en el que se trataran
los siguientes temas:”Promenades Muséales”: cine, museo y la proyección de la
intimidad pública”,”Arabian Stars”: Un dialogo entre William Jeffett y Jordi
Colomer, El cuerpo fragmentado de la ciudad contemporánea ( el Hong Kong de
Wong Kar Wai), El impacto de la mediación electrónica en la creatividad global,
Contexto y Traducción y Arte/postcolonialidad: rediseñando el debate
desde la transculturalidad.
Pese al riguroso planteamiento académico
del simposio,el primer episodio ha
estado marcado por un suceso insólito.
El artista Pep Agut participaba
junto a Miguel Angel Hernandez, Juan Martin Prada y Juan Luis Moraza en una
mesa redonda moderada por Pilar Parcerisas, justo al final de la sesión de
tarde de este viernes 12 de Noviembre. Cuando los argumentos de los profesores
Juan Martin Prada y Miguel Angel Hernandez aun resonaban en la sala con el eco
críptico de la terminología hiper culta de unos analistas que querían estar a
la altura de la complejidad intelectual que los tiempos modernos exigen y que
el mismísimo Jose Luis Brea habría avalado.
El primero en intervenir fue Pep Agut, era el
momento de abrir los discursos complejos, los elogios fúnebres tintados de aura
fría como correspondería al homenajeado, el momento de hablar de las tres eras
preconizadas por José Luis, era el momento del abrazo con lo mineral, era el
momento de hablar de memoria Ram, Rom y Rem, era el momento de desplegar las
retóricas de la resistencia de ejercer la potencia de los estudios críticos
frente al triunfante“ capitalismo antihegemónico por parte de los integrantes
de la mesa, y sin embargo Pep Agut que debía hablar el primero no lo ha podido
hacer porque la emoción y las lágrimas anudaban su garganta. Ha pedido excusas
y ha cedido la palabra al resto de participantes. En ese momento ha sucedido el milagro, ha
aparecido la esencia misma de lo artístico y la historia se ha acomodado al
propio discurso de José Luis Brea, ha sucedido que se ha hecho realidad la
predicción del crítico cuando escribió : “Muévete hacia mi le dijo el
PENSAMIENTO a lo que ACONTECE.
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